Conocida como la “madrina del punk” por inyectarle intelectualidad a ese género rabioso, la cantante estadounidense Patti Smith fue galardonada este miércoles en España con el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026. La también poeta, de 79 años, “ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo”, indicó el fallo del jurado del premio convocado por la Fundación Princesa de Asturias, la heredera de la Corona española.

Nacida en Chicago a finales de 1946, Patricia Lee Smith posee una “impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva”, agregó el fallo leído por la coreógrafa española de flamenco María Pagés Madrigal, galardonada con el Princesa de Asturias en 2022 y presidenta del jurado este año. Estos premios, instituidos en 1981 y considerados los más prestigiosos del mundo iberoamericano, están dotados con 50.000 euros (58.000 dólares) y una escultura creada por el fallecido artista catalán Joan Miró.

En una foto en blanco y negro en la portada, barbilla en alto y ojos desafiantes, esta luchadora por los derechos civiles irrumpió en el mundo del rock con su álbum Horses, en 1975, que la convirtió rápidamente en una de las artistas más influyentes de la escena. Al darse a conocer como cantante, ya había publicado varios poemarios, los que ha seguido firmando hasta recientemente. También destacan sus varios libros de memorias, celebrados por la crítica.

Su trayectoria ha traspasado “los límites de lo estrictamente musical para convertirse en una comunicadora multidisciplinar e iconoclasta a través de distintas manifestaciones artísticas como la poesía, la fotografía, la performance o la videoinstalación”, indicó la Fundación Princesa de Asturias.

Siempre combativa, Smith participó en las manifestaciones que pedían el fin de la guerra de Irak y la salida del presidente Bush en 2003, defendió a las integrantes del grupo punk feminista ruso Pussy Riot tras su detención en 2012 y firmó un artículo de opinión contra el calentamiento global en 2018. Recipiente de numerosos galardones, fue incluida en 2007 en el Salón de la Fama del Rock.

El de las Artes ha sido el primero de los ocho galardones de esta edición de los premios, que anualmente, y a ritmo de uno por semana, otorga la Fundación Princesa de Asturias. El año pasado, en esta categoría, el reconocimiento fue para la fotógrafa mexicana Graciela Iturbide, cuyas potentes imágenes invitan “a mirar más allá de lo visible”, según determinó entonces el jurado.

En otras ediciones fueron premiados músicos como Joan Manuel Serrat y Bob Dylan, personajes del mundo del cine como Meryl Streep, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola y Pedro Almodóvar, y arquitectos como Frank O. Gehry, Norman Foster y Santiago Calatrava. Los galardones, que toman su nombre del título de la heredera al trono de la Corona española, la princesa Leonor, son entregados por ella y los reyes Felipe VI y Letizia en octubre en una ceremonia en Oviedo, capital de Asturias.

Fuente: AFP.

La exposición “Todo el tiempo del mundo” ofrecerá un recorrido de cuarenta años a lo largo de la producción del artista Enrique Collar, uno los creadores más relevantes de la escena artística actual del Paraguay. Con curaduría de Fernando Moure, la muestra estará habilitada el miércoles 29 y el jueves 30 de abril, en el horario de 10:00 a 18:00, en Casa Ardissone, ubicada en 25 de Mayo 871 entre Tacuary y Estados Unidos, en Asunción.

Esta reunión antológica de piezas, proveniente de los fondos de la Colección Popa (Poletti-Pappalardo), está compuesta mayormente por pinturas de la fase inicial del artista, comprendidas entre 1989 y 2003. La muestra funciona como un recorte cronológico y ofrece la oportunidad para estudiar el tiempo y el espacio del artista mediante un cuerpo de obras excepcional y reunido para la ocasión.

Realizado mediante una curaduría ocupada en otorgar un lugar visible al aporte de Collar en la actualización visual del territorio y el paisaje locales, el resultado ha sido una temporización con acento en la última década del siglo pasado y en la primera del XXI.

Nacido en Itauguá Guazú, Paraguay, 1964, crecido en Buenos Aires y afincado en Holanda hace más de dos décadas, el artista Enrique Collar reúne en este arco de cuarenta años un campo activo de sentido: todo ese tiempo constituye la materia invisible que atraviesa cada pintura. El tiempo ya no es un marco, sino el contenido mismo de la obra.

Lo importante de esta pintura es entender que aquí el espacio no es un fondo neutro sino una extensión política del cuerpo. Las figuras aparecen siempre en situación: esperan, se miran, caminan, conversan, se tocan, se agrupan. Estos gestos aparentemente cotidianos constituyen, en realidad (o para quienes las artes son termómetro socio-cultural de la humanidad) una operación de alta intensidad histórica y hasta de giro, de consciencia afectiva.

