En el marco de la Noche de los Museos, el Centro Cultural del Lago invita a la inauguración del espacio denominado “Las tres amigas” con un documental que lleva el mismo nombre, “Las tres amigas”, dirigido por Mónica Ismael. La presentación será este sábado 16 de noviembre, a las 19:30, en el espacio ubicado en Fulgencio Yegros 855 casi Mariscal López, de la ciudad de Areguá, con acceso gratuito.

La amistad, el arte y la naturaleza se entrelazan en este documental que celebra la conexión especial entre Gisela Von Thümen, Lucy Yegros e Ysanne Gayet. “Juntas, estas tres talentosas mujeres nos muestran cómo la creatividad puede ser un puente que une a las personas y nos invita a valorar los pequeños momentos de la vida. La magia del cine y la amistad se unen en la Noche de los Museos y la tradicional feria navideña”, expresa un comunicado de prensa del CCL.

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El documental tiene una duración de 15 minutos. Además de la dirección y producción de la cineasta paraguaya Mónica Ismael, acompañaron en su equipo, Jihan Jouni en montaje, así como Sebastián López Moreira en la fotografía.

La Asociación Noche de los Museos - Paraguay, una organización sin fines de lucro que viene trabajando en forma ininterrumpida desde el año 2017, realiza la octava edición del evento Noche de los Museos que se llevará a cabo el sábado 16 de noviembre, desde las 18:00 hasta las 0:00, en formato totalmente presencial con la participación 13 departamentos del país, con un récord de casi cien museos y espacios culturales que abrirán sus puertas al público en una misma noche con diversas propuestas culturales de acceso totalmente libre y gratuito.

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El próximo 19 de diciembre llega a los cines “Mufasa’” la precuela de “El rey león” (2019) que, dirigida por Barry Jenkins, relata cómo un cachorro huérfano, perdido y solo en tierra extraña acabará convirtiéndose en un gran rey gracias al “amor”. Una historia sobre la familia, en el sentido más amplio e inclusivo del término, que aborda “temas complejos” relacionados con “cómo nos cuidamos unos a otros” y “cómo nos comportamos en sociedad”, según apunta el propio Jenkins, que espera que esta nueva entrega de la saga de Disney pueda inspirar a niños de todo el mundo tal y como lo hacen, señala, las vidas de ídolos deportivos como Lamine Yamal o Nico Williams.

“Durante 30 años, hemos asumido que Mufasa es perfecto, el maravilloso rey que desciende de un linaje real. Y en esta película, de repente, te enteras de que es huérfano. Literalmente podría haber sido un niño de cualquier país que acaba en un campo de refugiados, es adoptado por una familia y recibe todo este amor por parte de esta madre. Y es así cómo acaba siendo un líder maravilloso”, expone Jenkins en un encuentro con la prensa durante su visita a Madrid en el que compara la historia del protagonista de ‘Mufasa’ con la de dos de las estrellas más rutilantes del fútbol español.

“Hablábamos de fútbol anoche. Aquí tenéis a estos dos jugadores, Lamine Yamal y Nico Williams, y estos chicos no vienen de los mismos lugares que, por ejemplo, Iniesta, pero han acabado en el mismo sitio. Son símbolos de la grandeza de vuestro país y no hay nada malo con esto”, reflexiona el cineasta que destaca cómo los viajes vitales de estos futbolistas, al igual que el relata su película, pueden inspirar a niños de todo el mundo.

Así, el director subraya que en lugar de suponer una “presión” añadida, trabajar en una franquicia tan conocida como ‘El Rey León’ supone “una oportunidad maravillosa de poder hablar a tantísima gente” y lanzar un mensaje positivo sobre “temas complejos” a través de personajes que “son muy identificables en distintos idiomas, en distintas regiones y en distintos países”.

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Así, y en lugar de “asumir que no puedo ser como él porque no tengo linaje real”, Jenkins espera que al ver ‘Mufasa’ jóvenes y no tan jóvenes se den cuenta de que todo es posible y de que, al igual “ese cachorro que fue arrastrado por un río y acabó en una situación en la cual una mujer decidió que merecía amor y gracias a ese amor se convierte en la gran persona y líder que conocemos”, ellos también pueden lograr lo que se propongan.

