Desde ayer jueves 4 de febrero, a las 19:00 horas, quedó habilitado en la sede de la Fundación Texo, ubicada sobre la calle Paraguarí 852 casi Manuel Dominguez, de Asunción, el espacio dedicado al artista nacional Bernardo Krasniansky, considerado un referente del arte contemporáneo de nuestro país.
En el lugar se podrá apreciar varios de los conjuntos de dibujos de Krasniansky, además de sus pinturas, series de fotocopias y objetos del artista, nacido en Asunción en 1951. El arte de este artista es pieza fundamental de la colección Nasta. Más información: http://fundaciontexo.org.
“Como coleccionista, siempre he enfrentado a cualquier obra desde la emoción y no desde la racionalidad de un critico de arte; y siempre me pregunto si Lito tiene una estrategia que inspira su trabajo, o cómo le surgen las impresiones mentales que repentinamente se traducen en una obra artística determinada”, destacó José Daniel Nasta, presidente de la Fundación Nasta.
En el 2016, la Fundación Texo ya había hecho una exposición retrospectiva del artista Krasniansky en las instalaciones del Museo del Barro, donde ganó el premio AICA Capítulo Paraguay a la mejor exposición del año.
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También se encuentra disponible el documental “Historia de Corte y Montaje” en el canal de Youtube de la Fundación Texo (https://youtu.be/GEyswEid-uY), y en el Museo está en venta el libro titulado “El mito del laberinto” sobre los 50 años de arte de Krasniansky.
“Krasniansky es no solo un referente del arte contemporáneo en Paraguay, sino también a nivel regional y especialmente en el Brasil, donde reside desde 1970, dedicándose a la producción artística y al diseño”, mencionó a su tiempo Fredi Casco, director artístico de la Fundación Texo.
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París Fashion Week: el resumen de una semana de clásicos revisitados
- Fotos: AFP
Después de Nueva York, Londres y Milán, 106 marcas participaron de la Semana de la Moda de París o Paris Fashion Week, que ofreció un total de 66 desfiles y unas cuarenta presentaciones de colecciones para la temporada primavera-verano. Son las tendencias marcadas por emblemáticas casas y diseñadores emergentes que revisitan clásicos de la moda prêt-à-porter.
DIOR HOMENAJEA A ATLETAS
La casa Dior rindió homenaje en la capital francesa a las atletas que protagonizaron los Juegos Olímpicos de París con una colección entre modernidad tecnológica y clasicismo de las líneas, en tonos negros, blancos y beige. María Grazia Chiuri, directora de la línea femenina, se inspiró en un vestido Amazona que Christian Dior imaginó en 1951 para su desfile en la Semana de la Moda femenina (colección primavera-verano 2025). Siguiendo la pauta de esas mujeres aguerridas, la colección deja hombros al aire, muestra vestidos asimétricos, ceñidos a la cintura si es necesario. Botas de caña alta, faldas cortas cortadas en tiras de cuero y correajes.
Del bloomer o calzón abultado, una invención victoriana, al triunfo del traje para la “ejecutiva empoderada”, la Semana de la Moda femenina de París ha mostrado, para las colecciones del próximo verano, una tendencia clara hacia las prendas emancipadoras.
ROMANTICISMO EN PARKA
La Semana de la Moda femenina reivindicó cierta imagen romántica, pero sin fragilidad. Blusas flotantes, enaguas que revolotean e impresiones florales sumergen a las amantes de la moda en una atmósfera de boudoir romántico. En Loewe, los vestidos flotantes con estampados florales dejan ver crinolinas, pero se combinan con zapatillas de boxeadora de caña alta.
“Se han visto vestidos de noche y parkas, sexy y muy práctico, como nos gusta vestirnos en este momento”, explica a la AFP Claire Thomson-Jonville, colaboradora global para las revistas Vogue. Vivienne Westwood, una firma en plena transición tras la muerte de su fundadora, propuso un vestuario clásico y sexy, apenas sin chispazos punk, pero al mismo tiempo con detalles de poderío, como ropa superpuesta y escotes pronunciados. La firma australiana Zimmermann también juega con materiales fluidos y una paleta suave y empolvada de finales de verano, contrastada con chaquetas casi militares.
