“La Odisea”, dirigida por Christopher Nolan, se convirtió en un fenómeno cultural gracias a varios hitos, un estreno millonario en la taquilla mundial y las polémicas en torno a su elenco. La película, promocionada como el primer largometraje de ficción rodado completamente con cámaras IMAX de 70 mm, lleva a la pantalla grande el milenario poema épico de Homero con estrellas como Matt Damon, Anne Hathaway, Tom Holland, Robert Pattinson, Zendaya y John Leguizamo. A continuación, algunas de las reacciones que la cinta ha generado:

La producción de Nolan provocó una auténtica transformación en algunas salas de cine. El oscarizado cineasta rodó toda “La Odisea” con cámaras IMAX en película de 70 milímetros, un formato considerado por muchos como la máxima expresión de la captura y exhibición cinematográfica por su resolución y amplitud de encuadre.

La estadounidense Phoenix Theatres apostó por la propuesta de Nolan. Su presidente, Cory Jacobson, contó a la AFP que la cadena invirtió en comprar y restaurar un equipo de proyección de 70 mm construido en 1969, y en remodelar una de sus salas en Ohio. “No fue fácil”, explicó Jordan Hohman, vicepresidente senior de desarrollo de proyectos. Pero “valió la pena porque mucha gente está buscando la presentación de 70 mm”.

Solo unas pocas decenas de salas en el mundo son capaces de proyectar este formato. Eso no impide que “La Odisea” arrase también en la proyección digital estándar contemporánea: recaudó 264,1 millones de dólares en su primer fin de semana. “Es una película descomunal”, dijo Jacobson. “Está funcionando muy bien en todos los formatos (...) literalmente todo el mundo quiere verla”.

Algunas plataformas de audio en streaming se beneficiaron del efecto Nolan. Spotify registró una explosión de oyentes interesados en el audiolibro de “La Odisea”: las búsquedas aumentaron un 310 %, en particular por parte de la Generación Z y de los millennials.

“Con sus temas de masculinidad, legado y hermandad, sumados a la magnitud de la adaptación cinematográfica de Christopher Nolan, es una puerta de entrada natural a la narrativa épica. Que se haga a un lado el Imperio Romano, los griegos han vuelto”, explicó Roshni Radia, editora de libros en Spotify, al diario The Irish Times.

La plataforma de audiolibros ElevenReader, que cuenta entre sus inversores con el actor Matthew McConaughey, lanzó incluso el mes pasado una versión de “La Odisea” narrada por una voz generada por IA a partir de la del actor Michael Caine.

Nolan, quien ha declarado no usar un teléfono inteligente, probablemente se está perdiendo gran parte de la reacción a su película en las redes sociales.

En Instagram, TikTok o X, los internautas multiplican las bromas sobre el queso de cabra producido por el cíclope, e imaginan innumerables escenarios para explicar la agonía de Odiseo amarrado al mástil escuchando a las sirenas.

La película motiva también memes que repasan las cintas en las que Matt Damon, que interpreta al héroe griego, intenta regresar a casa, entre las que figuran “Rescatando al soldado Ryan”, “Interstellar” y “Misión rescate”.

Pero no todo fue risas en internet. Elon Musk, el hombre más rico del mundo, recurrió en varias ocasiones a X para criticar la película, que en su opinión ha “profanado” la épica de Homero.

Meses antes de su estreno, Musk lideró los señalamientos contra Nolan por elegir a la actriz negra Lupita Nyong’o como Helena de Troya, y al actor trans Elliot Page como el guerrero griego Sinon.

Tras el debut arrasador de la película, el magnate redobló su arremetida el pasado martes, al prometer lanzar antes de fin de año una versión mejor de “La Odisea” desarrollada con su generador de imágenes por inteligencia artificial Grok Imagine.

Ese mismo día, un usuario de X propuso a Musk donar 100 millones de dólares a Mel Gibson —conocido por su apoyo al presidente Donald Trump— para producir una adaptación “con barcos, armaduras, armas y reparto minuciosamente fieles a la historia”. Musk respondió de inmediato: “Me apunto”.

Fuente: AFP.