Y es que, efectivamente, ‘Mufasa’ es una película sobre el viaje de dos hermanos nacidos en familias distintas, pero sobre todo es, destaca el director, “una película sobre madres e hijos”. “Mi madre falleció cuando estaba rodando esta película y en cierta forma la energía de Eshe y Mafia, la madre y la madre adoptiva de Mufasa, son dos elementos que sentí que era muy importante que se reflejaran en la película”, recuerda emocionado el realizador para el que el aspecto tecnológico fue el gran reto de este proyecto.

“Si soy honesto, creo que lo que más me restringía era la tecnología. Una vez superé la barrera de la tecnología, pensaba que podía hacer cualquier cosa”, recuerda el director de ‘Moonlight ' y ‘El blues de Beale Street’ que, pese a lo “intensos” que son los fans de Disney, y lo sobreprotectores que pueden llegar a ser con franquicias tan queridas como ‘El Rey León’, insiste en que “hay algo precioso en rodar con personajes que todo el mundo conoce”.

“Los niños lo ven, los adolescentes lo ven, los adultos lo ven, lo ven en muchos países, en muchos idiomas distintos... es un vehículo muy bueno para hablar de temas complicados y reflexionar sobre cuestiones complejas”, dice Jenkins que destaca la inteligencia de Disney al no querer hacer de ‘Mufasa’ una película que no fuera nada más que un ‘fan service’ pero al mismo tiempo saber “abrazar todo eso que los fans aman de los personajes para llevar la historia a otro plano”.

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Y es que este filme no es solo la historia del joven Mufasa y cómo se convirtió en rey, sino también del gran villano de la saga, Scar, cuyo gran giro ya han ‘spoileado’ los adelantos promocionales del filme. “No considero que Scar sea un villano, ni tampoco su padre”, señala Jenkins que asegura que le “encanta” la idea de que en sus películas “no haya villanos, solo personas complicadas”.

En todo caso, el realizador señala que no se sintió para nada condicionado o encorsetado al afrontar este proyecto, ya que lo relatado en ‘Mufasa’ “no había pasado antes en las otras cintas de ‘El Rey León’” y su objetivo no era “repetir lo que ya se había hecho en las películas anteriores”. “Trabajar con personajes que la gente ama, me ha permitido jugar con la condición humana, con elementos de la sociedad, con sus comportamientos... Y tal vez por esto me sentí un poco libre”, reflexiona el realizador.

Y para alcanzar esa “libertad” fue clave, asegura, “poder contar con todas las personas con las que he trabajado antes en mis otras películas”. Así, y valiéndose de la baza de que fue Disney quien acudió a él para pedirle que se hiciera cargo del proyecto, Jenkins reclutó “al mismo montador, el mismo productor, el mismo guionista...” que, en sus otras producciones, de corte mucho más independiente. Algo que, dice, le ha dado a ‘Mufasa’ su propia voz.

“Una película es la composición de muchas partes pequeñitas creadas por todos los artistas que trabajan en ella. Así que, si hacía esto sin el resto, no se reflejaría bien”, explica el cineasta que, al armar la película, un proceso que recuerda le llevó cuatro años, sintió junto a su equipo “muchísima pasión y emoción” al comprobar que el trabajo “reflejaba nuestra voz”.

“Mufasa” sirve como precuela de tres iteraciones anteriores de “El rey león” y cada una de ellas fue un éxito rutilante: la película original de 1994 ganadora de dos Oscar con la que comenzó la leyenda, la nueva versión de 2019 dirigida por Jon Favreau que rozó los 1.500 millones de dólares en taquilla y el premiado y muy exitoso musical de Broadway que ha viajado por más de medio planeta y que lleva varias décadas en cartel. Un listón muy alto que Jenkins afronta con pasmosa naturalidad.

