Mañana domingo 17 de noviembre por las pantallas del canal GEN a las 22:00 se podrá disfrutar el imperdible estreno de “Divorciadísima”, espectáculo de humor unipersonal de la consagrada actriz compatriota Lali González.

Se trata de un show con herramientas de humor moderno y recursos audiovisuales, que combina la ficción con situaciones cotidianas que supo conectar con el público local y que en su temporada 2024 en la ciudad de Asunción en un mes de cartelera agotó más de 8.000 entradas.

En esta propuesta de la actriz, directora y guionista paraguaya, que se podrá disfrutar mañana por GEN/Nación Media, cuenta su separación, las secuelas que deja un divorcio, además, incluye las dificultades que se presentan en las nuevas citas llegando casi a los 40 años y el cambio generacional de las relaciones.

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La icónica actriz se encuentra actualmente en Buenos Aires, Argentina, trabajando sobre su próximo proyecto, una obra de teatro que aterrizará en la temporada veraniega en la tradicional ciudad de verano Villa Carlos Paz, Córdoba.

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Los alumnos de la carrera de actuación Sigma, del primer año del TIA (Taller Integral de Actuación), presentan este viernes la obra “El precio de una promesa”, basada en la obra de Alfredo Días Gómez, el viernes 15 y sábado 16 de noviembre, a las 20.00, en el Arlequín Teatro, ubicado en Antequera 1061 entre República de Colombia y Teniente Fariña, en Asunción, con entradas generales a G. 50.000.

Los elencos de distintos años de la escuela de actuación dirigida por los cineastas Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori presentaron títulos como “La espera desespera”, “Yerma” y “Pedro Páramo”, y ahora abordan la obra del dramaturgo y autor de telenovelas brasileño Alfredo de Freitas Dias Gomes (1922-1999), que despliega el color y la cultura de Salvador Bahía con magia y alegría. Esta puesta cuenta con la dirección de José Giménez, y la asistencia de Ana Jara y Enrique González.

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En una comunidad marcada por la devoción y la superstición, Zé, un hombre humilde, ha hecho una promesa sagrada en un momento de desesperación para salvar la vida de su mejor amigo, gravemente herido. Su esperanza de cumplirla lo lleva a una travesía peculiar, cargando una cruz y un deseo sincero. Lo que Zé no imagina es que su acto de fe lo pondrá en un enfrentamiento inesperado con las autoridades religiosas, cuestionando la naturaleza de sus creencias y desatando conflictos en el corazón del pueblo.

“Una historia de tenacidad y fe que invita al espectador a reflexionar sobre los límites de la religión y el poder, y cómo un hombre, al resistir, puede desafiar a toda una comunidad. Con una intensidad que va creciendo, esta obra nos plantea preguntas profundas sobre los compromisos, la espiritualidad y el precio de nuestras promesas”, anticipó el Taller Integral de Actuación en una publicación de redes sociales.

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Las últimas funciones de la obra de teatro “El niño que se comió la servilleta de su sándwich”, del dramaturgo mexicano Ricardo Rodríguez, serán el sábado 16 y domingo 17 de noviembre, a las 17:00, en Sala La Correa (Luis Alberto Garcete 1163 casi Don Bosco, Asunción). Las entradas anticipadas tienen un costo de G. 50.000 y de G. 60.000 en puerta, y pueden adquirirse llamando al 0991 779 163.

Con una mirada honesta y fresca sobre los desafíos de la niñez, se estrenó en Paraguay este texto de origen mexicano, bajo la dirección de Ronald von Knobloch, con actuaciones de Ronald Maluf, Dai Acosta, Edu García y Andrea Rodríguez. A través de las aventuras de Rodrigo, un niño que lucha por encontrar su lugar en su nueva escuela, la obra aborda temas como el miedo, la imaginación y la resiliencia.

Rodrigo es nuevo en el colegio y enfrenta el reto de las tareas, los exámenes y encajar con sus compañeros. Su única amiga es Lili, mientras que Flor y Anselmo, o como él lo llama, el temido Dr. No, no lo dejan en paz. Un día, decidido a faltar a clases, se come la servilleta de su sándwich. Lo que empieza como una simple travesura se convierte en una aventura imaginaria que le dará fuerzas para enfrentar sus problemas.

