El comunicador cultural y artista visual Toni Roberto es esta vez el protagonista de “Ellos saben”. Gran conocedor del arte, la arquitectura y las historias urbanas, en esta ocasión nos invita a rescatar del olvido a ocho artistas plásticos del siglo XX que a su parecer son figuras clave del arte paraguayo, pero que con el pasar del tiempo han ido perdiendo visibilidad o no han sido valorizados en su justa dimensión.

“Este es un tema poco tratado. No siempre lo más popular debe ser lo preferido. Son mis artistas favoritos del siglo XX, no tan conocidos y que debe­rían estar en las colecciones de muchos paraguayos que creen que el arte se limita a cinco o seis nombres, que tenerlos en la pared es un símbolo de estatus”, consi­dera Toni Roberto.

Refiere que con la llegada de los vientos modernos del arte a mediados del siglo anterior se empezó a construir un nuevo len­guaje en el arte paraguayo. “Con ello nacieron artistas que por las circunstancias de la vida a pesar de compo­ner una obra contundente no llegaron a cotizaciones importantes de sus obras, por ello muchos debieron dejar por el camino y dedi­carse a distintos rubros, a la publicidad gráfica o a la enseñanza de arte en las escuelas y colegios”, señala.

Recuerda que después llegó la generación de oro del dibujo paraguayo de los años 70, grandes nombres, muy ligados a la intelectua­lidad de aquella productiva década del arte. “Así apa­recieron artistas que hoy, muchos de ellos están casi olvidados y otros no, como Joel Filártiga, Gabriel Bri­zuela, Julio González, Mabel Valdovinos, Nicode­mus Espinosa, Nelson Mar­tinessi, Luis A. Boh y hasta un poco conocido Ricardo Migliorisi, dibujante del que muchos andan detrás de alguna colorida pintura comercial de su última época, no teniendo idea que también existió el otro Migliorisi”, apunta.

Cuenta que debido al boom de Itaipú, donde una nueva clase accedió a la posibi­lidad de coleccionar arte que, con la premisa de que se debía priorizar la dura­bilidad antes que la calidad estética de la obra, fueron desplazados por la menta­lidad de que el arte era solo poseer un óleo sobre tela. “Así, muchos de los expo­nentes de esa década ter­minaron haciendo lo que aquella nueva burguesía demandaba: una obra dema­siado comercial, logrando notoriedad en ciertas divi­siones de las artes visuales, pero fueron poco conocidos en otras disciplinas como el dibujo, que en muchos casos lograron importantes resul­tados estéticos”, entiende el artista visual.

“Hace poco me decía un artista croquisero, ‘primero voy a hacer un dibujo y des­pués la obra’, sin tener idea de que el dibujo puede ser autónomo a la pintura, es un problema de educación, es muy complejo, es muy difícil porque se trata de “deconstruir” un esquema instalado en la educación artística, que hoy sufre los mismos avatares de educa­ción en general y que además no ayuda al análisis genuino hasta el de un pensamiento social crítico”, lamenta el comunicador.

Pero, volviendo a aquellos años 50, 60 y 70, “debo confesar mi preferencia total por algunos artistas que, perteneciendo a un mundo popular, llegaron a expresar a nivel visual los más altos estándares de virtuosismo en sus obras, alejados de los caprichos del mercado, sumados al complicado análisis artís­tico dominante. La selec­ción de los ocho artistas no reconocidos por el mercado me fue muy difícil. Ahora yo creo que son estos una sencilla preferencia perso­nal que no desmerita otras elecciones”, aclara.

“Debo confesar mi preferencia total por algunos artistas que, perteneciendo a un mundo popular, llegaron a expresar a nivel visual los más altos estándares de virtuosismo en sus obras, alejados de los caprichos del mercado”.

“Por las circunstancias de la vida a pesar de componer una obra contundente no llegaron a cotizaciones importantes de sus obras, por ello muchos debieron dejar por el camino y dedicarse a distintos rubros”.

¿En qué estilo podemos ubicar a Jenaro Morales? ¿Naif? Sí. Morales, capiateño de alma y nacimiento, realiza una obra que refleja su mundo suburbano, habitando en una compañía de Capiatá donde hasta hoy, en su pequeña granja, su mundo rural es retratado con mucha autenticidad: sus gallinas, vacas, la capilla familiar donde hasta hoy enseña catecismo.

Junto a Ysanne Gayet figura en la selec­ción Presencia del Arte Naif en América Central y Latina. “Prè­seence de L’ Art Naïf en Améri­que centrale et latine”, siendo un orgullo para los paraguayos. Sin embargo, hasta hoy, su obra no es conocida por la media de los ciuda­danos, como se merece.