ZAPATOS PLANOS
Una revolución que salta a la vista, ya que cambia la apariencia de las modelos que desfilan esta temporada: el zapato de tacón se desvanece, repentinamente reemplazado por una procesión de zapatos planos. En Dior, la directora artística y feminista Maria Grazia Chiuri prácticamente ha desterrado los tacones. Las modelos desfilan con botas altas de tejido técnico, sandalias gladiadoras bordadas y microsuelas.
En Acne Studios, los trajes de falda drapeada más elegantes se combinan con un zapato plano cada vez más de moda: la imitación de pantuflas. La forma de caminar cambia de inmediato, volviéndose más lenta, pero también más accesible. La uruguaya Gabriela Hearst también combina los largos vestidos evanescentes con botas tipo boxeador.
TRAJEADAS
“En YSL, Loewe, Victoria Beckham, Christophe Lemaire, todo este lado de empoderamiento femenino resalta la cuestión y la necesidad de una energía femenina muy fuerte en estos momentos”, analiza Claire Thomson-Jonville. En Saint Laurent, Anthony Vaccarello explora con una nostalgia conmovedora el propio guardarropa del creador para vestir a las mujeres con un look “Yves”.
Cincuenta y ocho años después de que la casa presentara el primer “smoking para mujer”, el belga imaginó una serie de grandes drapeados de lana, trajes masculinos sobredimensionados, con hombros marcados, que junto con las icónicas gafas cuadradas del fundador crean una impresionante apariencia andrógina.
En Victoria Beckham, los trajes femeninos son más ajustados, como arrancados de los hombros o con aberturas en una pierna, y parecen expresar una cierta rabia y apropiación de este clásico masculino. En Stella McCartney, las siluetas de trajes pantalón se adornan con joyas para el pecho que aportan una sensación de vértigo sensual.
CALZONES VICTORIANOS
Regresivos y provocadores a la vez, los calzones abultados, o más precisamente el “bloomer”, resurgen para el próximo verano. Es una prenda de la época victoriana, destacada por Libby Miller en 1851 para permitir a las mujeres practicar ciclismo. Considerada como “feminista”, se lleva, por ejemplo, con una chaqueta o una camisa masculina para una combinación atrevida y efectiva. Chloé ensalza esta prenda inesperada, pero en versión corta, de encaje, muy sexy.
DESFILE MANIFIESTO DE STELLA MCCARTNEY
La diseñadora ecologista Stella McCartney desplegó su desfile en una avenida parisina; una presentación que fue un manifiesto contra la extinción de los pájaros.”It’s about fucking time” (Llegó la hora de una jodida vez) fue el lema de la creadora británica, cada vez más combativa con su discurso contra las pieles animales, el desperdicio en la industria de la moda y, esta vez, contra el uso de plumas de aves. “Enfoqué [la colección] desde la perspectiva de los pájaros. Se trata de darle ligereza, la feminidad de su vuelo”, explicó.
LOEWE: ETÉREA Y ROMÁNTICA
Loewe propone una colección femenina que levita, con amplios vestidos con estampados florales casi transparentes, como si de un velo se tratasen, que oscilan gracias a aros. Los complementa de manera original con calzados de boxeo ágiles, con el logo de la marca española.
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Senadores rinden homenaje a corredor de Fórmula 2, Joshua Duerksen
La Cámara de Senadores rindió homenaje al joven deportista Joshua Duerksen por sus destacados logros en las carreras de Fórmula 2. El acto se llevó a cabo en la sala de sesiones de la Cámara Alta, donde la mayoría de los senadores presentes expresaron sus felicitaciones, reconociendo también el apoyo incondicional de la familia del deportista paraguayo.
La Cámara Alta celebró este significativo logro nacional, subrayando el impacto positivo que genera en el país y resaltando la importancia de contar con referentes como Joshua.