La tercera entrega de Pantera Negra estará protagonizada por David Jonsson, quien encarnará al hijo de T’Challa, reveló ayer sábado Marvel Studios, en su regreso a la Comic-Con, la gran fiesta de la cultura pop en San Diego. En el famoso Hall H, Marvel Studios reveló que la última parte de esta franquicia, que popularizó Chadwick Boseman en la piel del aguerrido Pantera Negra, llegará a la pantalla grande el 15 de diciembre de 2028.

Boseman falleció a los 43 años en 2020, antes de que culminara la secuela de la exitosa cinta. El actor padecía cáncer de colon. Los más de 6.000 fanáticos que aguardaron días para entrar a la presentación en el Hall H recibieron de pie a Jonsson (protagonista de “Camina o muere”), quien tuvo que esperar algunos segundos para hablarle a la multitud. “Gracias a esta increíble familia a la que tengo el honor y el privilegio y la bendición de unirme”, dijo el artista.

“En realidad no quiero decir mucho porque quiero que la pantalla sea la que hable”, agregó. El director Ryan Coogler, quien estuvo a cargo de las dos primeras entregas, regresará para asumir el proyecto, mientras que Letitia Wright se volverá a meter en la piel de Shuri. “Hoy es muy especial”, dijo Coogler, quien se sumó a Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, en el escenario más importante de esta fiesta de la cultura pop.

“Pantera Negra III” seguirá al hijo de T’Challa en su proceso de madurez, mientras se transforma en un hombre adulto. La primera cinta de “Pantera Negra” fue lanzada en 2018, y amasó 1.300 millones de dólares en la taquilla global. Estuvo protagonizada por Boseman, Wright, Lupita Nyong’o, Forest Whitaker, Michael B. Jordan, Danai Gurira y Angela Bassett.

Vuelve “Ghost Rider”

Otra revelación de la bombástica presentación fue la bienvenida de Ryan Gosling al MCU, en donde asumirá el rol de Jonny Blaze en “Ghost Rider”, que debe llegar a los cines en 2028. “¿Esto está realmente ocurriendo?”, dijo Gosling quien se subió al escenario junto a Feige. Marvel Studios regresó al Hall H de la Comic-Con luego de saltarse la edición del año pasado, y a menos de cinco meses de estrenar su aguardada “Avengers: Doomsday”.

En un despliegue de poderío, el estudio trajo a escena en San Diego a Anthony y Joe Russo, los directores de la cinta que promete en diciembre una batalla épica, así como a varios de sus protagonistas, incluyendo a Robert Downey Jr., quien en su regreso al MCU encarnará al villano Victor Von Doom.

Capas y máscaras del malvado personaje fueron repartidas antes del espectáculo transformando a la audiencia en un ejército verde.

Para delirio de los fans, James Marsden, Rebecca Romijn, Hannah John-Kamen, Tenoch Huerta, Lewis Pullman, David Harbour, Kelsey Grammer, Hayley Atwell, Chris Evans, Pedro Pascal, Simu Liu, Anthony Mackie, Letitia Wright, Danny Ramirez y Paul Rudd salieron de todas las esquinas del Hall H bañados por una luz verde y una dramática musicalización.

Algunos asistentes aguardaron varias noches para poder entrar al recinto y saborear la oferta de su estudio favorito.

“Todos estamos aquí por la misma razón, porque lo amamos”, dijo a la AFP Wally, un joven del vecino Orange County que durmió dos noches afuera del recinto. “Valió la pena, estoy sin palabras, es mejor de lo que esperaba”, dijo tras la presentación.

Más temprano, el Hall H recibió a Apple TV quien debutó en el famoso recinto de la Comic-Con de San Diego pisando el acelerador, con un vistazo a sus próximas comedias de acción “Matchbox: The Movie” y “Mayday”.

La plataforma de streaming reveló algunas imágenes de “Matchbox: The Movie”, la cinta inspirada en los famosos carritos y protagonizada por John Cena, Jessica Biel, Sam Richardson, Teyonah Parris y Arturo Castro.

El elenco calentó los motores de la sala conversando sobre su experiencia tras las cámaras.

“Crecí jugando con los carritos Matchbox con mi hermano, y manejarlos en la vida real, el Mustang que me tocó manejar, es increíble”, dijo Jessica Biel. “Es como ser niño de nuevo”, agregó.