Una gran exponente del arte guaireño, Fabiola Cabrera de Adam vive en Asunción desde hace muchas décadas. “Una de mis artistas pre­feridas poco visualizadas en el mundo del comercio del arte”, resalta Toni. Cautiva y fascina con su mirada de los mitos y leyen­das del Paraguay, temas tratados con mucha altura, llevando aquellas historias al campo de las artes visuales con gran maestría. Estudió desde 1965 con el brasileño Lívio Abramo, luego con Olga Blinder y Edith Jiménez.

Jacinto Rivero, grabador de alta talla que a través de las décadas consolidó una obra sencilla, austera pero contun­dente con la simple gubia y la madera, haciendo un impor­tante aporte de valor plástico. De él ya me referí en un artículo publicado en este mismo diario hace unos meses denominado “Jacinto Rivero, el artista de Cateura”. El artista jamás apartado de su realidad urbana y suburbana al mismo tiempo fue formulando a través de décadas su fideli­dad referencial, que lo convierte junto a otros elegidos míos en pioneros del arte social paraguayo.

Con la misma emoción y en el mismo camino, Margarita Sán­chez Minella, una niña del Bañado Sur de Asunción a la que el maestro Lívio Abramo conoció en la calle Palma, en situa­ción casi de calle, un día de los años 60 realizó un concurso de arte de niños lustrabotas del centro. En ese lugar se pre­sentó una niña que quería participar con los varones, era la que luego se convertiría en figura fundamental del arte moderno paraguayo.

Con el tiempo logró hacer una impor­tante obra gráfica muy emparentada con su realidad social en la que se desenvolvió dignamente toda su vida, fiel a su reali­dad. Margarita podía vender sus cajas de caramelos al mismo tiempo que sus obras de arte, una dignidad incomparable.

Si uno googlea, el nombre de Genara Medina Insfrán no encontraría en ningún caso. Genara era una mujer muy particular, se paseaba por las calles de Asunción con un aire de misterio siempre con ropa oscura y anteojos grandes. Decía que vivía en Trinidad en una casa que era de los López, vivía casi en situación de calle. A principios de los 80 ya era una mujer de avanzada edad y siempre fue protegida del maestro Livio Abramo. Apren­dió a grabar y realizó una rica obra gráfica, a tal punto que fue seleccionada por el maestro Abramo para participar de la legendaria carpeta Tagra realizada a mediados de los años 70.

Su delicado grabado estaba adornado con frutas exóticas con un detallado entorno reali­zado con gran preciosura, a pesar de lo complicado que era manejar esa manera de hacer arte trabajando sobre la madera. Dentro de todos los artistas de esta selección el caso de Genara Medina Insfrán es el más enigmático y poco conocido, pues por su situación de vida su obra se fue perdiendo, tal vez yendo de un lugar a otro, tan misteriosa que un día ya no volvió. Es un caso casi de rescate antropológico, que debe ser estudiado más ade­lante en el arte paraguayo.

Nacida en Sáenz Peña, Chaco argentino, pero residente desde muy joven en Asunción, donde formó un hogar paraguayo, par­ticipó de los más importantes talleres de arte de los años 70. Siempre en la punta de la investigación sobre la línea, sor­prendió con su arte óptico generativo, denominado mun­dialmente Op Art.

“Desde muy chico conocí el trabajo de Mabel Valdovinos que miraba maravillado en el viejo Correo Semanal”, cuenta Toni. “Su obra influyó enormemente en mí y en otros coetá­neos, asegurándonos la posibilidad de poder retomar el dibujo que fuera marginado en los años 80″, dice.

Mabel reside desde hace dos décadas en su ciudad natal, pero muy ligada a Asunción por sus hijos y nietos, estando siempre fuerte con sus más de 80 años.

Por el camino aparecen grandes dibujantes, entre ellos Ricardo Yustman, dueño de una obra de pro­fundo contenido de la reflexión sobre la humani­dad, que impre­siona y se puede comprobar en un dra­mático dibujo que se encuentra en un libro ya agotado, que fuera editado por el Ministerio de Relaciones Exteriores del Brasil en el año 2000.

Yustman por las circunstancias de la vida se refugió en el mundo de la publicidad, siendo uno de los directores de la agencia publicitaria que fundara con su amigo Dani Nasta en el año 1968.

