¿Cómo pueden nuestros prejuicios raciales o sociales ser explotados por los poderosos? En “Zootopia 2”, Disney examina esta pregunta para desmontar nuestras ideas preconcebidas, enfrentando a su improbable dúo policial, una coneja y un zorro, al miedo hacia los reptiles. Nueve años después de la primera edición que se llevó el premio Óscar, “Zootopia 2” se sumerge en un universo que le ha valido a Disney ventas por 1.000 millones de dólares en todo el mundo a pesar de, o debido a, esta clara ambición moral.

“Lo que es genial sobre estas películas es que son como fábulas”, dijo a la AFP Byron Howard, uno de los dos directores de la película. “Estos animales son una forma genial para poner un espejo frente a la naturaleza humana y los errores que cometemos”, agregó. Esta entrega invita a sumergirse de nuevo en Zootopia, una metrópolis moderna donde depredadores y presas han aprendido a coexistir sin devorarse entre sí, aunque los estereotipos continúan influyendo en las relaciones.

Judy, la primera coneja en formar parte de la fuerza policial de la ciudad, le demuestra a sus colegas machos, como búfalos, hipopótamos y jabalíes, que ella merece su lugar en el departamento de investigaciones. En su camino, la coneja forja una inesperada alianza con Nick, un zorro solitario cuyo pasado como estafador revela que puede ser un valioso recurso en la fuerza.

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Esa amistad incipiente será puesta a prueba cuando una serpiente, una especie prohibida hace mucho en la ciudad, comete un robo durante la gala de celebración del centenario de la metrópolis. Pero cuando llega el momento de arrestar al culpable, Judy descubre que la serpiente cascabel Gary simplemente trata de revelar un secreto para reivindicar el honor de su familia.

“Tenemos muchos conceptos erróneos sobre los reptiles y las serpientes en general”, comenta el co-director Jared Bush. Pero Gary es “el personaje más bondadoso, cálido y vulnerable que hayamos hecho”. A pesar de las objeciones de Nick, Judy deja escapar a Gary y ambos policías se vuelven fugitivos. Entonces comienzan una aventura que los lleva a descubrir cómo los gobernantes de Zootopia han explotado los estereotipos para mantener a los reptiles excluidos de la ciudad.

Como toda pareja dispareja, Judy y Nick chocan constantemente a medida que avanzan hacia el inevitable final feliz. “Tienen formas muy diferentes de ver el mundo”, dijo Howard. “Fue realmente divertido para nosotros ponerlos a prueba y básicamente hacer que se miraran y dijeran: ‘¿Son estas diferencias demasiado para que nuestra alianza tenga éxito?’”.

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Con una banda sonora que incluye pegajosas canciones pop de Shakira, quien también retoma su papel como Gazelle, Disney produjo un cuento que promueve la diversidad, algo que parece estar a contramano con la actualidad. Al igual que la primera entrega, lanzada en 2016 al comienzo del primer mandato de Donald Trump, esta lección sobre convivir choca con la dirección que ha tomado Estados Unidos bajo un presidente que rutinariamente desprecia a los inmigrantes y socava la noción de inclusividad.

Disney, acusada por los conservadores de ser progresista, ha sido objeto de una investigación por parte de la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC), que está examinando sus prácticas de contratación. Pero para los creadores de “Zootopia”, estos paralelismos con los eventos actuales son simplemente una coincidencia de tiempo para una historia destinada a ser atemporal y que tomó varios años desarrollar.

“Como seres humanos, existe esta tendencia natural a mirar una diferencia en otra persona y preocuparse por ella o tener una opinión al respecto”, dice Bush. “Lo que estamos tratando de decir con esta película es que, sí, esas diferencias existen, pero somos más fuertes gracias a ellas”.

Fuente: AFP.

A casi una década de su debut en el Festival de Cannes, por primera vez llega a cines de Latinoamérica este jueves 16 de octubre “La tortuga roja”, joya de la animación dirigida por Michaël Dudok de Wit y producida por el legendario Studio Ghibli, productora detrás de clásicos del animé como “La tumba de las luciérnagas” y la ganadora del Óscar “El niño y la garza”.

Esta delicada fábula sin diálogos coproducida por el estudio japonés y la compañía de ventas internacionales Wild Bunch tuvo su estreno mundial en el prestigioso certamen francés en mayo de 2016. Cuando apareció en pantalla el logo de Studio Ghibli, el público se sorprendió porque, a diferencia del clásico Totoro trazado en blanco estampado en fondo celeste, el fondo era rojo y la figura venía delineada en negro.