“Sentí más presión en mi proyecto anterior, era una serie titulada ‘El ferrocarril subterráneo’”, confiesa para explicar que en aquella ocasión “creía que si fracasaba, al ser la historia de los esclavos africanos en Estados Unidos, era decepcionar a toda mi gente”. “Y bueno, si fracaso aquí es como: ‘Vale, Barry Jenkins la ha liado porque ha fracasado con El Rey León’, pero eso solo me afecta a mí. En la anterior era decepcionar a una raza entera, a todos los negros de Estados Unidos, eran cosas distintas”, señala aliviado.

Y como en entregas anteriores de la franquicia, un elemento fundamental será la música que en este caso está compuesta por Nicholas Britell y con canciones originales de Lin-Manuel Miranda (‘La sirenita’, ‘Hamilton’). “La música de la primera película es súper icónica”, reconoce Jenkins que desde la admiración y absoluto “respeto” por lo que hicieron artista de la talla de Lebo M, Hans Zimmer, Elton John o Tim Rice, señala que el objetivo era “tomar la energía de esa música y hacer algo nuevo”. “Creo que todos somos ya un poco viejos para escuchar constantemente las mismas canciones”, concluye.

Fuente: Europa Press.

“Interior Chinatown”, una serie detectivesca en la que un mesero asiático se convierte en el improbable héroe de una conspiración criminal policíaca, satiriza el tratamiento estereotipado que Hollywood le da a las minorías al tiempo que muestra el progreso que ha dado la industria con cierto retraso. La nueva serie de Disney está basada en la aclamada novela de Charles Yu, autor estadounidense de ascendencia taiwanesa.

El éxito de ventas de 2020 trajo una bien humorada perspectiva del racismo en la sociedad estadounidense a través de las aventuras de Willis Wu, un extra de Hollywood que sólo conseguía roles como un oriental de fondo, pero quien soñaba con convertirse un día en algo como el hombre del Kung Fu. Yu figura como el director creativo de la serie de televisión.

“Crecí viendo televisión en los años 1980 y 1990, y nunca veía a asiáticos. Era como si no existieran”, dijo en julio en una rueda de prensa. “Existían en la vida real, cuando salía a la calle, pero no en mi pantalla. Y eso me impulsó a querer contar esta historia”. Apenas una década atrás, la creación literaria de Yu habría sido ignorada en Hollywood.

Pero recientemente, exitosas producciones asiático-estadounidenses como “Locamente millonarios” y “Todo en todas partes al mismo tiempo”, sin contar la oscarizada “Parásitos” y el fenómeno “El juego del calamar”, probaron el apetito comercial para diversas narrativas. Jimmy O. Yang, actor estadounidense de origen hongkonés, que trabajó en “Locamente millonarios”, encarna a Wu en “Interior Chinatown”. Y el cineasta ganador del Óscar, Taika Waititi (“Jojo Rabbit”) dirige el episodio piloto.

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Wu es presentado como un mesero cualquiera de un restaurante en el Chinatown de Los Ángeles. Pero, rápidamente se le muestra como parte de una operación policíaca. En estas escenas, “Interior Chinatown” adopta los códigos visuales de un drama policial de televisión. Wu permanece relegado al personaje de fondo, mientras que el dúo de policías -uno blanco y uno negro- resuelve los crímenes.

Y lo que es aún más extraño, aparecen cámaras inexplicables filmando a Wu y sus colegas, lo que recuerda a “The Truman Show. Historia de una vida”. La distorsión de la realidad se hace eco de la premisa de la novela original, escrita a su vez en forma de guion televisivo. “Es una gran metáfora de lo que significa ser asiático-estadounidense en este país”, dijo Yang.

“Pero al mismo tiempo, es una historia universal, la de alguien que ansía ser más, alguien que se encuentra a sí mismo en su carrera”. Cuando Wu es testigo de un secuestro, los giros de la trama llevan a este actor de fondo a tomar roles cada vez más importantes en la intriga criminal. “Pasa a ser como una estrella invitada. Y luego el tipo de técnica, que claro, yo interpreté antes. La verdad es que tiene muchos paralelismos con mi propia carrera”, afirma Yang.