Los legisladores expresaron palabras de apoyo, destacando que él no solo ha demostrado que la perseverancia, el compromiso y la disciplina permiten alcanzar cualquier meta, sino que también sirve de inspiración para las nuevas generaciones.
Mencionaron también que su dedicación y esfuerzo han creado un ejemplo a seguir, motivando a jóvenes deportistas a perseguir sus sueños con la misma tenacidad. Además, se expresaron deseos de éxito en su camino hacia la Fórmula 1, reconociendo el gran potencial que tiene para dejar una huella en el automovilismo internacional. Se le agradeció por llevar en alto la bandera nacional y representar a Paraguay con orgullo en cada carrera.
En este contexto, se resaltó la relevancia internacional de este deporte, mencionando que la próxima competencia de rally 2025 se llevará a cabo en Paraguay, específicamente en la ciudad de Encarnación, lo que representa una oportunidad única para promover el talento local y atraer la atención hacia Paraguay en el ámbito deportivo global.
Seguidamente, se realizó la entrega de una placa de reconocimiento por parte del Presidente Basilio Núñez y el senador proyectista, Juan Afara, en representación de la Cámara Alta.
Para concluir el homenaje, Joshua Duerksen compartió unas palabras de agradecimiento: “Agradezco el inmenso apoyo de todos. Es un honor ser embajador deportista de nuestra garra guaraní. Mi profundo deseo es inspirar a todos los jóvenes, especialmente a los paraguayos. Que Dios bendiga al Paraguay”, manifestó ante el pleno.
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Diego Schäfer: “Aprendí a respetar todos los colores del ser humano”
- Por Jimmi Peralta
- Fotos Roberto Zarza / Gentileza
Tras abordar diversas técnicas y temáticas dentro de las artes visuales a lo largo de sus cuatro décadas de trayectoria, Diego Schäfer habilitó recientemente la muestra “Piel de grafito”, que fue inaugurada en la sede de la Embajada de Uruguay en Asunción y que permanece abierta en su galería privada Private Space of Art (José de la Cruz Ayala 6192). Se trata de una búsqueda conceptual que aborda a profundidad su expertiz en el dibujo y su sensibilidad expresada en cada uno de los trazos que, conjugados, expresan los rostros de afrodescendientes.
Schäfer, nacido en Uruguay, viene desarrollando su trabajo como arquitecto y como artista desde hace más de cuarenta años en el Paraguay. Su historia personal dentro de su país de origen despertó en él la necesidad de esta mirada reivindicativa de la comunidad afrodescendiente de la región.
En este diálogo con La Nación/Nación Media, Schäfer habla sobre su trabajo actual, su formación y su relación con el ámbito de las artes visuales en nuestro país.
–¿Podrías comentarnos un poco sobre tu historia personal como migrante?
–Nuestra familia llegó en el año 78. Con 11 años me trajeron al Paraguay y me costó un poco adaptarme al idioma, a la manera, pero realmente me encantó la energía que tenía el Paraguay, la energía de su gente, eso me cautivó. Mi madre es paraguaya y mi padre uruguayo. Yo nací en Paysandú, Uruguay, así que tenemos esa línea con Paraguay. Eso es lo que nos une. Mi experiencia acá como migrante es que al haber venido a esa edad siempre quedó el corazón en Uruguay y ese extrañar, porque fue el tiempo de mi infancia. Entonces hasta ahora hay un latir del corazón celeste, pero de igual manera ya eché raíces acá en Paraguay, porque tengo familia, hijas, nieta. Así que me aggiorné desde el lado materno que es paraguayo, que fue la lengua y la crianza que tuve de mi madre.
–¿Tuviste un contexto familiar cercano al arte?
–Con respecto al arte en nuestra familia, tengo un tío barítono, Arnaldo Paoli, que cantó por todo el mundo en 22 idiomas y realmente una eminencia que hay que rescatarlo también. Luego está mi prima hermana que también es artista, Cristina Paoli. Así que estamos todos vinculados al arte.
–¿Cómo llegaste al dibujo?