Los cuerpos de niños, adolescentes, jóvenes y ancianos rurales desbordan empatía y autenticidad, atentos a la honda penetración humanista del pintor. Los cuerpos campesinos se instituyen en estas imágenes como sujetos de escena, presentes, y nunca como víctimas.

Al contemplar estas imágenes es importante entender que la piel marrón de los retratados aparece como identidad y emblema de un cruce genético total, el paraguayo, dando fe y testimonio del mestizaje. Las y los campesinos atrapados en estos lienzos, grabados y películas, son operadores de espacialidad, modifican la circulación de la mirada y alteran el equilibrio simbólico hegemónico de las relaciones de raza y clase.

En estas escenas de Collar existe una coreografía contenida que recuerda la projimidad, la lógica del grupo, o hasta cierta política del contacto humano. El roce de brazos, hombros, piernas y miradas construye micro-geografías de valor colectivo, de apoyo mutuo, de resistencia cotidiana. Este cuerpo campesino es como parte de una ecología relacional con su entorno, una estructura de supervivencia afectiva y espacial.

El espectador es convocado a interpretar una narrativa social, y, felizmente, a reorganizar su propio posicionamiento frente al cuerpo mestizo, moreno o marrón. La escala, la cercanía visual, la frontalidad y la geometría compositiva generan una situación perceptiva donde la distancia con modelos tradicionales del costumbrismo o el pintoresquismo, se vuelve crítica o al menos, nos impulsa el pensamiento activo sobre sujetos tradicionalmente periféricos en la representación occidental de la pintura.

Insistiendo en la dimensión política de estas obras, el trabajo de Enrique Collar también importa porque no busca traducir la experiencia campesina periférica para un público hegemónico. La sitúa como centro estructurante de la escena, y al hacerlo, amplía su campo de representación, orgulloso, empoderado, como se dice hoy en día.

Reconfigurando prejuicios, el trabajo de Collar se despliega como una práctica de desplazamiento constante, atravesado por una lógica nómada que funciona como una forma de estar en el mundo (casi un reflejo de su vida errante). Su producción se construye desde una memoria tremenda, en el movimiento, la vitalidad y la atención a los entornos que habita y atraviesa.

Todas estas etapas, en las que incluimos el grabado y el cine, dialogan entre sí, reaparecen, se transforman y se reescriben en el tiempo. Lejos de marcar rupturas definitivas, configuran en la muestra un pensamiento visual en movimiento. Este devenir puede entenderse como un “proceso Collar”: cada pintura es una cuenta, y juntas forman una cadena donde el sentido emerge en la relación entre las partes.

No hay una obra aislada que explique el todo; es en la continuidad y en la variación donde la pintura encuentra su profundidad. Así, cada obra se presenta como un registro vivo del tiempo real. No el tiempo abstracto del reloj, sino el tiempo vivido, sedimentado en la materia. En cada superficie pictórica late esa duración: una temporalidad que no desaparece, sino que se acumula y se transforma. En un mundo que exige velocidad, estas obras reivindican la demora. Y en esa demora, encuentran su potencia.

Como final deseo dar fe, tras mis varias estancias en el Huis-Studio Collar, de que, a sus pinturas, el artista les dedica el tiempo que le piden, casi todo el tiempo del mundo. Porfiadamente, Collar inventa su imagen de la “campaña”, actualiza paisajes, territorios e identidades y los vuelve objetos estéticos. Sus pensamientos en torno a las tensiones alrededor de la figuración, del realismo y por qué no, de la abstracción; la crítica institucional, son los grandes temas que lo ocupan, aglutinando e inspirando a una fecunda y robusta escena alrededor del arte de la pintura en el Paraguay.

El recorrido temático de esta muestra se centra en la fase formal expresionista y sintetista del artista, una de fuerte experimentación y búsqueda de un lenguaje propio y que hemos denominado Geometría de la tierra roja. Le sigue un capítulo dedicado a los cambios formales de la pintura de Collar hacia el realismo, uno de características conceptualistas, acompañada de prácticas expandidas, como el cine y el grabado, titulado La pintura encarnada.

Geometría de la tierra roja. Memoria, territorio y construcción del plano: Este período inicial (1989–2003) configura el núcleo fundacional de la obra de Collar, y coincidentemente, de la Colección POPA Poletti-Pappalardo. La pintura de este período se articula a partir del territorio, la vida comunitaria y la memoria, mediante un lenguaje de síntesis formal y color plano, atravesado por una fuerte carga simbólica.

