En adhesión a las celebraciones mundiales por el 200.° aniversario del estreno de la sinfonía número 9 “Oda a la Alegría” de Ludwig van Beethoven, que se cumplió el 7 de mayo; la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Asunción (Osca) presenta este monumento sonoro en Ciudad del Este, con dos conciertos, este viernes 24 de mayo (ya con entradas agotadas) y mañana sábado, a las 20:00, en el Centro Cultura Mangoré.
La dirección del concierto estará a cargo del maestro Luis Szarán, junto al coro Ars Canendi de Ciudad del Este, dirigido por Mónica Pérez, y los solistas María Fe Arzamendia (soprano), Mónica Pérez (mezzo), Rodrigo Pérez (tenor) y Víctor Kunert (barítono).
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La organización del concierto está a cargo del coro Ars Canendi, en el marco de su noveno aniversario de fundación, con el apoyo de la Sociedad Filarmónica de Asunción (SFA) y la Dirección de Cultura y Turismo de la Municipalidad de Asunción. Las entradas para el sábado cuestan G. 100.000.
La sinfonía número 9 es una de las obras más importantes en la historia de la música universal es la única sinfonía escrita por Beethoven (1770-1827) durante el último período de su arte y de su vida. Las dimensiones excepcionales de esta partitura, la adjunción a la orquesta de la voz humana y aún el considerable lapso de doce años que la separa de las dos sinfonías anteriores, hacen de ella un mundo aparte en la música beethoveniana.
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La Tocatta: música, comunidad e independencia
- Por Jimmi Peralta
- Fotos: Cristóbal Núñez/Gentileza
En este diálogo con La Nación/Nación Media, el cantautor, escritor y sociólogo Roque de Pablo habla sobre qué es y qué busca la novedosa propuesta musical de La Tocatta, que va colocando su nombre en la escena ofreciendo un amplio repertorio de ritmos especialmente latinoamericanos a través de conciertos promovidos comunitariamente y con profundo sentido de solidaridad.
El arte como práctica y oficio tiene en general varias facetas que se dan en simultáneo y, a veces, unas más que otras son resaltadas sin menoscabo del valor de las otras. El arte es por definición un diálogo, nunca es un hacer solitario. Se lo hace para compartir, en una respuesta o un buscar de otros, y se lo desarrolla a partir de un lenguaje y sensaciones que vienen de otros. En ese sentido, la práctica de comunidad está siempre presente, aunque muchas veces se busque obviar esa realidad.
Por el otro lado transita el proyecto La Tocatta, una agrupación musical que tiene como cuna una vida comunitaria y que se plantea fines sociales y solidarios. La música acá se la aborda desde lo colectivo y se propone como estética y como ética en el escenario, con un repertorio cercano a lo que podría llamarse world music sudamericano.
Sofía Barbery (violín), Kalya Luz (violín, acordeón, guitarra, percusión, melódica y voz), Tury (flauta traversa, quena, flauta irlandesa), Kala del Puerto (bajo, percusión y voz), Nelson Arce (percusión y accesorios) y Roque de Pablo (guitarra, charango, cuatro venezolano, percusión y armónica) forman parte de este proyecto.
A la puesta en escena se le suman Mario Argüello en sonido y Nelly Barbery en audiovisuales.
–¿Cómo definirías al proyecto La Tocatta?
–La Tocatta es un proyecto social, cultural, comunitario, independiente y de solidaridad.
ALQUIMIA
–¿Cómo surge la conformación actual de la banda?
