La actriz británica Maggie Smith, mundialmente conocida como la sarcástica abuela aristócrata de ‘Downton Abbey’ y la profesora Minerva McGonagall de la saga ‘Harry Potter’, entre decenas de otros papeles, falleció el viernes a los 89 años. Maggie Smith, ganadora de dos Oscar, “murió pacíficamente, en el hospital, esta mañana temprano”, anunciaron sus hijos, Chris Larkin y Toby Stephens, en un comunicado.

“Era una persona muy reservada, pero estaba con sus amigos y familiares en los momentos finales de su vida. Deja dos hijos y cinco nietos que están devastados por la pérdida de su extraordinaria madre y abuela”, añadieron. Sus papeles de la profesora McGonagall, con la capacidad de convertirse en gato, en Harry Potter, y Violet, el personaje de ingenio punzante que encarna en la serie de televisión ‘Downton Abbey’, hicieron subir su popularidad en los últimos años.

Smith también ganó los Oscar a mejor actriz por su intervención por “Los mejores años de Miss Brodie” (1969) y a la mejor actriz de reparto por “California suite” (1978), por lo que forma parte del selecto grupo que ha ganado la estatuilla en ambas categorías. Su carrera estuvo marcada por la diversidad de roles y géneros, desde la madre superiora en “Cambio de Hábito”, (Sister Act, 1992), junto a Whoopi Goldberg, pasando por una mujer neurótica en “Una habitación con vistas” (1986) o una anciana sin hogar en “The lady in the van” (2015).

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Su fama y reconocimiento subió como la espuma con su papel de la condesa viuda en ‘Downton Abbey’, emitida entre septiembre de 2010 y diciembre de 2015. Su popularidad con dicha serie alcanzó tal magnitud que la actriz dijo en 2017 que ya no podía salir a la calle sin ser reconocida, algo que no le había pasado tras ganar sus Oscar, sublimando el poder de la pequeña pantalla.

“Es ridículo: llevaba una vida perfectamente normal hasta Downton Abbey. Acudía a teatros, a galerías y otros lugares sin problema. Y ahora no puedo”, explicó. La actriz, que participó en más de 50 películas, obtuvo 58 premios y 157 nominaciones, entre ellas seis a los Oscar, en su larga carrera. Maggie Smith también logró tres Globos de Oro y cinco BAFTA, los premios del cine británico, además de uno honorífico. Al conocer su fallecimiento, el primer ministro británico, el laborista Keir Starmer, afirmó que la larga carrera de la actriz hizo de ella “un verdadero tesoro nacional”.

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Nacida el 28 de diciembre de 1934 en Ilford, Smith comenzó a actuar en los escenarios del Oxford Playhouse a principios de los años 1950, para luego unirse a las compañías de teatro londinenses Old Vic y Royal National Theatre, al lado de su primer marido, el actor Robert Stephens, con quien tuvo sus dos hijos. Tras divorciarse de Stephens en 1974, un año después se casó con el dramaturgo Beverly Cross, con quien compartió su vida durante 23 años, hasta la muerte de éste en 1998.

Smith, una de las artistas más conocidas y famosas del Reino Unido, fue nombrada Comandante de la Orden del Imperio Británico, en 1990, y obtuvo la Orden de los Compañeros de Honor, en 2014, por sus servicios al país en el ámbito de las artes. La actriz sobrevivió a un cáncer de mama que se le diagnosticó en 2007, lo que no le impidió participar dos años después en “Harry Potter y el misterio del príncipe”, mientras se sometía un tratamiento de quimioterapia.

Fuente: AFP.

El espectáculo teatral de Raquel Rojas “Carmen coraje”, protagonizado por Carmen Briano, se estrena el viernes 27 de setiembre, a las 21:00, en Arlequín Teatro (Antequera 1061), en Asunción. Con dramaturgia y dirección de Rojas, a través de El Camarín Cultural de Asunción, la obra busca visibilizar la memoria de la escritora paraguaya Carmen Soler (1924-1985). La puesta subirá los viernes y sábados a las 21:00 y domingos a las 20:00, durante este fin de semana y del 4 al 6 de octubre.

Carmen Soler es un gran personaje en la cultura literaria, feminista y de la militancia política en Paraguay por sus acciones de resistencias en las largas dictaduras paraguayas de Morínigo y Stroessner. Una calle en Asunción lleva su nombre, aunque pocos, y menos los jóvenes pueden dar una breve referencia biográfica de la vida y obra de esta gran mujer del Paraguay. Por ello, la obra está escrita y dirigida en clave de la investigación de una periodista internacional de DDHH, a cargo de Mariel Rodríguez como actriz relatora investigadora, mientras Briano da vida a la poeta en las tablas.

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Raquel Rojas menciona que la inspiración de optar por un monologo de la cárcel es original de sus maestros italianos Franca Rame y Darío Fo en quienes Rojas se inspiró para centrar el biópic de la Soler en su última prisión política. Desde ese núcleo dramático, el público da cuenta de la resistencia y el coraje de Soler, frente a las agresiones y torturas del aparato represivo del Estado estroesnista. La obra teatral también fue influenciada por una investigación cual es “La Asunción clandestina de Carmen Soler”, recientemente publicada por Noelia Cuenca y Najeeb Amado.