Ese rojo además de hacer referencia directa al título de la película marcaba la singularidad de “La tortuga roja” dentro de la historia de Ghibli: era la primera vez que el estudio producía una película con un director extranjero y no en Japón. La película haría historia en Cannes días más tarde llevándose el Premio del Jurado en la sección Una Cierta Mirada y meses más tarde siendo nominada al Óscar a Mejor Película Animada.

“La tortuga roja” narra la historia de un hombre que, tras ser arrastrado por una tormenta, despierta en una isla virgen y salvaje, rodeado de tortugas, cangrejos, aves y el inquebrantable silencio del mar. Acompañado solo de un frondoso bosque de bambú y fauna silvestre, intenta escapar construyendo balsas, pero una misteriosa fuerza que habita en las profundidades lo detiene cada vez. Representada por una majestuosa tortuga roja, este encuentro cambiará su destino para siempre.

La narrativa se desarrolla a través de imágenes poderosas, silencios elocuentes, y una partitura envolvente compuesta por Laurent Pérez del Mar, que guía cada emoción con sensibilidad y profundidad. Más que una película, “La tortuga roja” es un poema animado sobre los grandes ciclos de la existencia: la soledad, el amor, el arrepentimiento y la reconciliación. Es también un homenaje al equilibrio entre el ser humano y la naturaleza, y a la belleza espiritual que se encuentra en lo simple. “Michael ha conseguido describir la verdad de la vida, de forma sencilla pero profunda, y con verdadero corazón. Es un logro asombroso”, afirma el productor de la película y fundador de Studio Ghibli, Isao Takahata.

Aclamada de manera unánime por críticos y espectadores, esta pieza maestra de Studio Ghibli es una experiencia cinematográfica única, íntima y profundamente humana que invita a cada espectador a encontrar su propia interpretación. Considerada una de las obras más sensibles e innovadoras del cine animado contemporáneo, “La tortuga roja” llega para tocar el corazón, alimentar la imaginación y recordarnos que incluso en el silencio, la vida habla. Por primera vez en cines desde el 16 de octubre.

La aclamada película animada “Ángelo en el bosque mágico” (Angelo, dans la forêt mystérieuse) llega a cines locales en el mes de octubre, después de conquistar a la crítica, emocionar al público y brillar en los prestigiosos festivales de Cannes y Annecy. Esta coproducción franco-luxemburguesa dirigida por Alexis Ducord (Zombillénium) y Vincent Paronnaud se basa en la premiada novela gráfica homónima creada por este último, quien en 2007 también adaptó al cine el popular libro ilustrado “Persépolis” en tándem con su autora, la novelista francoiraní Marjane Satrapi.

La trama sigue a Ángelo, un niño de 10 años apasionado por las aventuras, que durante un viaje familiar queda olvidado en una gasolinera en plena carretera. Decidido a reencontrarse con sus padres que viajan a ver a su abuela enferma, Ángelo se adentra en un bosque mágico lleno de criaturas fantásticas que incluyen desde una nube temperamental hasta un gigantesco monstruo de pasto. En su camino deberá aliarse con algunas de éstas para enfrentar a Ultra, un villano que amenaza con secar los manantiales de la vida. Acción, humor y un despliegue visual único que oscila entre cuidados efectos tridimensionales y un tradicional 2D, “Ángelo en el bosque mágico” está pensada para disfrutarse en pantalla grande, por grandes y chicos.

La película ha sido aplaudida por su creatividad visual y capacidad de emocionar sin perder el humor. La crítica internacional ha destacado su “equilibrio entre fantasía y sentimientos genuinos” (Common Sense), mientras que en Letterboxd los espectadores celebran su energía, personajes entrañables y frescura narrativa. “No tenemos miedo de los clichés si sirven para la historia”, afirma Vincent Paronnaud, reflejando el espíritu libre con el que él y Ducord abordaron la producción.

El éxito de la película de animación “Las guerreras k-pop”, el largometraje más visto en la historia de Netflix con 344 millones de reproducciones desde finales de junio, marca un nuevo hito en la difusión de la cultura surcoreana en todo el mundo, explican sus directores. “En Corea del Sur nos preguntamos si se trataba realmente de un producto coreano, ya que la película está realizada por un estudio estadounidense”, Sony Pictures, dijo su codirectora Maggie Kang en una entrevista con AFP esta semana en París.