–Todo empieza en un ámbito muy familiar, muy íntimo, donde la música y la literatura son elementos importantes para la interacción, un lenguaje siempre presente, especialmente en las celebraciones. Las más jóvenes (Kalya, Tury y Sofia) empezaron a estudiar música desde temprana edad. Luego la cosa trascendió, y Kalya y Sofia empezaron a participar de encuentros internacionales, mientras que Tury estudiaba en el conservatorio e incursionaba en la música popular. En el caso de Kala (del Puerto), un músico muy experimentado en el ámbito del rock paraguayo, se sumó naturalmente a la familia, ya que es un gran amigo y compañero, al igual que Ale (Enciso), quien ejerce la docencia en la música y es una parte vital de La Tocatta. El último en sumarse ha sido Nelson Arce, en percusión, quien además es actor y director de teatro. En mi caso, vengo de la cultura del rock argentino. Así es que se trata de una alquimia diversa, donde se entrecruzan varias generaciones, muchas experiencias, conocimientos y ganas de latir.
–¿Cuál es la propuesta musical que ofrece el grupo?
–Nosotros hacemos música del mundo y especialmente de nuestra región sudamericana. Para ello utilizamos y estudiamos variedad de instrumentos y estilos, investigamos profundamente en las raíces de cada canción o música que interpretamos, ya sean celtas, chacareras, chamamés, polcas, música clásica, andina, rusa o de Medio Oriente. Queremos que la gente conozca los distintos sonidos, disfrutándolos, bailándolos y, finalmente, que puedan descubrir que eso que parece lejano está muy cerca, muy adentro de cada uno. Todos nuestros ancestros han cruzado mares y continentes, y nosotros estamos aquí con esa memoria antigua en nuestra genética y la música despierta esa memoria y la reconoce como parte de su vida y su historia. Es muy interesante cómo funciona y se traduce eso a través del baile o la alegría de la gente. La propuesta es disfrutar de eso que se lleva adentro y que en esa suerte de ceremonia o viaje que es cada concierto de La Tocatta se pueda vivir esa experiencia.
COMPROMISO
–La descripción del proyecto refiere que tiene objetivos de transformación cultural y social. ¿Qué rol tiene en esos territorios la música?
–Bueno, nosotros, los trabajadores de la cultura, los artistas, tenemos que ser concientes de que el arte puede ser un vehículo de reflexión y transformación. Todo eso ocurrirá, por supuesto, si existe un compromiso profundo con el mundo en que nos toca vivir. Significa que cuando decimos mundo, decimos mi casa, mi barrio, mi ciudad o pueblo, mi país, hablamos de personas que cohabitan mi territorio y mi época, hablamos de una cultura comunitaria cercana, donde todos aprendemos de todos. Eso nos permite saltar la barrera de la violencia, la discriminación, la indiferencia, hablamos de humanizar el mundo, ese mundo que empieza por el medio inmediato y el arte constituye un gran vehículo para hacerlo, porque nuclea, reúne, religa, sensibiliza y nos moviliza.
–Podríamos decir en sentido general que el mercado viene destiñendo de propuestas al arte. ¿Qué implica para ustedes la música comprometida y la música como entretenimiento?
–El mercado es eso, un mercado donde un montón de mercachifles pretenden digitar el gusto de la gente, entonces exigen a los artistas determinado estilo, el mismo que transforman en producto, ese mercado les vende a la gente ideologías a través de esos productos, les vende fuga social, oscurecimiento de la inteligencia, abombamiento de la conciencia. También a través de esas productoras, de esos productos, se hacen grandes negocios muy alejados del hecho artístico. En un concierto de 20.000 personas cuánto alcohol u otras sustancias se venden, cuál es el verdadero negocio político o económico.
–¿Cómo se trabaja de manera distinta a como plantean los mercados tradicionales?
–Los artistas concientes en todo el mundo somos indie, hacemos nuestro trabajo por fuera del circuito de las productoras del sistema, no estamos condicionados por ellas y eso no nos impide vivir dignamente de nuestro arte. Nosotros tenemos muy claro cómo funciona el negocio de la música en el sistema y realmente no queremos estar en ese circuito deshumanizante. Nosotros no actuamos un rol o un papel, nosotros asumimos el arte y la cultura como respuesta a un sistema cosificador y deshumanizante. Llevamos este mensaje a la gente a través de nuestra solidaridad, nuestra música y nuestra pedagogía en las escuelas y colegios que visitamos para realizar talleres, conferencias o charlas abiertas, o en los medios a los cuales somos invitados.