Las escenas construyen un imaginario arraigado en la experiencia rural paraguaya, donde la figura y el entorno se integran en una misma estructura espacial. En este contexto, el plano pictórico se afirma como campo de organización y sentido desde bases formales expresionistas y sintetistas, anticipando una preocupación sostenida por el espacio y la composición que atravesará toda la obra posterior.

La pintura encarnada. Imagen, tiempo y tecnología: Este conjunto de obras marca un desplazamiento hacia una pintura donde la imagen adquiere mayor densidad material y presencia. La figura, la luz y la construcción del volumen introducen un realismo expandido, en el que la pintura incorpora nuevas temporalidades y modos de representación.

En diálogo con el cine, la fotografía y las herramientas digitales, la imagen se construye, se fragmenta y se rearticula, generando tensiones entre lo fijo y lo narrativo. Así, la pintura se consolida como un campo donde convergen cuerpo, tiempo e imagen, ampliando sus posibilidades dentro del lenguaje contemporáneo.

El Ensamble Paraqvaria ofrecerá dos conciertos, el miércoles 29 de abril en Asunción y el viernes 1 de mayo en Villarrica, a modo de despedida para emprender su quinta gira internacional a realizarse en mayo por los países de Suiza, Austria y Alemania. El primer recital será, a las 20:00, en la Iglesia de la Encarnación, en Haedo entre 14 de Mayo y Alberdi, en Asunción, con acceso libre, bajo la dirección de Ian Szaran.

La siguiente presentación llegará hasta la capital del departamento de Guairá, el viernes 1 de mayo, a las 19:00, con acceso libre en la Sala Lully de la Asociación Filarmónica Guaireña, ubicada en Humaitá 878 entre San Roque González y Alejo García, proponiendo al oyente dar un recorrido didáctico e inmersivo de la gloriosa música de la era virreinal de América.

En ambos recitales se presentará el programa “El Gran Tesoro de América”, una compilación de las mejores páginas del repertorio del barroco latinoamericano con obras de los Archivos de San Antonio Abad de Cusco, Archivo Catedral de Sucre, Archivo y Bibliotecas Nacionales de Bolivia, Archivo Misional de Chiquitos y piezas de la religiosidad popular del Paraguay. Con autores como: Tomás de Torrejón y Velasco, Roque Ceruti, Manuel de Mesa, Juan de Arauto, Doménico Zipoli, Digno García y autores anónimos.

Así mismo, este programa marca la clausura de la Academia de Orquesta del Ensamble Paraqvaria, con la participación de los jóvenes becados: Virginia Rivas, Valeria Rodas, Santiago Alvarenga y Franco Balbuena, además de la participación de músicos invitados, entre ellos, Alexandre Chauffaud, director del Ensamble Paraguay Barroco, y Doris Cañete, arpista clásica de Orquesta Sinfónica Nacional del Paraguay.

Un trabajador murió ayer domingo en Rio de Janeiro en un accidente durante la instalación del escenario donde la colombiana Shakira dará un megaconcierto gratuito el 2 de mayo, informaron las autoridades y los organizadores. Millones de espectadores de Brasil y el extranjero son esperados en el show que dará la artista en la playa de Copacabana.

Según los bomberos, el hombre tuvo sus piernas aplastadas “en un sistema de elevación” y fue retirado de la estructura por otros de los presentes. Los socorristas lo llevaron en una ambulancia, pero no sobrevivió. A pesar del esfuerzo, “lamentablemente, el profesional falleció en el hospital”, señaló en una breve nota la empresa Bonus Track, organizadora del concierto.

“De pronto vimos personas corriendo y cuando miramos la estructura estaba en el piso”, dijo a la AFP Antonio Marcos Ferreira dos Santos, de 51 años, que estaba en la playa. Ferreira señaló que vio a personas correr para librar al trabajador de la estructura. “Creo que lo sacaron con vida, lo metieron en una ambulancia y se lo llevaron”, afirmó.

Desde hace días, varias cuadrillas trabajan en el montaje de un monumental escenario sobre la arena de la famosa playa para el concierto de Shakira, justo frente al Hotel Copacabana Palace. Cerca de ese lugar, la policía halló el 13 de abril un artefacto explosivo.

Según medios locales, se trataba de una granada aturdidora, un dispositivo no letal diseñado para desorientar temporalmente a personas mediante un fogonazo cegador y una detonación de alta intensidad. Conciertos como el que dará Shakira suelen atraer multitudes. Según la agencia municipal Riotur, 2,1 millones de personas asistieron el año pasado al show similar que ofreció Lady Gaga y 1,6 millones al de Madonna en 2024.

Fuente: AFP.