Apple TV aprovechó además su presentación estelar para dar repaso a algunas de sus series más exitosas y ofrecer una mirada temprana a su producción de ciencia ficción “Neuromancer”, basada en el libro de William Gibson de 1984, así como de “Mayday”, su comedia ambientada en la Guerra Fría en la que Ryan Reynolds y Kenneth Branagh protagonizan una dupla singular. La Comic-Con cierra su edición de 2026 este domingo 26 de julio.

“Star Trek” celebró 60 años

Diferentes generaciones de tripulantes de la célebre nave espacial USS Enterprise se reunieron ayer sábado en la Comic-Con de San Diego para celebrar los 60 años de la saga “Star Trek” explorando los confines del universo. El veterano George Takei, quien al comienzo de la franquicia encarnó al timonel de la nave Hikaru Sulu, fue recibido con una ovación de pie en un repleto Hall H.

Takei, de 89 años, bromeó con lo joven que le hacía sentir celebrar un aniversario de seis décadas. En un tono más emotivo, el actor y activista calificó a la famosa saga de ciencia ficción como “un fenómeno extraordinario”. “Una serie de televisión que tenía bajos índices de audiencia cuando comenzamos. Que fue cancelada tras tres temporadas”, agregó Takei. “Pero gracias a gente como ustedes, y a sus padres y abuelos (...) apoyaron a ‘Star Trek’ al punto en que ha perdurado por 60 años y contando”.

“Star Trek” debutó en la pantalla chica en 1966, y desde entonces ha transmitido casi mil episodios, expandiéndose en más de una docena de programas.

Es protagonista de la Comic-Con por su presencia tanto en paneles, como por la devoción de sus fans que siempre dan vida a los personajes de la serie en los pasillos de la fiesta estadounidense de la cultura pop.

Al panel también asistieron los actores Michael Dorn, Robert Picardo, Jerry O’Connell, Michelle Hurd, Christina Chong, Dominic Keating, Cirroc Lofton, Doug Jones, y Karim Diané, uno de los más recientes miembros de la franquicia.

El inicio del homenaje quedó en manos de Eugene Rod Roddenberry, director ejecutivo de Roddenberry Entertainment, e hijo del creador de “Star Trek”, Gene Roddenberry.

Roddenberry sostuvo que cuando la serie galáctica debutó el 8 de septiembre de 1966, se trataba de algo nunca visto en la televisión: “Tenía naves espaciales, una pistola láser, planetas extraños, incluso tenía extraterrestres de apariencia extraña”. “Pero esta serie no era sobre ciencia ficción, era sobre nosotros”, dijo. “Era una serie que le hacía creer a la gente en un mejor futuro”. La Comic-Con se celebra en San Diego hasta el domingo 26 de julio.

“Spaceballs: The New One”, de Mel Brooks

Desde los confines de la galaxia, el equipo de “Spaceballs: The New One”, la secuela de la parodia de “La guerra de las galaxias” del maestro de la comedia Mel Brooks, aterrizó en la Comic-Con este viernes en San Diego. El legendario cineasta, que acaba de cumplir 100 años, no acudió al Hall H, la sala más grande de la convención, pero grabó un hilarante video para la entusiasta audiencia.

“Sé que ustedes llevan mucho tiempo en fila, quizás incluso días, y quiero preguntar ¿por qué?”, bromeó Brooks. “Cuando tenía la edad de ustedes, un viernes yo hacía algo llamado trabajar”, agregó. “S.O.S. Hay un loco suelto en el espacio”, o “Spaceballs”, fue lanzada en 1987 en pleno auge de la saga galáctica de George Lucas.

Dirigida y protagonizada por Brooks, junto a John Candy (fallecido en 1994), Rick Moranis, Bill Pullman y Daphne Zuniga, se convirtió en una película de culto.

“Todos en esta audiencia han mantenido ‘Spaceballs’ viva por todos estos años”, reconoció Brooks. “Así que del fondo de mi corazón quiero decir: ¡Gracias, nerds!”.

En el Hall H, el director Josh Greenbaum, a cargo de la secuela que se estrenará cuatro décadas después, en abril de 2027, reconoció que asumir un proyecto con la firma de Brooks implica “una inmensa cantidad de presión”.