“Pero para mí sí, totalmente, porque todo lo que hay en ella ha pasado por nosotros (Maggie Kang y Chris Appelhans) y resulta que yo soy coreana”, añadió. Kang nació en Seúl y, aunque creció y pasó la mayor parte de su vida en Canadá, vuelve a menudo a su país natal, con el que mantiene un fuerte vínculo. Según las últimas cifras de Netflix, la película ha acumulado 344 millones de visionados, un récord en la plataforma.

También es la primera vez que un producto procedente de la cultura surcoreana, pero fabricado fuera del país y en lengua inglesa, tiene tanto éxito, lo que demuestra la influencia cultural de este país asiático. “Las guerreras k-pop” (“K-Pop Demon Hunters” en su título original) cuenta la historia del grupo de música HUNTR/X, cuyas tres cantantes son también cazadoras de demonios y protegen en secreto al mundo.

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Gracias a su música y a la energía de sus fans, alimentan la barrera mágica que aprisiona las almas malvadas en otro universo. Los directores de la película trabajaron con uno de los sellos discográficos más importantes de k-pop, The Black Label, para componer la música, como la pegadiza “Golden”, que lleva semanas en lo más alto de las listas estadounidenses. Las canciones de la banda sonora se encuentran entre las más escuchadas en las plataformas desde el estreno del filme.

“Nos preocupaba si la comunidad del k-pop aceptaría a los personajes de la película como un grupo real, pero lo hicieron casi de inmediato”, contó Kang. La película combina varios elementos de la cultura surcoreana, incorporando referencias a la moda, la gastronomía y el folclore del país.

“Contamos con voces coreanas en todos los niveles (de la película), ya fuera para escribir la historia, la animación, la iluminación o la composición, y todas ellas contribuyeron a la autenticidad, no solo yo”, insistió Kang, que reivindica contar una historia coreana y no coreana-estadounidense.

Fuente: AFP.

• Por David Sánchez, desde Madrid (España), X: @tegustamuchoelc (*).

En un anuncio exclusivo durante Iberseries & Platino Industria 2025 el pasado 2 de octubre en Madrid (España), Eugenio Derbez, junto a su familia —Alessandra Rosaldo, Aislinn Derbez, Vadhir Derbez y José Eduardo Derbez— y 3Pas Studios, presentó Studio DRBZ, un estudio digital dirigido a las audiencias de Latinoamérica y del mercado hispano de Estados Unidos.

Con un alcance combinado de más de 180 millones de seguidores en redes sociales, la familia Derbez desarrollará proyectos en cine, televisión, formatos digitales, espectáculos en vivo, podcasts e iniciativas de comercio. Cada integrante liderará contenidos que reflejen su estilo único, mientras que Eugenio asumirá el rol de chairman y Ben Odell el de CEO.

El equipo directivo de Studio DRBZ incluye a Javier Williams (presidente de contenidos en español de 3Pas y CEO de Visceral), Leonardo Zimbrón (EVP de cine), Pablo Calasso (COO de Visceral) y Jordan Rubio (VP de comedia y contenidos familiares). La nueva compañía se enfocará en proyectos familiares, mientras que 3Pas continuará con un portafolio más amplio.

El evento también destacó la participación de Eugenio en dos actividades clave: la charla “Keynote Eugenio Derbez: La visión creativa”, donde compartió su perspectiva sobre el futuro del entretenimiento latino, y el panel “El poder de la familia: Los Derbez”, centrado en la dinámica de la familia en la industria.

En una entrevista exclusiva con este periodista, Derbez expresó su entusiasmo por esta nueva etapa, subrayando el potencial de Studio DRBZ para “conectar con audiencias globales a través de historias auténticas y relevantes”, consolidando así su legado como motor cultural en medios tradicionales y digitales.

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El actor, director y productor mexicano Eugenio Derbez (Ciudad de México, 1961) es hoy uno de los grandes referentes del audiovisual en español. Tras su consolidación en la televisión con programas como Al derecho y al Derbez, y después en el cine con éxitos como La familia P. Luche, alcanzó fama internacional con No se aceptan devoluciones (2013), la película mexicana más taquillera en la historia de Estados Unidos. Años más tarde, sorprendió con su faceta dramática en CODA —ganadora del Óscar a Mejor Película en 2022— y en Radical (2023), un film que lo consagró como actor capaz de transitar entre géneros y conectar con públicos globales.

En el marco de Iberseries & Platino Industria 2025, celebrado en Matadero Madrid el 2 de octubre, Derbez habló en exclusiva con este periodista sobre la importancia de estos encuentros, los retos de la industria y su propia evolución artística.