Representa una mirada fresca de lo auténticamente paraguayo. Mujer sencilla de vida urbana aus­tera. Empezó en los talleres de Lívio Abramo en 1968, representó su entorno de plantas y flores del Para­guay con gran maestría, dominando la rigidez que representa enfren­tarse con la dura madera a la hora de grabar, transformando sus piezas en sonoros poemas visuales que llegan a su más alto grado con la aparición en la escena de su obra de aves, que me transporta a “Canto de mi selva” de Herminio Giménez. Formó parte de la selección Tagra realizada por el maestro Lívio Abramo a mediados de los 70, pero poco y nada se sabe de ella que hoy contaría con 74 años.

Este domingo, Toni Roberto habla de un importante presente que recibió y que reaviva la memoria de fructíferas y amenas charlas de décadas pasadas.

• Por Toni Roberto
• tonirobertogodoy@gmail.com

Corrían los prime­ros años de los 80. Una taza de café en su blanca casa de la calle Acá Carayá. Una charla. De repente me dice: “¿Sabés sobre la mesa de quién esta­mos tomando café?”. Le res­pondo con un “no”.

Después de un rato, un silen­cio, y luego: “Esta era la mesa de Bernardino Caballero” y me cuenta la historia de cómo llegó a la casa. Chino, su marido, era el nieto. En las paredes unos tajy de Pablo Alborno, blanco, amarillo y rosado. Sobre la chimenea una mujer de mirada pene­trante que me hacía recor­dar a una pintura, “Mujeres de mi tierra”, de Andrés Gue­vara; un enorme óleo de los años 50, de la época cubista de Olga Blinder, entronado en ese importante espacio del salón.

La charla sigue. Me cuenta sus historias de París, donde nació cuando su padre, el general Ayala, se estaba pre­parando para lo que se venía: la dura guerra del Chaco. Me hablaba de su vida recién lle­gada en el barrio General Díaz de la zona de Loma Tarumá, sobre la calle Caballero; sus idas a la Chacarita, sus diálo­gos con mujeres desposeídas del barrio Ricardo Brugada, de donde se inspirara para escribir su novela en jopara “Ramona quebranto”.

Con el tiempo, ella se mudó a otra casa del barrio Reco­leta en una esquina con pare­des de ladrillos vistos, donde aparecieron de nuevo todos esos retratos, la mesa del gene­ral, las pinturas de Alborno y otras de Da Ponte, y el eterno cuadro de la mujer cubista pintado por Blinder, todo esto acompañado de las historias familiares, su amistad con Jaime Bestard, y con las escri­toras paraguayas como Mar­garita Prieto, Renée Ferrer, Lita Pérez Cáceres y sus eter­nas fructíferas discusiones con Beatriz Rodríguez Alcalá de González Oddone y, por supuesto, nuestras charlas.

UN LLAMADO

Todos estos recuerdos me llegaron cuando me llamó su nuera, Paz Benza, para decirme: “Toni, quiero tomar un café contigo, tengo algo que entregarte”. Luego de unos días nos encontramos, ella con una bolsa y me dice ‘esto era de Margot y creo que tiene que quedar en tus manos’; eran dos libros, uno del pai­saje paraguayo con textos de Josefina Plá editado en 1986 por la Fundación La Cande­laria, dirigida por Margarita Casaccia Taboada de Hen­nessy, en aquel entonces con la comisión directiva integrada por Alejandro Bibolini Pecci, Monseñor Agustín Blujaki, Andrés Rivarola Queirolo, Blanca Zuccolillo, entre otros.

Además, un gran libro de Ignacio Núñez Soler con tex­tos de Ticio Escobar de dos­cientas cincuenta y cinco páginas, editado por el Banco Alemán en 1999, que serán de gran utilidad para consul­tas de estos “Cuadernos de barrio”.

A veces, la vida da vueltas, así como lo hiciera en mi pri­mera juventud con Margot en la mesa del general Caba­llero hace muchos años sobre la calle Acá Carayá. Hoy en 2024, cuarenta años después, de nuevo, café de por medio, la entrega de Paz recibiendo estos dos ejemplares que se convierten para mí en una “herencia de barrio”.

Este domingo, Toni Roberto evoca la figura del artista brasileño Lívio Abramo, maestro de varias generaciones de artistas paraguayos y padre del grabado moderno latinoamericano.

• Por Toni Roberto
• tonirobertogodoy@gmail.com

Desde la emoción escribo estas líneas que leyera el miérco­les pasado en el teatro Tom Jobim en el cierre de la mues­tra “Las huellas de Lívio”, que se presentó por varios meses en el Centro Cultural de la Embajada de Brasil en Asunción.