Poeta y revolucionaria, madre, maestra bilingüe, periodista, editora, artista plástica, enfermera voluntaria e integrante de varios movimientos de resistencia, Carmen Soler nació en Asunción, en 1924. Luchó toda su vida, primero en las filas del Partido Febrerista, y desde 1954, en el Partido Comunista Paraguayo, por una sociedad libre de explotación y opresión. Por ello fue perseguida, encarcelada, torturada y desterrada. Falleció en Buenos Aires (Argentina) en 1986, en el exilio.

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La obra de teatro “El secreto de la señorita Julia” se estrena el viernes 27 de setiembre en el Teatro de las Américas del Centro Cultural Paraguayo Americano (CCPA), ubicado en José Berges 297, entre Brasil y Estados Unidos, en Asunción. Se trata de una adaptación dirigida por Nora Robles que explora los temas de poder, clases sociales y sexualidad, en que Nancy Saldívar, Celina Fernández y Luis Gutiérrez son los actores que darán vida a los personajes de esta historia.

Uno de los aspectos más destacables de esta producción es el diseño de vestuario, que está a cargo del talentoso diseñador indígena Éver Vera, perteneciente a la parcialidad mbya guaraní. Esta colaboración marca la primera incursión de Vera en el diseño de vestuario para teatro, lo que aporta un enfoque cultural único y auténtico al vestuario de los personajes.

En esta adaptación de Nora Robles de “El secreto de la señorita Julia” se relata la historia de la hija de un rico estanciero del Chaco paraguayo, quien, tras una ruptura amorosa, decide celebrar la fiesta de San Valentín junto a sus empleados. El consumo de alcohol, la excitación del baile y su deseo de liberación la empujan a una aventura con el capataz de la estancia, lo que desencadena un tenso conflicto de clases, géneros y deseos. La obra culmina en un final que confronta al espectador con reflexiones sobre las tensiones sociales y personales.

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Además, en esta obra sonarán guaranias como parte de la historia, una forma en que los creadores se adhieren a la campaña para declarar a la guarania como Patrimonio Inmaterial de la Humanidad por la Unesco. La inclusión de esta música tradicional no solo enriquece la ambientación, sino que también rinde homenaje a uno de los géneros más representativos de la identidad cultural paraguaya.

La puesta en el Teatro de las Américas contará con dos únicas funciones, el viernes 27 y sábado 28 de setiembre, a las 21:00 horas, con las entradas anticipadas a 50.000 guaraníes y en puerta a 70.000 guaraníes. Para más información y reservas contactar al número 0971 445-613. Esta obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec) y del Centro Cultural Paraguayo Americano.

El equipo detrás de esta puesta está conformado por Inocencia Fernández, en maquillaje y pelucas; escenografía de Wilton Viuk; en sonido Lucky Farvil; iluminación de Kuki Giménez; en prensa Elena Aquino y la producción general de Sirena del Paraná. El equipo teatral agradece a los directivos de la Casa Bicentenario del Teatro “Edda de los Ríos” por acogerlos para la realización de los ensayos.

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• Fotos: Gentileza

La joven actriz paraguaya se destaca en el filme dirigido por el director argentino Joaquín Pedretti, un largometraje de ficción basado en hechos reales que está ambientado en la revolución del 47, que fue estrenado el 19 de setiembre en la cartelera nacional. En este diálogo con La Nación del Finde, Salma habla de la experiencia de trabajo en este proyecto y del cine como experiencia comunitaria.

De niña encontró en la danza su primer espacio de sensibilidad y creatividad. Siempre alentada por sus padres, ella podía imaginarse jugando en aventuras y personajes que tomaban vida sobre escenarios y hasta en el cine.

Aquella niña entusiasta hoy comienza a llevar sus sueños al plano de la realidad y vive intensamente los primeros días de su debut cinematográfico. “Una sola primavera”, dirigida por el argentino Joaquín Pedretti, la tiene como actriz destacada, dándole vida a Chichí.

Una trama basada en hechos reales de la historia paraguaya en el contexto de la revolución del 47 es la oportunidad actoral que tiene Salma para dar su primer gran salto profesional. El filme, que es una coproducción paraguayo-argentina, ya está en la cartelera local y se estrena en octubre en el vecino país. Vera habló con La Nación del Finde sobre su trabajo en “Una sola primavera”, su arribo a la actuación y cómo aborda su proyección en la industria.

–¿Cómo llegaste al arte y a la actuación en particular?

–El arte siempre estuvo en mi vida a través de la danza, pero fue el teatro musical el que me introdujo al mundo de la actuación. Desde el primer momento en que pisé el escenario y tuve que encarnar un personaje, supe que había encontrado una nueva pasión. Esa sed de aprender, de descubrir más sobre la actuación, creció en mí como un fuego. Me formé en teatro musical, pero el cine y la narrativa audiovisual comenzaron a llamarme con fuerza.