Al inicio de la conversación, Derbez se mostró convencido de la relevancia de este tipo de foros. Según indicó, “tanto Iberseries como los Platino son algo que la industria venía necesitando desde hace mucho tiempo”. Para él, resulta “absurdo” que, a pesar de compartir idioma en toda Iberoamérica, “las películas mexicanas no viajen a Argentina, las argentinas no se vean en México o las españolas apenas circulen por Latinoamérica, mientras que todos consumimos Hollywood en inglés”.

El actor continuó diciendo que espacios como este han logrado “juntarnos para empezar a compartir nuestro propio cine y construir una comunidad más fuerte”.

Sobre su serie Acapulco, Derbez explicó que, aunque hable de un lugar muy concreto, la historia trasciende lo local. “En realidad trata de la conexión humana”, dijo. Se refirió a los vínculos entre los personajes del hotel: “cómo se enamoran, cómo persiguen sus sueños, cómo se pelean y hasta dónde son capaces de llegar por ambición”.

El comediante señaló que esas situaciones plantean dilemas universales: “Todos nos hemos preguntado alguna vez qué tanto estamos dispuestos a sacrificar para alcanzar el éxito. ¿Sería capaz de aceptar algo que sé que no está bien, con tal de conseguir un mejor puesto o ganar más dinero? Ese es el trasfondo de Acapulco, y por eso la gente se identifica”.

Al hablar del sello latino en el cine, Derbez fue crítico con la mirada estadounidense. “En Estados Unidos piensan que cualquiera que tenga un abuelo latino ya es mexicano o colombiano”, comentó, lo que provoca “películas llenas de clichés”. Según ejemplificó, es común ver producciones donde “un restaurante mexicano aparece con bailarines flamencos”, una mezcla que demuestra, en sus palabras, “que no entienden nuestras tradiciones como las entendemos los verdaderos latinos”.

También comparó el humor de ambas culturas. A su juicio, el estadounidense “es más simple” y eso complica que la comedia viaje. “Cuando quieres que un chiste funcione a nivel mundial, tienes que reducir mucho el abanico de temas, y eso limita”, subrayó.

Uno de los momentos más interesantes fue cuando recordó el salto de la comedia al drama con Radical. Según confesó, muchos productores no creían en el proyecto. “La mayoría de los ejecutivos se enfocan en lo seguro porque lo único que quieren, y es fuerte lo que voy a decir, es conservar su trabajo”, explicó.

Derbez añadió que, en su experiencia, “si se equivocan, los despiden, así que prefieren apostar a lo seguro antes que arriesgarse con una historia distinta”. Sin embargo, recordó con satisfacción que Radical fue un gran éxito de taquilla pese a las negativas iniciales. “Al principio me decían: ‘no, no, Eugenio solo debe hacer comedia’. Pero al final la película funcionó espectacularmente. El problema es que cuidan más su trabajo que el producto”, sentenció.

Ante la pregunta de si preferiría ser recordado por No se aceptan devoluciones o Radical, Derbez se tomó un momento y luego respondió: “Creo que Radical, porque es más cruda, más honesta y refleja mejor al Eugenio de ahora”. No obstante, matizó que No se aceptan devoluciones “siempre será mi bebé, porque ahí está el Eugenio director y comediante”.

Otro de los temas en la agenda de Iberseries fue la presencia de Corea del Sur como país invitado. Derbez se mostró entusiasmado al respecto: “Me acabo de enterar de que este año están Corea e India, y me encanta. Admiro lo que están haciendo los coreanos, siento que están rompiendo la industria”.

Según comentó, el cine de Corea le resulta sorprendentemente cercano: “Cuando veo películas coreanas pienso que son más parecidas a Latinoamérica que a Estados Unidos. Tenemos más en común con ellos de lo que parece. Ojalá pronto podamos hacer una coproducción, sería maravilloso”.

Eugenio Derbez dejó claro en Madrid que ya no es solo el comediante que conquistó a varias generaciones, sino también un creador con una visión crítica de la industria. Su capacidad de alternar géneros, su sensibilidad para conectar con historias universales y su interés en tender puentes culturales lo consolidan como una de las voces más influyentes del audiovisual iberoamericano.

En palabras suyas, Iberseries es el escenario perfecto para recordar que el futuro del cine en español pasa por mirarnos entre nosotros, antes de mirar únicamente hacia Hollywood.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.