Son las 21:00 en punto. Como todos los días desde hace más de cinco años, me siento en la mesa de tra­bajo. Quiroga, detrás de la “cabina de cristal”, como diría mi amigo Bruno Masi. Se encienden las luces y empieza el programa. Frente a mí, el profesor Tommy Verón, un joven de 24 años prodigio de la percusión. Del otro lado, el invitado Seba Ramírez, músico y docente de la Universidad Nacional de Asunción.

La larga charla dura dos horas. En medio de ella me dice una frase que me trans­portó absolutamente al pasado, a los años 80: “Siem­pre le digo a mis alumnos ‘yo no solo enseño música, antes que nada enseño a pensar música’”. Estas palabras me llevaron absolutamente al concepto del maestro Lívio Abramo, quien decía: “Antes que nada me interesa gente que piense, que el arte sirva para pensar, para hacer bue­nas personas; después vere­mos si salen artistas o no”.

Es curioso, paradójico, en aquellos años que él llega al Paraguay a finales de los años 50, cuando en Asun­ción se construía el moderno Hotel Guaraní y se seguía enseñando, increíblemente, en educación artística “el punto de fuga perfecto para el rancho perfecto”.

El tiempo pasó, Lívio aquel periodista, “jornalista”, para los brasileños, emparentado con las luchas por las reivin­dicaciones sociales desde los años 30 en el Brasil, como su hermana fundadora del Partido de los Trabajadores, sigue vivo en los recuerdos y emociona ver a la gente joven que pregunta y se inte­resa en la vida y obra de este hombre, padre del grabado moderno latinoamericano.

Ojalá muchos pudieran tener una vida de artista. Ningún día es igual al otro, decía en la charla que tuve con el músico Seba Ramírez, que esta semana partió a perfeccionarse al mismo instituto al que asistió el inolvidable Lobito Martí­nez en Boston.

Recuerdo los días de Lívio en Asunción desde que me tocó convivir con él desde los catorce años en sus talle­res. La magia de cada día, un comentario sobre un poema dadaísta, una charla sobre la Venus de Milo, sobre alguna etnia del Paraguay, mien­tras la gubia hacía lo suyo en su incisión a la madera, otros como yo con un sim­ple lápiz, manchas y tinta, dándole forma a alguna vieja hoja olvidada en algunos de los rincones de aquel taller de la calle Santa Fe, luego Coro­nel Irrazábal esquina Presi­dente Eligio Ayala.

Una campera de jean, un des­teñido vaquero, una trans­parente mirada y el camino seguía en la vieja combi azul, los pasajeros, la distinguida familia que él armó en el Para­guay aparte de la suya; el inol­vidable Manito, el artista de Cateura; Edith, Fabiola, Ale­jandra, Alba Rosa, Fátima, Carlo, Lela, Greta, Margarita Sánchez y quien escribe, pre­parados para algún viaje en esa camioneta azul, acostum­brada a recibir ese mundo de gente que el maestro invitaba para recorrer alguna mues­tra, Asunción o simplemente ir a su lugar preferido de siem­pre sobre la calle Palma, el Di Trevi.

Esa vida de “familia del arte” de este maestro brasileño-pa­raguayo se rubrica en esta inédita foto del casamiento de Greta Gustafson con Juan Manuel Marcos en mayo 1975. Ahí está parte de su familia paraguaya, además de su esposa Dora Guimaraes.

La contemporaneidad y actual vigencia de este maes­tro llegaron para mí en las palabras de ese eximio joven músico sentado a la mesa de mi programa radial/televi­sivo. Termino con esas letras que inspiraran estas líneas: “Yo no enseño música, antes que nada enseño a pensar música”. Gracias, Lívio, por darme las herramientas para volver “a pensar a pensar” en el camino que la vida decidió darme.

Este domingo, Toni Roberto evoca la labor del arquitecto ítalo-argentino Ferrucio Corbellani, dueño de un estilo neoclásico refinado y que se instaló en Asunción a fines de la primera mitad del siglo pasado para dirigir la construcción de sus obras.

• Por Toni Roberto
• tonirobertogodoy@gmail.com

Una caminata por los jardi­nes de la antigua residencia de España y Cayo Romero Pereira, que tiene un añoso tarumá y otros frondosos árboles, mirando la monu­mental fachada que nos habla de otras épocas, me lleva a una historia que empieza en 1900, cuando las hermanas Adela y Celsa Speratti le com­pran al empresario Rodney Croskey una importante pro­piedad, que luego fue denomi­nada Villa Celsa hasta 1941, cuando es vendida al ciuda­dano uruguayo Francisco Balbi. Luego, en 1944, bajo escritura pública, adquiere la magnífica propiedad el ingeniero paraguayo Gus­tavo Storm.