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“El planteamiento inicial es sugerir que la resolución a los problemas se puede hacer a través del ensayo-error. Esa sugerencia está planteada en la obra como un sueño en donde se pueden imaginar posibles soluciones para luego intentar echarlas a andar”, comentó el dramaturgo Ricardo Rodríguez sobre su obra, ideal tanto para audiencias jóvenes, que se verán reflejadas en las situaciones cotidianas y desafíos del protagonista, como para adultos, quienes revivirán esos pequeños grandes dilemas de la infancia.

Los cuatro actores van interpretando e intercambiando roles, en una obra que apuesta por una narraturgia dinámica y creativa, donde el minimalismo escénico es clave para construir junto al público un escenario imaginario sin perder contacto con la realidad que Rodrigo enfrenta. La obra cuenta con el apoyo del Fondo Nacional de la Cultura y las Artes (Fondec). La producción corresponde a Marta De Barros; la asistencia de producción de Rocío Ortiz y la prensa a cargo de Elenita Aquino.

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La obra de teatro “Le Bal – El bar de todos los tiempos”, dirigida por Raquel Martínez, se estrena el viernes 22 de noviembre en el Galpón del Pasaje Molas, en Asunción. El elenco está formado por alumnos del tercer y último año de la escuela de actuación TIA (Taller Integral de Actuación), encabezada por los conocidos cineastas Juan Carlos Maneglia y Tana Schémbori, y marca el final del ciclo 2024 para este grupo de tres elencos diferentes que forman parte de la experiencia teatral.

Las funciones continuarán los días 23, 24, 29 y 30 de noviembre, y el 1 de diciembre, con dos horarios, a las 19:00 y 21:30; las entradas pueden adquirirse en www.instagram.com/tercerostia2024. La propuesta escénica es un homenaje a “Le Bal” (el baile), película musical e histórica italo-franco-argelina de 1983, dirigida por Ettore Scola, que narra diversas situaciones sociales desde una sala de baile, capturando momentos y emociones de diferentes épocas.

En esta versión paraguaya, el bar es el protagonista y la excusa perfecta para hacer surgir tantas historias como noches en sus ficticias paredes. Un bar atemporal, casi decadente, donde se mezclan la realidad y la ficción en su atmósfera turbia, separadas solo por la efímera condición de la noche. Actores y público se confunden en este espacio. Una barra de madera, confesionario nocturno de almas que llegan para exaltar sus grandezas o penurias. A veces, el teatro dentro del teatro; otras, la realidad dentro de la realidad.

“Un homenaje al director italiano Ettore Scola. Esta obra cinematográfica, impregnada de una esencia teatral única, me ha inspirado a recrearla y adaptarla a una propuesta escénica. Además, guardo esta joya del cine como un recuerdo inspirador en mi álbum de memorias como actriz”, comentó su directora Raquel Martínez, que amplió sobre el proceso que implicó esta creación teatral a través de una entrevista compartida por la producción del equipo de estudiantes.

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“Cada obra nueva surge como un capítulo en una continuidad creativa. Le Bal nace de mis recuerdos e inspiraciones como actriz, especialmente de mi participación en Asunción años 30 del maestro Wal Mayans, donde fui parte del montaje. Desde que ingresé al TIA (Taller Integral de Actuación), he trabajado con equipos grandes de hasta 40 actores en escena, como en Ser o no ser de Hamlet Machine, Anatomía y ahora en Le Bal. Disfruto las puestas complejas, que desafían tanto a los actores como al público. Esta obra no sería posible sin la libertad y el apoyo del TIA, que permite a los jóvenes cerrar el año con experiencias enriquecedoras. Le Bal es un homenaje a Ettore Scola y a su película italo-franco-argelina de 1983, que captura momentos sociales y emocionales de distintas épocas en una sala de baile. En nuestra versión, el bar se convierte en el protagonista, un espacio donde surgen tantas historias como noches, y donde hasta la poesía encuentra su lugar”.

