La guitarra que tocó la fallecida leyenda del rock Kurt Cobain en el himno del grunge “Smells like teen spirit” será subastada en Estados Unidos el próximo mes. La Fender Mustang usada por el cantante de Nirvana, de 1966, forma parte de un tesoro de instrumentos y recuerdos musicales del coleccionista Jim Irsay. También incluye el tambor con el logo estampado que anunció a Estados Unidos la llegada de The Beatles, cuando los Fab Four se presentaron en “The Ed Sullivan Show” el 9 de febrero de 1964 y que vieron 73 millones de personas.

La colección incluye guitarras de músicos que definieron el siglo XX, incluyendo a David Gilmour de Pink Floyd y Jerry García de The Grateful Dead, así como de Eric Clapton, John Coltrane y Johnny Cash. Pero en el centro de este acopio están los manuscritos del éxito de The Beatles ‘Hey Jude’, así como guitarras que tocaron John Lennon, Paul McCartney y George Harrison.

“Es justo decir que esta colección de instrumentos de los Beatles... es la colección más importante de los Beatles reunida por alguien que no fue miembro de la banda”, dijo a la AFP en Beverly Hills Amelia Walker, directora en Londres de Colecciones Privadas e Icónicas de la casa de subastas Christie’s.

“En su colección hay cinco guitarras de los Beatles, así como el primer set de batería Ludwig de Ringo Starr y el piano de John Lennon, en el que compuso varias canciones de Sergeant Pepper”, explicó. Christie’s estima que la batería alcance unos 2 millones de dólares, mientras que las guitarras podrían venderse por alrededor de 1 millón de dólares en la subasta en Nueva York.

Quizá el objeto más caro de la colección sea la guitarra de Cobain, que expertos avalúan en hasta 5 millones de dólares. “Es una guitarra talismánica para mi generación ... que vivió a través del grunge”, dijo Walker. “(Smells like teen spirit) fue el himno de esa generación”.

Fuente: AFP.

El Ministerio de Industria y Comercio (MIC) habilitó una nueva página oficial dedicada al Fondo Nacional de las Micro, Pequeñas y Medianas Empresas (Fonamipymes): www.mipymes.gov.py/fonamipymes.

El objetivo es centralizar y facilitar el acceso a información sobre financiamiento, cooperación técnica y herramientas de fortalecimiento para las micro, pequeñas y medianas empresas del país.

El espacio digital ofrece detalles sobre el funcionamiento del fondo, los tipos de apoyo disponibles y los requisitos para acceder a sus beneficios.

El Fonamipymes apunta a impulsar el crecimiento del sector, promover la formalización y elevar la competitividad del sector, considerados un pilar del tejido productivo nacional.

A través de la plataforma, emprendedores y empresarios pueden conocer cómo esta herramienta contribuye al desarrollo productivo, qué perfiles pueden postular y de qué manera el fondo acompaña los procesos de consolidación y expansión de los negocios.

Desde el MIC señalaron que la página funcionará como un canal de referencia con información oficial y actualizada, permitiendo a las empresas prepararse y tomar decisiones informadas en línea con las políticas públicas de apoyo al sector.

Hoy el mundo de la música está de luto tras el sensible fallecimiento del músico, requintista y cantante, Rigoberto Arévalo que se registró en la jornada de este lunes. Arévalo tenía 83 años y perdió la vida a raíz de complicaciones derivadas de una pancreatitis.

El músico compatriota tuvo una trayectoria muy relevante en el Paraguay, destacándose como un virtuoso requintista.

Nació en Villarrica el 29 de enero de 1942, y desde niño tomó contacto con el arte musical. En la década del 50 fundó el trío Los Bemoles, uno de los más célebres conjuntos de música popular, con el que realizó actuaciones nacionales e internacionales por más de tres décadas.

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Separado del grupo en 1981, en 1984 formó un nuevo conjunto el Trío de Siempre, con el que grabó unos diez discos de larga duración. Participó de giras por países latinoamericanos, Estados Unidos y Europa, y recibió honores y premios de los festivales folklóricos de Ypacaraí y Salta de Argentina.

Colegas del músico señalaron en sus redes sociales que el legado de Rigoberto Arévalo perdurará en el corazón de los paraguayos, inspirando a nuevas generaciones de guitarristas y cantantes folklóricos. El músico conducía un programa en la radio Nacional del Paraguay.