ECLECTICISMO
–Al abordar un repertorio vinculado a la música latinoamericana, ¿qué criterios e intenciones sostienen esa decisión estética?
–Nuestro repertorio es muy ecléctico, muy diverso, con colores muy intensos. La música latinoamericana es muy rica en matices, muy rica en historias y lo más interesante son las historias que dieron origen a esas canciones o músicas. La música latinoamericana tiene sentidos muy profundos y muy antiguos. Te doy un ejemplo: la chacarera es un ritmo traído de África por los esclavos que construían caminos en Santiago del Estero, allá en Argentina. La polca, el chamamé, el tango, el waino, la baguala, la cumbia, son ritmos con identidades centenarias. Nosotros estudiamos y rescatamos esa música, que como decía antes está en la memoria genética de la gente, y la devolvemos en muchos casos en estado puro y otras con arreglos, y la gente responde a ese trabajo de rescate de nuestras raíces musicales con mucho agradecimiento. Esa música toma vuelo propio en el corazón de la gente. Si hablamos de objetivos, podríamos decir que cuando rescatamos y tocamos esa música que estaba perdida, olvidada o relegada, cumplimos nuestro gran objetivo de que la gente redescubra su identidad cultural.
–¿Qué proyectos vienen abordando, sean presentaciones o grabaciones futuras?
–Nosotros venimos trabajando mucho la parte pedagógica, desarrollando talleres de exploración musical para niños y adolescentes, en escuelas y colegios. También realizamos conciertos solidarios, apoyando a organizaciones de derechos humanos, comunidades, barrios y universidades. Durante el año tenemos un programa de 100 conciertos aquí en nuestro país, a lo que sumaremos en 2025 una gira sudamericana de 15 conciertos ya programados y 5 conciertos en España. Estamos en plan de grabar dos álbumes, el primero con temas propios y el segundo con música rescatada de distintas culturas. Caminamos despacio, disfrutando cada uno de nuestros proyectos.
ESPACIOS PROPIOS
–¿Cómo ven la escena local en el sentido del consumo, difusión y espacios para el tipo de oferta artística que realizan?
–La realidad es que nosotros abrimos nuestros propios espacios por fuera del circuito, y tenemos una estructura de colaboradores y aliados que promueven nuestro trabajo. Es decir, hemos ido construyendo nuestro propio circuito, junto a un grupo de colaboradores y seguidores incondicionales, que son nuestros amigos y compañeros, a los cuales se van sumando nuevos amigos, abriendo nuevos puntos de presentaciones. Es muy interesante, porque ellos son los gestores de nuestras presentaciones, ellos van abriendo nuevos lugares, nuevas propuestas y organizando los conciertos con gran independencia y mucha eficacia.
–Algunos músicos de la banda tienen también sus propios proyectos. ¿Podrías comentarnos un poco de esas experiencias?
–El grupo representa los universos personales, cada uno tiene su proyecto. Ejemplos: Kalya Luz terminó su EP con seis canciones propias, “Luz del sur”. Kala del Puerto tiene su proyecto Kala Project y toca en Bla, Ble, Bli, banda de blues. Tury está experimentando con música electrónica con vientos. Ale Enciso es cantautora, su proyecto es de música de proyección folclórica de su autoría. Sofía Barbery es docente, violinista de música clásica y compositora, está armando un cuarteto de cuerdas. Nelson Arce es actor y director teatral, y está permanentemente abocado a la realización de obras y a la docencia. En mi caso, soy cantautor, sociólogo y escritor. Acabo de publicar mi libro “En este viaje”, con la editorial La Paz y estoy próximo a publicar “Posdata”, en la misma editorial.
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Clínica de subespecialidad traumatológica implementará tecnología 3D para precirugía
En Ciudad del Este habilitarán el lunes 1 de julio una clínica que será la primera que ofrecerá solo subespecialidades en traumatología, donde cada médico atenderá de acuerdo a la lesión del paciente. Además, implementará la impresión 3D para planeamiento prequirúrgico, lo que brindará mayor precisión en las intervenciones.