Pero a la vez, trabajar con Brooks, quien a pesar de su edad también actuó en esta entrega, fue un gran incentivo, dijo.

Moranis, quien estará de regreso en la pantalla grande tras un hiato de unos 30 años, reencarnó a su Lord Casco Oscuro, y fue recibido en la sala más importante de la Comic-Con con una ovación de pie.

“Comencé a hablar con Mel sobre una secuela en 1989, y seguimos hablando sobre eso. ¡Yo no estaba retirado, estaba apenas negociando!”, bromeó Moranis. Zuniga y las nuevas estrellas de esta galaxia, Keke Palmer y Lewis Pullman, también se subieron al escenario, así como los guionistas del proyecto.

La tercera temporada de “El señor de los anillos: Los anillos de poder”, considerada la serie más cara de la historia de la televisión, estrenó su tráiler este viernes en el segundo día de la Comic-Con de San Diego. En el adelanto se presentó a los nazgnagôl, algunos de los personajes que la nueva temporada de la serie de Amazon Prime introducirá, detallaron sus creadores J.D. Payne y Patrick McKay.

El clip ofreció un anticipo del desafío que se cierne sobre los héroes y guerreros de la Tierra Media en la nueva entrega de esta precuela de “El señor de los anillos”, que llegará a la plataforma de streaming el 11 de noviembre. “La sombra se alza en la Tierra Media”, proclama en el video Sauron, quien intenta forjar el anillo que los rige a todos.

La tercera temporada se desarrolla años después del final de la segunda, reveló el panel, en el que también participó parte del elenco de la serie.

“Sauron ha ido expandiendo sus tropas por la Tierra Media (...) Hay unos pocos focos de resistencia que pueden mantenerlo a raya”, contextualizó Payne.

Esta temporada se concentrará en los esfuerzos de Sauron por forjar el Anillo Único, y abrirá una ventana al corazón de su fortaleza, comentó Charlie Vickers, quien interpreta al Señor Oscuro.

“Él ha estado encerrado en Barad-dûr, tratando una y otra vez de forjar el Anillo Único, sin conseguirlo. Así que ahora está completamente empeñado en encontrar una manera de lograrlo”, comentó Vickers.

La presentación en la sala más importante de la Comic-Con también introdujo algunos de los nuevos personajes que entrarán en la trama a partir de noviembre: Simon Pegg le dará voz al Balrog, mientras que Andrew Richardson encarnará a Anarion, figura clave de Gondor, entre otros.

Jamie Campbell Bower (“Stranger Things”), otro nuevo protagonista, participó en el panel donde recordó haber “estallado en llanto” cuando obtuvo el rol de Celeborn, el esposo de Galadriel, y uno de los elfos más sabios, poderosos e importantes de la Tierra Media en el universo de J.R.R. Tolkien.

Amazon Prime abrió su presentación en la Comic-Con con un vistazo a su distópica miniserie “Blade Runner 2099”, y anunció que estará disponible a partir del 25 de noviembre.

Protagonizada por Michelle Yeoh (“Todo en todas partes al mismo tiempo”) y Hunter Schafer (“Euphoria”), la miniserie supone “el renacimiento de una ciudad y el renacimiento de todos nuestros personajes”, dijo la creadora y productora ejecutiva, Silka Luisa.

El productor Andrew Kosove subrayó que la franquicia se siente “más relevante que nunca”.

“El futuro se materializó”, acotó Silka Luisa.

“Mucho de lo que Blade Runner prometía se siente inmediato y a la vuelta de la esquina (…) Y para mí la gran incógnita es qué pasa cuando nuestro tiempo termina. ¿Qué pasa cuando los humanos dejan de ser la especie dominante?”, prosiguió.

Luisa reveló que inicialmente Schafer rechazó el papel por no querer continuar en televisión, pero la hicieron reconsiderar con el guión en mano.

A continuación, el Hall H recibió a DC Studios para mostrar un poco de “Lanterns”, su nuevo giro sobre el superhéroe Linterna Verde.

Protagonizada por Kyle Chandler y Aaron Pierre, la serie está ambientada en un pueblo de Nebraska, pero en los adelantos que la audiencia pudo saborear en San Diego, la acción también despega al espacio. La Comic-Con arrancó el jueves en el Centro de Convenciones de San Diego, con decenas de miles de fans encarnando a villanos, héroes, princesas y encapuchados. La gran fiesta de la cultura pop culmina el domingo 26.