–Yo desde muy chiquito admiré el dibujo de mi hermano. Él dibujaba muy bien y me animé a hacer lo que él hacía. Empecé a notar que me empezaba a salir muy parecido a lo que él hacía y ahí arrancó esa pasión por el dibujo desde muy chiquito. Estimo yo que habrá sido cuando tenía entre 4 y 5 años. Me formé aquí. Ni bien llegar a Paraguay ya estuve en contacto con mi prima Emma, que por ese entonces era dueña de lo que se llamaba Estudio Superior de Artes Plásticas y Aplicadas. Me vieron a mí que estaba trabajando con algo en el piso del negocio de mi papá y apareció el esposo de mi prima y le dijo “¿por qué no lo llevás a que estudie dibujo en el instituto? Porque él tiene talento”.
FORMACIÓN
–¿Y cómo iniciaste tu formación?
–A los 11 años iba solito en bus a las clases. Durante cuatro años estudié dibujo y pintura. Primero estudié algo de dibujo arquitectónico a los 11 años y a los 15 me recibí de profesor de dibujo y pintura. Posteriormente, a los 23 años me recibo de arquitecto en la Universidad Nacional de Asunción y hasta ahora sigo con el dibujo. En época de estudiante recuerdo que trabajaba, como no existían todavía los trabajos por computadora, realizando los proyectos en acuarela para los grandes arquitectos y era una manera de sostener mi universidad. Llegué a trabajar con Jenaro Pindú durante dos años y con grandes estudios de arquitectura.
–¿Cuándo dibujar pasó de ser un juego para vos a ser una forma de proponer estéticamente algo?
–En algún momento cuando yo estaba en el colegio participé de un concurso de arte en el que presenté tres cuadros que eran dibujados y pintados con colores. Gané el primer premio. Era un concurso nacional de arte en el que se presentó muchísima gente y eso me entusiasmó al ver mi talento con ojos más profundos.
–¿Cómo se dio tu desarrollo en cuanto a las técnicas, temas y formatos a lo largo de tu carrera como artista plástico?
–Arranqué con mi primera muestra individual que se llamó dibujos con color y a partir de ahí empiezo a explorar otras técnicas. La verdad que me gusta eso de explorar las técnicas, manejo la acuarela. Participé por Paraguay en la exposición de Fabriano, en Italia. Trabajo también con carboncillo, hago técnicas mixtas, actualmente estoy pintando también con acrílico. Hice pintura al óleo. Luego investigué sobre formatos ovales. O sea, llegué a hacer una exposición pintando huevos de avestruz y también pasé por el dibujo digital. Así que me apasiona esto de hablar con diferentes lenguajes y transmitir el arte a través de las diferentes técnicas.
–¿Cuál es tu relación con el arte local?
–Yo abrí un espacio privado de arte que se llama Private Space of Art, donde exhibo mis obras. Por otro lado, el año pasado organicé una exposición con los mejores referentes del dibujo aquí en Paraguay, los mayores dibujantes y también referentes de la arquitectura e hice una exposición con ellos en Roma, Florencia y Nápoles.
–¿Por qué el grafito como técnica para esta muestra?
–Porque es la técnica que más se acerca a la representación gráfica de lo que es un afrodescendiente. Por eso se llama piel de grafito la muestra. La verdad que yo no siento esa distancia entre un afrodescendiente y nosotros para nada. Yo viví en Uruguay un vínculo fraterno y aprendí a respetar todos los colores del ser humano. Así que para mí es más bien un homenaje a lo que ellos aportaron a la cultura y me atrevo a decir que la nobleza que caracteriza al pueblo uruguayo es uno de los aportes de la cultura afrodescendiente.
UN HOMENAJE A LA CULTURA AFRODESCENDIENTE
–¿Cómo surge esta muestra a partir del tema o a partir de los primeros dibujos hechos?