Según el doctor Lisandro Jara, presidente de la Sociedad Paraguaya del Hombro y Codo, será toda una innovación a nivel país, ya que cada médico atenderá de acuerdo a su subespecialidad brindando garantías a los pacientes que recurren a ellos.
“Será una clínica de traumatología con subespecialidad, eso quiere decir que sí soy cirujano de hombro y codo, solo eso puedo operar. Ni por más que quieran si la fractura o la necesidad es en la muñeca o tobillo no puedo tocar al paciente”, manifestó a La Nación/Nación Media.
Los médicos fueron capacitados en la subespecialidad en el Instituto de Ortopedia y Traumatología de Río Grande Del Sur, Brasil, unas de las casas de estudios considerada de referencia mundial especialmente en cirugía de hombro. Son siete médicos especialistas en traumatología que fueron capacitados en la institución.
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Impresora 3D
El médico resaltó que la implementación de la tecnología 3D ya se utiliza para algunos casos muy necesarios, pero será la primera vez que una clínica tendrá a disposición para su utilización especialmente para casos urgentes. “Es la primera clínica en el interior del país en incorporar esta tecnología”, apuntó el profesional.
Jara indicó que a partir de una tomografía se realiza la impresión y se puede tener en forma precisa cómo se ve la fractura, por lo que se podrá tomar decisiones antes de que se realice la cirugía. También ayuda mucho a la hora de solicitar insumos a los pacientes que requieran de placas, tornillos, tamaños de implantes, entre otros.
Evitar infecciones
El profesional señaló que con la implementación de esta tecnología se logrará acortar los tiempos en quirófano y con esto se evitan las infecciones, logrando la recuperación más rápida del paciente. Además, se ofrecerá garantías de que la cirugía será un éxito y sin complicaciones.
“Un software construye en 3D esa fractura y ahí programamos la cirugía, podemos ver el tamaño de la lesión. Al tener en nuestra manos la lesión hace que facilite la cirugía y acortar los tiempos dentro del quirófano. El resultado es mejor, yo vengo haciendo eso hace tres años, pero era amateur y ayuda muchísimo en situaciones complejas”, puntualizó.
Datos claves
- Es la primera clínica del interior del país en incorporar la impresión en 3D en el planeamiento prequirúrgico.
- Con la implementación de esta tecnología se logra acortar los tiempos en quirófano y reducir la probabilidad de infecciones.
- La clínica será habilitada el lunes 1 de julio en Ciudad del Este.
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Panchi Duarte & Ha Che Valle en Presidente Franco
El espacio cultural Estación del Arte, ubicado en la ciudad de Presidente Franco (Alto Paraná), presenta el concierto de Panchi Duarte & Ha Che Valle, así como el cantautor David Portillo como invitado especial, este sábado 29 de junio, a las 21:30. Las entradas cuestan G. 30.000, y la dirección es Ypané 186; informes al 0972 804-976.
De junio a agosto de este año, este espacio cultural será escenario de una serie de conciertos protagonizados por músicos residentes en Paraguay, Brasil y Argentina. La agenda inició el pasado 7 de junio con una noche de ritmos caribeños de la mano del grupo Herencia Latina, una banda de salsa formada en Foz de Iguazú (Brasil).
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El 29 de julio continuará con Purahéi Soul, grupo popularmente aclamado que fusiona distintos estilos de música sin dejar de lado su fuerte identidad paraguaya. En agosto tendrá una fecha dedicada a las Guitarras Sudamericanas, el sábado 10; y finalmente, el sábado 31, una cita con el arpa paraguaya, de la mano de Elías Balbuena, más conocido como “el bordonero de oro”.
Estación del Arte ofrece un espacio relajado, descontracturado, y es bienvenido tanto el público que desee escuchar el show desde la comodidad de su asiento como el que decida levantarse a vivir la noche de otra manera. El ciclo de conciertos cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes.