Fuente: AFP.

• David Sánchez
• Fotos: Gentileza

Con 35 hoteles (12 de cinco estrellas), 125 restaurantes, 400 km de pistas y una clientela 60 % extranjera, este pueblo de la Alta Saboya es mucho más que un destino de esquí: es un universo donde conviven ciencia, arte, gastronomía y patrimonio arquitectónico único.

Megève no es solo un pueblo francés. Es un ecosistema alpino donde el lujo discreto se funde con la tradición savoyarda, donde la vanguardia arquitectónica de los años 30 convive con la ciencia de los premios Nobel y donde la gastronomía alcanza cotas que rivalizan con las mejores capitales europeas.

Ubicado en el corazón de la región Evasion Mont-Blanc, a solo pasos del Mont Blanc –el techo de Europa–, este destino recibe cada año a miles de visitantes internacionales que buscan algo más que esquí: buscan una experiencia total.

Con 400 km de pistas y una altitud máxima de 2.487 metros, Megève ofrece uno de los dominios esquiables más extensos y prestigiosos de los Alpes.

Pero su atractivo no se limita al invierno. En verano, las mismas pistas se transforman en senderos para caminar, hacer mountain bike o simplemente contemplar paisajes que quitan el aliento. El pueblo cuenta con 35 hoteles –12 de ellos de cinco estrellas–, 125 restaurantes y bares, y más de 37.900 camas turísticas.

Hay 19 centros de wellness, un casino, 2 pistas de patinaje sobre hielo y hasta 12 carruajes tirados por caballos que recorren el centro peatonal, donde 143 tiendas y galerías de arte atraen a una clientela 60 % extranjera.

Pero detrás de estas cifras impresionantes, Megève esconde capas de historia, arte y cultura que merecen ser exploradas con calma.

El corazón de Megève late en su centro peatonal, donde edificios de arquitectura tradicional savoyarda se mezclan con boutiques de lujo y galerías de arte.

Aquí, el tiempo parece detenerse mientras las campanas de la iglesia marcan el ritmo de un pueblo que ha sabido crecer sin perder su alma. Es el lugar perfecto para observar cómo la modernidad y la tradición conviven en armonía.

En el Espace d’Arts moderne et contemporain Edith Allard, el escultor Pierre Margara –Caballero de las Artes y las Letras– presenta L’intuition des Cimes, una retrospectiva que celebra más de 50 años de residencia en Megève. A sus más de ochenta años, Margara defiende la talla directa, la intuición y la emoción humana frente a la era de los algoritmos.

“Un escultor de talla directa es como un actor de teatro: no tienes derecho a fallar”, explica el artista mientras observa sus moldes de bronce. Su obra, que incluye monumentos como el Memorial a las víctimas del túnel de Mont Blanc, es un testimonio de que el arte verdadero trasciende el tiempo. Recientemente, celebró su cumpleaños invitado por Emmanuel Renaud, chef del Flocon de Sel (tres estrellas Michelin), quien cocinó para los líderes del G7 en Evian.

La artista y fotógrafa Adriana Muffat Jeandet ha tejido un puente entre el pasado y el presente con Faire Montagne, una exposición monumental que rinde homenaje al arquitecto Henri-Jacques Le Même. Cuando Le Même llegó a Megève tras la Primera Guerra Mundial, solo había granjas oscuras con ventanas minúsculas.

Una dama Rothschild, buscando aire de montaña, se negó a ir a Suiza y eligió este rincón francés. Con ella llegó la alta sociedad y la necesidad de un nuevo hábitat.

Le Même inventó entonces el “chalet del esquiador”: planta baja de piedra para los esquís, piso intermedio de hormigón armado con grandes ventanales para aprovechar la luz, y último piso de madera para dormitorios.

De los 200 chalets que construyó a lo largo de su casi centenaria vida (y de los 1.000 proyectos que firmó), apenas 50 permanecen en su estado original. La exposición de Muffat Jeandet, con 22 paneles a lo largo de la Montée du Calvaire, es una oportunidad única para redescubrir este patrimonio olvidado.