Corría el año 1949, el último de la primera mitad del siglo XX. La ciudad crecía hacia el este y se proyectaban grandes residencias. El año siguiente, luego de largas tratativas, el antiguo empresario asun­ceno Rogelio Espinoza com­pra la enorme propiedad de 38 metros de frente por más de 100 metros de fondo sobre la avenida España, encomen­dando al prestigioso estudio de arquitectura de Ferrucio Corbellani la construcción de una gran mansión en ese pre­dio, en la época que funda la Compañía General de Cons­trucciones, junto al ingeniero Fernando Saguier, que tenían como socios al Dr. Mario Gior­dano, Juan De María y a Gino D’Odorico.

Corbellani, quien había dise­ñado el legendario edificio Victoria, que albergaba al cine del mismo nombre, inau­gurado en 1950, así como el antiguo céntrico edificio del Banco Central del Paraguay, proyectado a principios de los años 40, que para llevarlo a cabo había venido a residir en Asunción, habiendo realizado en la capital porteña grandes obras de un refinado estilo en la primera mitad del siglo XX.

Nacido en Italia en 1889, egresó con el título de arqui­tecto de la Academia de Bellas Artes de Bologna, casándose con Augusta Grassi, con quien tuvo una hija, Mila, dibujante y retratista, con quienes resi­dió en Asunción hasta media­dos de los años 60. Llegó a Buenos Aires en 1913, donde realizó importantes edificios y residencias para la elite por­teña.

La prensa argentina especia­lizada de la época valoraba la facilidad de adaptación de Corbellani a los requeri­mientos de sus clientes, pero siempre dándoles a todas sus obras su sello personal. Eso se puede notar en todos los pro­yectos que realizó en Asun­ción: la residencia Storm en la calle Cerro Corá casi EE. UU., en la de los Ferrari en Mcal. Estigarribia esquina Constitución, en parte del diseño de la casa Palazón Faraone sobre Mcal. López y, por supuesto, la mansión de España y Cayo Romero Pereira, denominada Espi­noza hasta finales de los 70, luego Rojas Aguilera. Esta fue adquirida a principios de los 80 por el empresario Demetrio Rojas y su señora Cynthia Aguilera, que des­pués de más de 40 años de residir en ella la convirtieron en casa Corbellani, en honor a este importante arquitecto ítalo-argentino que residió en Asunción desde 1943.

La mansión Corbellani, ubicada topográficamente en una privilegiada altura, posee un gran recibidor, varios salones con sus res­pectivas chimeneas, un segundo nivel con una zona de dormitorios de amplios balcones y terrazas, con vista al importante patio, un ter­cer nivel con más habitaciones y generosos corredo­res tanto en el amplio frente como en el poético patio pos­terior, incorporando así ele­mentos de la arquitectura paraguaya, que hoy se con­vierten en testimonio de la vida de una familia pudiente de aquellas décadas, desde la primera mitad del siglo XX.

Cada salón posee termina­ciones con el más refinado maderamen y un gran jardín diseñado por el propio arqui­tecto para el señor Espinoza y su señora, la dama inglesa Cynthia Lee.

La gran casa y sus jardines fueron cuidados con espe­cial cariño por sus posterio­res habitantes, que la adqui­rieron a principios de los años 80 del siglo pasado, ponién­dola en valor por los destaca­dos arquitectos Tona y Pablo Ruggero, y restaurando hasta el último detalle con el mismo esmero que le puso la señora de Espinoza, que increíblemente llevaba el mismo nombre de su segunda habitante, la señora de Rojas. Hoy el trabajo de adaptación para la nueva fun­ción de la residencia lo lleva a cabo la arquitecta María Paz Feliciangeli y su equipo.

Así como la casa Louteiro de la Avda. Mcal. López, hoy con­vertida en espacio cultural denominado Casa de la Inte­gración del Banco de Desa­rrollo de América Latina y el Caribe, o la mansión Netto de la calle Tte. Fariña, puesta en valor para la Sindicatura General de Quiebras, hoy la antigua casa de los Espinoza, después Rojas Aguilera, se convierte en la mansión Cor­bellani en homenaje a aquel arquitecto ítalo-argentino dueño de un estilo neoclá­sico refinado, como las gran­des mansiones, edificios y jar­dines que construyera en la primera mitad del siglo XX en la entonces opulenta capital porteña, que recuerda aque­llos proyectos de las villas ita­lianas, de donde llegó a Bue­nos Aires a principios del siglo pasado.