–Esta exposición ya vino hace rato, hace dos años, cosquilleándome. Durante la pandemia empecé a dibujar mucho porque ahí sobraba el tiempo para poder hacer cosas. Entonces decidí mejorar mi técnica del dibujo y salieron cosas muy interesantes. De ahí me surge el interés de poder hacer una muestra con el grafito y su relación con el color de la tez de los afrodescendientes y dije “esta puede ser una muestra buenísima donde se le rinda homenaje a través de esta técnica específicamente a nuestros afrodescendientes”, ya sean los uruguayos como también los paraguayos. Durante un año estuvimos preparando esta muestra con la Embajada de Uruguay y hoy culmina con un gran éxito de nueve obras, muy bien trabajadas, hechas al grafito.
–¿Podrías hablarnos sobre la sensibilidad o idea que te inspira esta propuesta de reivindicación de la cultura y la comunidad afrodescendiente?
–Yo creo que la reivindicación ya queda por parte de la misma sociedad. Nosotros los artistas lo que hacemos es tocar esa sensibilidad para los que estén vinculados al tema. Y ya queda en manos de la sociedad poder tomar conciencia de eso, pero sobre todo quiero manifestar mi interés en rendirles homenaje por el aporte que han hecho a nuestras culturas, sobre todo a la cultura del Uruguay, donde hoy en día los carnavales son nuestra visibilidad y donde se manifiesta con mayor fuerza el candombe, que hoy en día también es reconocido a nivel mundial como patrimonio de la humanidad.
Un poco también nace mi sentir, porque cuando era chico en Uruguay asistía a los carnavales y es ahí donde yo tomé ese vínculo profundo con la cultura afro, al escuchar ese ritmo tan emocionante, que realmente cala hondo y solamente el uruguayo puede disfrutar de un ritmo sabroso como es el candombe. Tal es así que aprendí a tocar los tambores uruguayos, que son tres. Mandé a traer tres tambores para tocar el candombe y hoy en día tengo esos tres tambores y cada una tiene una manera específica de tocar.
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Moda, cultura y sostenibilidad, en la cuarta entrevista de “Contar el Arte” de Texo
La Fundación Texo para el Arte Contemporáneo llevó a cabo la cuarta entrevista de su programa “Contar el Arte”, con la participación de Jazmín Ruiz Díaz, investigadora, comunicadora y candidata a doctora en Cultura, Medios e Industrias Creativas en King’s College London, Reino Unido.
Jazmín es cofundadora de la plataforma Moda en Teoría (@modaenteoria en Instagram y TikTok), creada con el fin de divulgar los Estudios Críticos de Moda en español y desde una mirada cultural, feminista e interseccional. Cuenta con más de quince años de experiencia como periodista y editora de medios de Paraguay (Revista VOS, Ella, Vida y Vanidades, entre otras publicaciones). Su tesis doctoral explora la co-creación entre artesanía y diseño desde una mirada decolonial.
La entrevista se desarrolló en el contexto de búsqueda de una identidad cultural más cercana a nuestra realidad latinoamericana. Además de profundizar en la sostenibilidad y feminismo de la moda como una herramienta política y no sólo meramente estética. Se exploró la cultura como un puente entre el diseño y la artesanía, como plataforma que facilite mayores oportunidades en un mercado que demanda constante innovación.
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Sobre Contar el Arte
Se trata de un programa que incluye entrevistas abiertas de puesta en valor de actores culturales. Estas entrevistas, filmadas y abiertas al público, ofrecen una mirada profunda a la vida y obra de figuras clave del panorama cultural paraguayo, quienes comparten su visión, sus inspiraciones y su perspectiva sobre la escena actual.
A través de estos espacios, la Fundación Texo reafirma su compromiso con la promoción y difusión del arte y la arquitectura paraguaya, destacando su relevancia y su aporte innovador hacia una mejor calidad de vida.
Las inscripciones para asistir al evento son gratuitas y estarán disponibles a través de los enlaces en las redes sociales de la Fundación Texo (https://www.instagram.com/fundaciontexo). Este programa es presentado por Sanycer Boutique y sus marcas DECA, CEUSA y PORTINARI, y la Fundación Itaú; con el apoyo de Texo.
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