“Le Même se preguntó cómo hacer para que sus edificios ‘fueran montaña’ sin traicionar a sus clientes. Nosotros seguimos haciéndonos la misma pregunta”, admite la artista, cuya fotografía minimalista en blanco y negro se está convirtiendo en un archivo fúnebre de la nieve que desaparece.

El Museo Curie presenta la exposición De científicos en la cima. Irène y Frédéric Joliot-Curie en Megève (1925-1931), un recorrido íntimo por las estancias del matrimonio que ganaría el Premio Nobel de Química.

A través de fotografías y archivos, se revela un aspecto poco conocido de su biografía: entre el esquí, la montaña y su círculo de amigos del Instituto del Radio, los Joliot-Curie encontraron en Megève un espacio donde ocio y ciencia se entrelazaban.

Para una experiencia auténtica, La Ferme du Golf en el Mont d’Arbois es la elección perfecta. Esta auténtica granja savoyarda, con solo 18 habitaciones, combina el encanto de una casa de familia con el servicio del grupo Edmond de Rothschild Heritage.

Ubicada frente a las pistas, cuenta con ski-room directo para salir con las botas puestas, sauna, bar con after-ski y vistas panorámicas espectaculares sobre Megève y el valle. Es el equilibrio perfecto entre tradición y lujo discreto.

La gastronomía es uno de los pilares de Megève, y La Table des Cochers lo demuestra con su tentáculo de pulpo dorado con mantequilla noisette, puré de maíz y chermoula.

Un plato de ejecución impecable donde la intensidad tostada del pulpo dialoga con la suavidad dulce del maíz, mientras la chermoula aporta frescor y complejidad especiada. Es cocina refinada de montaña contemporánea: sabrosa, precisa y pensada para disfrutarse sin prisas.

El postre estrella de 45 La Bonne Latitude es su mousse au chocolat con crumble de paprika ahumado, crème montée y aceite de oliva. Un final elegante donde la intensidad del cacao se equilibra con la ligereza de la nata y el toque graso del aceite de oliva.

El crumble aporta una nota ahumada y ligeramente picante que rompe la dulzura clásica, creando un contraste moderno y muy agradable en boca. Imposible no pedir bis.

* David Sánchez es un periodista franco español afincado en Toulouse, centrado especialmente en cine iberoamericano, miembro de la crítica internacional Fipresci. Sitio: https://www.tegustamuchoelcine.com.

Andrés Selich, vocalista del grupo, compartió las ideas y detalles que envuelven al último material de la banda.

Kita Pena vuelve a marcar presencia con novedades sono­ras. En los últimos días lanzó “110/220”, su más reciente trabajo discográfico, un EP que consta de 4 canciones y un interludio, del cual ya se conoció un avance a fines de 2025, que fue mundial.

La banda, con cerca de una década y media de vida, se mantiene vigente en la pro­ducción y propuesta, dialo­gando con nuevas sonori­dades, apoyándose un poco más en las letras y poniendo al ritmo, al clima sonoro y al humor siempre como pila­res de su música. Este mate­rial, que es el sucesor oficial de “ Casi nada de lo que nos enseñaron sirve para sonreír y otras fábulas” (2018), fue producido por Marcelo Soler, mezclado por Carlos Dentice y masterizado por María Triana Mas­tering.

Andrés Selich, uno de los can­tantes de la banda, con­versó con La Nación sobre este lanza­miento, sobre la búsqueda y la dinámica que llevó a la mate­rialización de este proyecto, que amplia hori­zontes del grupo, pero desde un territorio que le es propio.

–El nombre aparece por la idea de cambiar de energía. Nos gustaba esa imagen de poder enchufarnos en luga­res distintos, pasar por otros climas, probar otras intensi­dades, pero seguir siendo la misma corriente. El EP tiene bastante de eso. Hay cancio­nes que vienen de momentos distintos, algunas más lumi­nosas, otras más introspecti­vas, pero todas conviven den­tro de una misma búsqueda. Sentíamos que no hacía falta esperar a tener un disco largo para mostrar este momento. Estas canciones tenían algo en común y el formato EP nos permitía decirlo sin estirarlo de más.

–Todos en la banda escu­chamos mucha música y eso inevitablemente se filtra. Nos gusta probar, jugar con climas distintos, ver hasta dónde puede ir una canción.