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“Añoranza” es el tercer disco de la pianista Chiara D’Odorico
La pianista paraguaya Chiara D’Odorico presentó su tercer disco titulado “Añoranza”, producido y distribuido por el sello argentino Virtuoso Records. El material discográfico toma su título de una canción de Mauricio Cardozo Ocampo, incluido entre sus 9 tracks, que incluyen tres colaboraciones con el pianista y docente argentino David Lonardi.
“‘Añoranza’ nos sumerge en el Paraguay de ayer y hoy. Chiara, a través del recuerdo de su país natal, nos invita a un recorrido de la música paraguaya académica para piano solo y a cuatro manos. Las obras son de estilos contrastantes, algunas con esencia folclórica y otras con influencias impresionistas o modernas”, expresa una nota de prensa del sello.
Varias de las obras que se escucharán en este disco son inéditas ya que no existen antecedentes de registros previos, algunas fueron recuperadas recientemente para ser incluidas en este álbum y en el caso de “Lembranças” fue compuesta especialmente para la artista. Las obras a 4 manos fueron adaptadas por el pianista argentino David Lonardi.
La lista de temas: “Bliss” (Nancy Luzko), “Mimbî retia’e” (José Bragato; invitado David Lonardi), “Añoranza” (Mauricio Cardozo Ocampo), “Tres pequeños preludios”: Los títeres de Maese Pedro, El pastorcillo tañendo la flauta, Gitanería (Luis Cáceres Carísimo), “Pytumby che vállepe” (Carlos Lara Bareiro), “Lara” (Nancy Luzko), “Che róga mi” (Luis Cáceres Carísimo), “Luz del corazón” (José Bragato; invitado David Lonardi) y “Lembranças” (Javier Acosta Giangreco; invitado David Lonardi). El disco se puede escuchar en todas las plataformas digitales (Tidal, Spotify, iTunes, YouTube, Deezer, Naxos, Primephonic).
Sobre la artista
Chiara D’Odorico es considerada una de las pianistas sudamericanas con mayor reconocimiento a nivel internacional, galardonada con numerosos premios que destacan su carrera artística, entre ellos Embajadora Turística del Paraguay, Premio Artífices del Cambio: Mujeres que Innovan y Crean, Joven Sobresaliente del Paraguay y el Premio Nacional de la Juventud, otorgado por el Presidente de la República.
Cuenta con tres producciones discográficas: “Purahéi che retãgua” (2019), nominado a los Premios Gardel 2020 como Mejor Álbum de Música Clásica; “Ofrenda a mi tierra” (2021) y “Añoranza” (2024). Comprometida con la promoción y difusión de la música de su país, ha presentado y estrenado obras de compositores paraguayos en diversos escenarios internacionales.
En su actividad como docente es maestra formadora de muchos niños y jóvenes de distintos países. Ha impartido clases magistrales en Perú, Bolivia, Ecuador, México, Estados Unidos, Paraguay y Argentina y ha sido miembro de jurado en concursos infanto-juveniles de piano. Desarrolla una intensa actividad musical como solista y con orquesta presentándose regularmente en distintos países como: Brasil, Colombia, Estados Unidos, Italia, Francia, El Vaticano, España, Austria, Inglaterra, Rusia, Sudáfrica, Líbano e India.
La crítica especializada de Rusia resaltó: “(…) una digitación llena de vida, un toque capaz de regalar sonoridades múltiples y un dominio de la dinámica poco común en una artista de su edad”. La crítica de Portugal destacó: “(…) demostró su talento y destreza a través de un selecto repertorio de reconocidos compositores europeos y latinoamericanos”. En otra ocasión en Paraguay: “La artista entregó toda su sensibilidad, expresión y emoción al ejecutar el piano”.