“Para cada montaje, encuentro inspiración en cualquier situación, muchas veces en mi entorno inmediato. Puede ser el detalle de un viaje en autobús que luego se convierte en una escena. A lo largo de los años, he construido un repertorio de referencias, desde Pizarnik, cuyas palabras siempre me dan pistas para mis obras, hasta la pintura de Rembrandt, que fue la base de Anatomía. La música también es fundamental; en ocasiones, escucho un estilo durante meses hasta que resuena con el ambiente que busco para una obra. Tarkovsky, con su lenguaje poético visual, es otro de mis faros creativos, junto con directores como Fellini, Kusturica, Giuseppe Tornatore y Lina Wertmüller. Aspiro a que cada obra tenga un encanto cinematográfico, un detalle que cautive al espectador”.

“El guion es el primer gran reto de cada obra. Le Bal, en particular, me ofrece un mundo lleno de historias, donde hasta el silencio cuenta algo. A medida que se acerca el cierre, nuevas ideas surgen para enriquecer esta narrativa. Coordinamos tres elencos rotativos, casi 40 personas, y aunque en 2022 pude llevar adelante una puesta descomunal en un edificio de tres pisos, ahora cuento con Carol Castillo, actriz y amiga, quien se ha convertido en mi apoyo en estas puestas multitudinarias. No existen primeros actores en mis obras; cada intérprete lleva un diario de su proceso, construyendo su propio “mapa de vida” y transformándose en un ‘actor creador’. Este proceso es casi científico: un registro de experiencias, ejercicios y rastros del actor en formación”.

“El entrenamiento actoral es la base de mi trabajo con los alumnos, y lo he adaptado con el tiempo a una metodología propia. A menudo se piensa que mi entrenamiento es intenso, pero no se trata de ejercicio por ejercicio, sino de integrar energía y presencia para narrar algo desde el interior. La disciplina actoral requiere una justificación en cada acción y esculpir un boceto de personaje que sea fiel al ‘mapa del actor’. Aunque me formé en teatro antropológico, he estilizado mi enfoque hacia un teatro más puro. Prefiero distanciarme de etiquetas como ‘teatro físico’ o ‘danza teatro’ que a veces carecen de rigor. Esta filosofía se la comparto a los jóvenes, para quienes un aprendizaje multidisciplinario es clave. Para mí, el cuerpo es central, una fuente que acompaña al actor en su recorrido semiótico”.

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“Es difícil anticipar qué será Le Bal, así como lo fue con mis otras obras. El público es la última pieza de la obra, y su reacción es lo que define la experiencia. En teatro, a diferencia del cine, hay un vínculo directo con el espectador, un diálogo emocional. Así que solo puedo invitar al público a venir. Tendremos ‘historias a la carta’, permitiendo que los asistentes escojan y hagan sus pedidos, en una experiencia interactiva que invita a cuestionar quién observa a quién. Le Bal es un espacio fuera del tiempo, donde el espectador y el actor se funden, y donde todos pueden explorar sus propios roles”.

“No soy partidaria de las expectativas; prefiero que el público venga sin preconceptos, dejando espacio al asombro. Las expectativas suelen neutralizar la experiencia, algo que he aprendido desde mi época de actriz. No quiero cargar con esa responsabilidad; prefiero que cada persona se permita descubrir la obra sin ideas previas”.

“Es frecuente la pregunta sobre el nivel actoral nacional, pero para mí, la verdadera cuestión es qué tipo de actores proyectamos en nuestro entorno. Veo una nueva generación interesada en el teatro, pero muchas veces sin entender lo que implica. Hay jóvenes que perciben el teatro como un simple pasatiempo o como una pasarela. Sin embargo, nuestra fortaleza está en los grupos alternativos y en actores de la vieja guardia que sostienen nuestra historia contemporánea. La debilidad radica en la falta de memoria histórica; los jóvenes rara vez conocen o valoran a quienes han construido el camino que hoy recorremos. Es fundamental recordar y honrar estas referencias, en lugar de reinventarlas sin contexto”.