El círculo de artistas, músicos y promotores de la cultura, utilizó las redes sociales para emitir un comunicado a fin de confirmar la triste noticia.

El velatorio será esta noche a partir de las 21:30, en el Jardín de la Paz de Los Laureles (Avda. República Argentina esquina Miguel Torres), y el sepelio será el 16 de diciembre en el Cementerio del Sur, a las 16:00.

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La destacada guitarrista paraguaya presentó esta semana un material que contiene un álbum, un libro, una app y un documental, siguiendo los pasos de la guitarra en Latinoamérica.

• Por Jimmi Peralta
• Fotos Jorge Jara y gentileza

La pregunta por la iden­tidad la ejercitan los individuos, las socie­dades y en particular sus artistas y, si bien la res­puesta que ella requiere está sujeta al tiempo pre­sente, ya que la validez de ese decir no subsiste más allá del instante por culpa de la permanente transfor­mación del ser, la historia es la herramienta en la que los exégetas de las culturas y del inconsciente se apoyan para esbozar el decir que narra el qué somos, cómo somos, y con quiénes tenemos sus­tratos comunes, a partir de decir quiénes fuimos.

Una vez más la guitarrista paraguaya Berta Rojas for­mula una respuesta a la pre­gunta de la identidad, esta vez fusionando lo que fue la música latinoamericana y lo que es. A través de la evolu­ción histórica y el transitar geográfico del instrumento que abrazó hace varias déca­das, muestra su respuesta y su interpretación sonora y musical a aquella pregunta, que en esta ocasión más que nunca es puesta en la pri­mera persona plural.

“La huella de las cuerdas” es el nuevo trabajo de Berta, un recorrido por el territorio físico y musical de América Latina que se narra en 10 pis­tas más un bonus track, donde la historia, la tradición y la creación contemporánea son expresados mediante la parti­cipación de 17 artistas invita­dos. Esta nueva producción de Rojas, que sucede a “Legado” (2022), conquista nuevos for­matos, e incluye un documen­tal, un libro y una aplicación.

“La huella de las cuer­das” expone en diálogo con la guitarra a su familia sonora que tiene raíces en el continente, como la gui­tarra barroca, la vihuela, la huapanguera, la jarana huasteca, el cuatro, la ban­dola andina, el charango peruano, el bandolín, el guitarrón chileno, el ron­roco, el cuatro venezolano y el triple colombiano. Berta Rojas conversó con La Nación sobre este nuevo proyecto que documenta la historia y la música del con­tinente con músicos u obras de todo su suelo.

–Es natural expresarse desde la conjunción de las cosas que nos apasionan. En mi caso lo son la historia, la musicología, y, por supuesto, la tecnología que, usada para el bien, cuán­tas cosas hermosas puede pro­ducir. Transité muchos cami­nos. En un tiempo dirigía el Festival Iberoamericano de Guitarra en Washington DC con el Smithsonian. En el afán de representar la mayor cantidad posible de países y sus músicas me encontré a menudo con instrumentos que eran primos y hermanos de la guitarra. Representando la música de Brasil presenta­mos a Hamilton de Holanda con el mandolín, para hacerlo con Perú, estuvo Federico Tarazona con el charango, y la curiosidad por saber más de estos instrumentos me acompaña desde entonces. Antes, había conocido perso­nalmente a don Jaime Torres. Esos caminos ya no se cerra­ron para mí: hoy los puedo volver a transitar a través de “La huella de las cuerdas”. La tecnología también siempre estuvo. Hicimos el Barrios WWW Competition, el pri­mer concurso de guitarra online desde Paraguay.

–Hagamos este ejercicio: pen­semos en una lira, 3 mil años antes de Cristo. Imaginemos un laúd mesopotámico de mango largo, otro de mango corto… Imaginemos un laúd cóptico egipcio, una pipa en China, una veena en India, un ud que entra a la península ibérica con la invasión árabe, y es la antecesora del laúd, que fue el instrumento de moda en toda Europa desde el Renacimiento. Pensemos en la vihuela que es la respuesta ibérica a ese mismo laúd, e imaginemos que esa vihuela, que daría lugar a la guitarra barroca y finalmente a la gui­tarra, es la que cruza el Atlán­tico. Queda inventariada en 1523, registro encontrado por la musicóloga Jania Sarno. Después de múltiples trans­formaciones, esa cuerda pulsada cobra su propia vida en nuestra América, generando a su vez múl­tiples instrumentos que guardan las voces vírge­nes de este continente… al decir del mismo Mangoré. Te das cuenta de que el relato es, quizás, el mismo de la huma­nidad, en constante transfor­mación, en constante viaje, migrando eternamente. La guitarra transita un camino que es el de la vida misma. Ese es el guion de este relato. “Somos de todos lados un poco, y de ninguno del todo”, como bien expre­sara Drexler.