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David Lonardi
Pianista y docente argentino. Licenciado en Artes Musicales orientación Piano. Realizó una Especialización en Musicología y un Máster en teoría y análisis musical. Ha dado conciertos y dictado cursos, conferencias y ponencias de piano y teoría musical en Paraguay, Argentina, México y Estados Unidos. Fue miembro de jurado en concursos infanto-juvenil de piano. Se desempeña como docente de Audioperceptiva y Música de Cámara en la Universidad Nacional de las Artes.
Virtuoso Records
Es un sello discográfico y agencia exclusivo de música clásica, dedicado a recuperar, difundir y poner en valor el amplísimo patrimonio musical de Argentina y de América Latina, incentivando la grabación de repertorios inéditos o poco conocidos, como así también la promoción de artistas de la región.
Para este fin acercamos a músicos y compositores la posibilidad de grabar discos y audiovisuales, proporcionando tecnologías sin precedentes en Latinoamérica, obteniendo producciones de excelencia a nivel internacional. Contamos con las herramientas de distribución en plataformas digitales y de promoción en radios, medios gráficos, redes sociales, para difundir a artistas de toda la región y así darles el lugar que se merecen en el universo musical clásico.
Sobre los compositores
Nancy Luzko: Procedente de la ciudad de Encarnación (Paraguay), nació en 1974. Se constituyó en uno de los primeros músicos paraguayos en graduarse como Doctor en Música en Estados Unidos. En la actualidad se desempeña exitosamente como docente y pianista en dicho país. En su estilo compositivo se encuentran ritmos latinoamericanos con influencias del jazz.
José Bragato: Nació en Udine (Italia) en 1915 y falleció en Buenos Aires (Argentina) en 2017. Fue violonchelista, director de orquesta y compositor. En 1928, escapando de la Segunda Guerra Mundial, su familia emigró a Argentina. Desde muy joven se interesó por la música folclórica paraguaya y tuvo amistad con compositores como José Asunción Flores y Mauricio Cardozo Ocampo. Por el cariño que profesó siempre a la música paraguaya se ganó el sobrenombre de “Ángel tutelar”. Compuso canciones paraguayas y arreglos.
Mauricio Cardozo Ocampo: Nació en Ybycuí (Paraguay) en 1907 y falleció en Buenos Aires (Argentina) en 1982. Referente principal de la denominada “generación de oro” de la música popular paraguaya e investigador del folclore paraguayo. En la década del 30 se radica en Buenos Aires en donde prosiguió sus estudios y luego desarrolló su carrera artística. Publicó cerca de 30 libros.
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Luis Cáceres-Carísimo: Nació en Villarrica (Paraguay) en 1926 y falleció en Foz de Yguazú (Brasil) en 1965. Fue pianista y compositor, escribió muchas obras para piano con un estilo romántico e impresionista, además tiene composiciones de carácter folclórico. Además de su actividad musical, fue médico pediatra de notable prestigio en el país.
Carlos Lara Bareiro: Nació en Capiatá (Paraguay) en 1914 y falleció en Buenos Aires (Argentina) en 1987. Debido a sus arduos estudios en Brasil, se constituyó en el músico de más alta formación académica del Paraguay. Fue el fundador de la Orquesta Sinfónica de la ciudad de Asunción. En sus composiciones confluyen influencias del estilo impresionista y del folklore paraguayo. Su obra fue censurada durante los 35 años que duró la dictadura y recién pudo difundirse más una vez finalizada la misma. Para grabar “Pytumby che vállepe”, compuesta en 1948, se trabajó con el manuscrito y una primera transcripción confeccionada por Norma Lara.
Javier Acosta Giangreco: Nació en 1989 en Asunción (Paraguay). Es un joven compositor, guitarrista e investigador. Su obra “Lembranças”, compuesta entre el 2020 y 2022, está dedicada especialmente a Chiara D’Odorico y en memoria al barítono paraguayo Eladio Pérez González. La pieza refleja la energía, pasión e intelecto de Pérez desarrollando una toccata a tres partes con arpegios que evolucionan hacia una guarania central para concluir con escalas de un alto voltaje sonoro.