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La serie cuenta con diálogos en inglés, mandarín y cantonés. Entre sus personajes está Lana Lee, una policía novata asiática-estadounidense, a quién sus jefes le asignan un caso en Chinatown tras asumir de forma incorrecta que ella debe conocer el barrio chino. La ironía no pasó desapercibida para la actriz Chloe Bennet, nacida Chloe Wang de padre chino y madre blanca estadounidense, que en la vida real tuvo que cambiar su apellido para conseguir papeles en Hollywood.

“Mi trayectoria en la industria es tan intrínseca para Lana”, dijo refiriéndose a su personaje en una rueda de prensa. “Al principio de mi carrera literalmente me dijeron ‘no eres suficientemente blanca para ser la protagonista, pero no eres suficientemente asiática para ser la asiática’”. Fatty Choi, el mejor amigo de Willis interpretado por el comediante Ronny Chieng (“The Daily Show”), ofrece un divertidísimo contrapunto a las nociones preconcebidas del público sobre los asiáticos como “minoría modelo”.

Adicto a los videojuegos y a la marihuana, Choi regaña de forma agresiva a los clientes blancos del restaurante diciéndoles que “no son el centro del universo”. “Hacer algo con un comentario social, tan divertido, tan meta, tan alucinante y tan inteligente, pero sin martillar a la gente con el mensaje, es un sueño hecho realidad”, dijo.

Fuente: AFP.

La obra de teatro “Le Bal – El bar de todos los tiempos”, dirigida por Raquel Martínez, se estrena el viernes 22 de noviembre en el Galpón del Pasaje Molas, en Asunción. El elenco está formado por alumnos del tercer y último año de la escuela de actuación TIA (Taller Integral de Actuación), encabezada por los conocidos cineastas Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, y marca el final del ciclo 2024 para este grupo de tres elencos diferentes que forman parte de la experiencia teatral.

Las funciones continuarán los días 23, 24, 29 y 30 de noviembre, y el 1 de diciembre, con dos horarios, a las 19:00 y 21:30; las entradas pueden adquirirse en www.instagram.com/tercerostia2024. La propuesta escénica es un homenaje a “Le Bal” (el baile), película musical e histórica italo-franco-argelina de 1983, dirigida por Ettore Scola, que narra diversas situaciones sociales desde una sala de baile, capturando momentos y emociones de diferentes épocas.

En esta versión paraguaya, el bar es el protagonista y la excusa perfecta para hacer surgir tantas historias como noches en sus ficticias paredes. Un bar atemporal, casi decadente, donde se mezclan la realidad y la ficción en su atmósfera turbia, separadas solo por la efímera condición de la noche. Actores y público se confunden en este espacio. Una barra de madera, confesionario nocturno de almas que llegan para exaltar sus grandezas o penurias. A veces, el teatro dentro del teatro; otras, la realidad dentro de la realidad.

“Un homenaje al director italiano Ettore Scola. Esta obra cinematográfica, impregnada de una esencia teatral única, me ha inspirado a recrearla y adaptarla a una propuesta escénica. Además, guardo esta joya del cine como un recuerdo inspirador en mi álbum de memorias como actriz”, comentó su directora Raquel Martínez, que amplió sobre el proceso que implicó esta creación teatral a través de una entrevista compartida por la producción del equipo de estudiantes.

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“Cada obra nueva surge como un capítulo en una continuidad creativa. Le Bal nace de mis recuerdos e inspiraciones como actriz, especialmente de mi participación en Asunción años 30 del maestro Wal Mayans, donde fui parte del montaje. Desde que ingresé al TIA (Taller Integral de Actuación), he trabajado con equipos grandes de hasta 40 actores en escena, como en Ser o no ser de Hamlet Machine, Anatomía y ahora en Le Bal. Disfruto las puestas complejas, que desafían tanto a los actores como al público. Esta obra no sería posible sin la libertad y el apoyo del TIA, que permite a los jóvenes cerrar el año con experiencias enriquecedoras. Le Bal es un homenaje a Ettore Scola y a su película italo-franco-argelina de 1983, que captura momentos sociales y emocionales de distintas épocas en una sala de baile. En nuestra versión, el bar se convierte en el protagonista, un espacio donde surgen tantas historias como noches, y donde hasta la poesía encuentra su lugar”.