–Me tomé un año para reformularme después de “Legado”. El impacto había sido grande, y nece­sitaba disfrutarlo, sabo­rearlo y, sobre todo, descansar. Cuando estuve lista para abrazar un nuevo proyecto, le llamé a Popi Spatocco y Sebastián Henríquez por­que sabía que con ellos que­ría trabajar. Si hacés equipo con gente de buena madera, solo podés crecer con ellos. Por suerte dijeron que sí. La siguiente llamada fue a Clau Bobadilla (Itaú), que siem­pre me dice “vos soñá nomás, Berta querida, aquí estamos siempre para apoyarte”. No fue diferente esta vez. Suma­mos a Celeste Prieto, la gran maestra del diseño paraguayo, y ahí ya teníamos la matriz de este proyecto. Se sumaría Noe Armele, con su genialidad para darnos el apoyo visual. Entonces, la idea, los tiem­pos, el equipo, y la certeza de que estábamos haciendo un proyecto que nos invitaba a crecer fueron la fórmula para que este trabajo fluyera de esta forma. Casi como en efecto dominó, cada pieza fue cayendo en su lugar, casi como si tuviera que ser…

–Como los colores cen­troamericanos: la salsa; y como la grisura riopla­tense: la milonga o el tango. Así mismo.

–Son todas esas búsquedas en realidad. Una se descubre en la interacción con otro que acepta el desafío de recibirte. Lo producido en ese encuen­tro habla de lo que somos, de lo que traemos con nosotros y lo nuevo que creamos en ese diálogo. Llegamos a algo que es nuevo para ambas partes. Y lo grabamos para que llegue a un tercero que escucha, lo recibe y lo hace suyo. Y es, finalmente, nues­tra América que canta en las voces que nuestros instru­mentos nos prestan.

–Este trabajo solo fue posi­ble porque sumamos mira­das de gente que ama la música tanto como para haberle puesto dos años de innumerables encuentros virtuales, horas de escucha y análisis de variables posi­bles. Este trabajo representa las pasiones que me moti­van: la historia, la musico­logía, las cuerdas pulsadas y sus cultores, y las amista­des que la música posibilita. Este viaje para hacer música en el mismo espacio com­partido, desafiando distan­cias y aceptando que estar en presencia de otro, jamás puede ser reemplazado por la mejor tecnología. Espero que refleje este momento de mi vida, sé íntimamente que así es. Con mis fragilidades y certezas, todo está en “La huella de las cuerdas”.

–En Chile me encontré con el guitarrón chileno. Una verdadera catedral de madera sonora con 25 cuerdas. En su tapa luce dos puñales que retratan el duelo poético de los payadores que acom­paña el instrumento, y un espejo para que el maligno se mire, se asuste de su propia imagen y se vaya por donde vino. ¿Decime si hay otro instrumento que encierre tantos relatos en su forma? No hay escuela clásica que te hable de él. Y es, sin embargo, la guitarra clásica, respetuosa de estas tradiciones, la que va a su encuentro, le pide permiso para acercarse. Y a partir de este deseo de hacer algo que nunca hizo, surge “Tierra mía”. El aprendizaje es, enton­ces, ese atreverse. Porque desde el respeto y el cariño, solo algo hermoso puede surgir.

–Destaco el trío andino colombiano, con el tiple, la bandola lla­nera, y la guitarra que representan los Hermanos Saboya. Un trío colombiano que suena como si fueran un solo instrumento. Con ellos, tocar es casi como sonar a dúo. Completamente seducida por la perfección que sale de sus manos, y el amor y respeto con el que trabajan. Un capítulo aparte es Jorge Glem, quien canta, armoniza, y percute en ese instrumento pequeño que es el cuatro venezo­lano que en sus manos venezolanas pareciera tener el tamaño de una orquesta. Y paro aquí porque cada intérprete del disco es un universo en sí mismo…