–¿Qué es lo que más te atrae de esta disciplina?

–Lo que más me cautiva de este lenguaje es la capacidad de unir lo visual, lo corporal y lo sonoro en una sola experiencia. Cada proyecto es una oportunidad para explorar nuevas formas de narrar, para encontrar belleza en lo cotidiano y profundizar en el alma de los personajes que interpreto. El cine, en particular, me enamoró por esa delicada combinación de poesía visual y narrativa emocional. Es un arte colaborativo en el que cada pieza, desde la actuación hasta la dirección de fotografía, juega un papel crucial en contar una historia que conecte con el público.

–Dentro del trabajo de actriz, ¿cuál es el momento que más te cuesta y cuál te apasiona más hoy en día?

–Lo que más me cuesta, sin duda, es memorizar los diálogos (risas). Es como un rompecabezas que parece no tener fin. A veces, siento que las palabras se me escapan, pero sé que la disciplina siempre me acompaña. Lo que más me apasiona es el poder que tiene la actuación para transformar no solo a los personajes, sino también a mí misma. Cada personaje que interpreto me enseña algo nuevo, me invita a ver el mundo desde otra perspectiva.

–¿Qué experiencias te marcaron en tu formación y/o tu carrera?

–Sin duda trabajar en “Una sola primavera” fue una experiencia transformadora, tanto a nivel personal como profesional. Fue una verdadera maestría de vida, donde aprendí muchísimo no solo sobre mi oficio, sino también sobre mí misma.

–¿Cómo llegaste a “Una sola primavera”?

–Fue poco antes de que la pandemia paralizara todo. Vi una gráfica en redes sociales, un llamado a casting abierto. Era el último día de convocatoria, pero me animé a mandar un mail a la producción diciendo “sé que estoy fuera de tiempo y que tengo más edad de lo que buscan, pero me encantaría hacer el casting”. Para mi sorpresa, me respondieron enseguida y me pidieron que fuera esa misma tarde.

–¿Qué reflexiones te despertó el guion?

–Me permitió sumergirme en un capítulo de la historia de Paraguay que, aunque fue fundamental, a menudo ha sido olvidado o poco explorado. Lo que más me impactó fue el descubrimiento de que la historia estaba inspirada en hechos reales, en las vivencias de las abuelas del director. Saber que detrás del guion había un vínculo personal tan profundo me hizo conectar de manera inmediata con el proyecto. Me fascinó cómo el conflicto histórico refleja las luchas internas de estas jóvenes, que buscan emanciparse de formas de vida que ya no les sirven.

–¿Podrías hablarnos de tu papel y cómo lo trabajaste?

–Interpretar a Chichí fue un viaje fascinante porque es un personaje lleno de matices y contradicciones. Chichí es ingenua, pero al mismo tiempo usa una coraza de soberbia para protegerse de su vulnerabilidad. Esa lucha interna entre su necesidad de aceptación y su miedo a mostrarse tal cual es es lo que genera un conflicto constante con su hermana Nina, a quien en el fondo ama profundamente, pero con quien no sabe cómo conectar. Trabajé muy de cerca con Majo Cabrera, quien interpreta a Nina, mi hermana en la película. Fue esencial para nosotras construir una relación auténtica fuera del set para que esa complicidad y, al mismo tiempo, esa tensión que existe entre nuestros personajes se sintiera real.

–¿Qué fue lo que más te marcó o sorprendió durante el rodaje?

–Lo que más me impactó fue el trabajo colaborativo. Este proyecto se filmó en medio de la pandemia, un contexto que ya de por sí traía desafíos enormes. Pero lo que me sorprendió gratamente fue cómo, a pesar de las dificultades, el espíritu de cooperación y cocreación nunca decayó. Al contrario, siento que esa adversidad nos unió más y nos impulsó a crear algo verdaderamente especial. La película fue una coproducción entre Argentina y Paraguay, y en cada etapa del proceso sentí que estábamos construyendo algo que iba más allá de una simple película. Era un puente entre dos culturas, una conversación entre dos países y eso hizo que el proyecto tuviera una profundidad mayor. Me di cuenta de que el cine tiene una fuerza transformadora cuando se realiza en conjunto.

¿Cómo ves el momento del cine de la región en el contexto de las plataformas como formas de distribución?

–Creo que el cine de nuestra región está viviendo un momento de transformación muy interesante. Las plataformas digitales han abierto puertas que antes parecían difíciles de cruzar, ofreciendo la oportunidad de llegar a audiencias globales de una manera mucho más accesible y directa. Para los creadores de contenido de América Latina, esto significa que nuestras historias, con nuestras particularidades y voces únicas, pueden ser vistas en cualquier rincón del mundo, lo cual es increíble. También considero importante encontrar un equilibrio. Si bien las plataformas brindan muchas posibilidades, siento que no debemos perder de vista la experiencia del cine tradicional. Las salas de cine siguen siendo ese espacio mágico donde la comunidad se reúne para compartir una historia. Son dos formatos que pueden coexistir y complementarse y lo que necesitamos es seguir explorando cómo aprovechar lo mejor de ambos mundos.