“Para cada montaje, encuentro inspiración en cualquier situación, muchas veces en mi entorno inmediato. Puede ser el detalle de un viaje en autobús que luego se convierte en una escena. A lo largo de los años, he construido un repertorio de referencias, desde Pizarnik, cuyas palabras siempre me dan pistas para mis obras, hasta la pintura de Rembrandt, que fue la base de Anatomía. La música también es fundamental; en ocasiones, escucho un estilo durante meses hasta que resuena con el ambiente que busco para una obra. Tarkovsky, con su lenguaje poético visual, es otro de mis faros creativos, junto con directores como Fellini, Kusturica, Giuseppe Tornatore y Lina Wertmüller. Aspiro a que cada obra tenga un encanto cinematográfico, un detalle que cautive al espectador”.

“El guion es el primer gran reto de cada obra. Le Bal, en particular, me ofrece un mundo lleno de historias, donde hasta el silencio cuenta algo. A medida que se acerca el cierre, nuevas ideas surgen para enriquecer esta narrativa. Coordinamos tres elencos rotativos, casi 40 personas, y aunque en 2022 pude llevar adelante una puesta descomunal en un edificio de tres pisos, ahora cuento con Carol Castillo, actriz y amiga, quien se ha convertido en mi apoyo en estas puestas multitudinarias. No existen primeros actores en mis obras; cada intérprete lleva un diario de su proceso, construyendo su propio “mapa de vida” y transformándose en un ‘actor creador’. Este proceso es casi científico: un registro de experiencias, ejercicios y rastros del actor en formación”.

“El entrenamiento actoral es la base de mi trabajo con los alumnos, y lo he adaptado con el tiempo a una metodología propia. A menudo se piensa que mi entrenamiento es intenso, pero no se trata de ejercicio por ejercicio, sino de integrar energía y presencia para narrar algo desde el interior. La disciplina actoral requiere una justificación en cada acción y esculpir un boceto de personaje que sea fiel al ‘mapa del actor’. Aunque me formé en teatro antropológico, he estilizado mi enfoque hacia un teatro más puro. Prefiero distanciarme de etiquetas como ‘teatro físico’ o ‘danza teatro’ que a veces carecen de rigor. Esta filosofía se la comparto a los jóvenes, para quienes un aprendizaje multidisciplinario es clave. Para mí, el cuerpo es central, una fuente que acompaña al actor en su recorrido semiótico”.

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“Es difícil anticipar qué será Le Bal, así como lo fue con mis otras obras. El público es la última pieza de la obra, y su reacción es lo que define la experiencia. En teatro, a diferencia del cine, hay un vínculo directo con el espectador, un diálogo emocional. Así que solo puedo invitar al público a venir. Tendremos ‘historias a la carta’, permitiendo que los asistentes escojan y hagan sus pedidos, en una experiencia interactiva que invita a cuestionar quién observa a quién. Le Bal es un espacio fuera del tiempo, donde el espectador y el actor se funden, y donde todos pueden explorar sus propios roles”.

“No soy partidaria de las expectativas; prefiero que el público venga sin preconceptos, dejando espacio al asombro. Las expectativas suelen neutralizar la experiencia, algo que he aprendido desde mi época de actriz. No quiero cargar con esa responsabilidad; prefiero que cada persona se permita descubrir la obra sin ideas previas”.

“Es frecuente la pregunta sobre el nivel actoral nacional, pero para mí, la verdadera cuestión es qué tipo de actores proyectamos en nuestro entorno. Veo una nueva generación interesada en el teatro, pero muchas veces sin entender lo que implica. Hay jóvenes que perciben el teatro como un simple pasatiempo o como una pasarela. Sin embargo, nuestra fortaleza está en los grupos alternativos y en actores de la vieja guardia que sostienen nuestra historia contemporánea. La debilidad radica en la falta de memoria histórica; los jóvenes rara vez conocen o valoran a quienes han construido el camino que hoy recorremos. Es fundamental recordar y honrar estas referencias, en lugar de reinventarlas sin contexto”.