Creo que experimentar tam­bién hace que todo sea más divertido. La clave está en que eso nuevo no entre como dis­fraz. Tiene que pasar por la banda, por nuestra forma de tocar, de cantar y de decir. Ahí recién se vuelve nues­tro. El miedo a perder iden­tidad puede aparecer, pero también sería raro cuidar tanto una forma que termine volviéndose una jaula. Para noso­tros la identidad no es repetir siempre lo mismo, sino seguir reconociéndonos aunque cambiemos de energía.

–Creo que primero aparece. Hay un temperamento de la banda que sale bastante naturalmente: cierta forma de mirar, de no ponerse solemne, de mezclar algo sensible con algo más coti­diano. No sé si lo llama­ría humor en el sentido de hacer reír, sino más bien una manera de pararse frente a las cosas. Después sí hay un trabajo consciente. Escucha­mos si ese clima sostiene la canción, si la letra entra en ese mundo, si algo sobra o si se vuelve demasiado expli­cado. A veces una canción necesita más luz, otra nece­sita más rareza, otra pide ser más directa. Nos inte­resa que las canciones ten­gan algo para decir, pero que no pierdan cuerpo. Que no se vuelvan discurso. Que pue­dan dejar una idea, pero tam­bién moverte un poco.

–Las letras siempre vienen de alguien. De una mirada, de una frase, de una inco­modidad o de una necesi­dad puntual. Pero para que una letra llegue a Kita Pena tiene que tener la capacidad de representar a todos de alguna manera. No significa que todos hayan vivido exac­tamente lo mismo, sino que todos puedan reconocer algo ahí y defenderlo como pro­pio. Una canción puede nacer de una experiencia personal, pero si queda encerrada sola­mente en eso, le cuesta crecer.

En la banda se cuida mucho esa primera voz, pero tam­bién se acepta que la can­ción pida cambios. A veces una palabra cambia todo. A veces una frase que parecía importante no entra. Lo lindo es cuando algo que empezó en una persona termina encon­trando una forma que todos podemos cantar.

–Estamos en un proceso de encontrar una nueva forma de movernos. Kita Pena tiene muchos años, muchas etapas y muchas vidas adentro. No sentimos que estemos empe­zando de cero, pero tampoco queremos funcionar en auto­mático. Este EP nos agarra en un momento de cambio de energía, justamente. Con ganas de seguir haciendo música, pero también de entender cómo se comparte hoy, cómo se sostiene una banda y cómo se conecta con la gente después de tanto tiempo. Capaz estamos en un proceso de reconexión: con las canciones, con la banda y con una versión nueva de nosotros.

–Es un momento raro para hacer música. Hoy una can­ción también tiene que sobre­vivir al scroll. Eso puede ser cansador, porque además de hacer música tenés que pensar cómo lograr que alguien se detenga un rato a escucharla. Las plataformas abrieron puertas, eso es real, pero también concentraron mucho la atención. Hay más música que nunca, pero no necesariamente más escu­cha. Una canción puede estar disponible en todo el mundo y al mismo tiempo perderse en dos segundos entre mil cosas.

En Paraguay hay mucho talento y mucha gente haciendo cosas con identidad, pero todavía cuesta sostener circuitos, espacios y hábitos de escucha. Entonces uno va aprendiendo a moverse en ese paisaje sin traicionar lo que hace. Comunicar más, sí. Adaptarse, también. Pero sin convertirse en una banda que existe solo para alimentar el algoritmo.

–No sé si pensamos las can­ciones como consejos. Nos interesa más que funcio­nen como lugares donde uno pueda reconocerse un poco. Hay preguntas que vuelven en este EP: cómo dejar de preocuparse por todo, cómo cambiar de ambiente cuando algo te apaga, cómo volver a creer sin tener todo resuelto, cómo cortar una cadena antes de repetirla. Son cosas sim­ples de decir, pero difíciles de hacer. Capaz la búsqueda va por ahí. No tanto en encon­trar una verdad enorme, sino en animarse a mirar algunas cosas de frente. A veces una canción no te resuelve nada, pero te acompaña mientras tratás de ordenar un poco el ruido. Y eso, para nosotros, ya vale bastante.