Coco Chanel, más allá del tweed, el vestido negro y sus amantes
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Coco Chanel rima con tweed, vestido negro y con una intensa y polémica vida privada. Pero detrás de estas archiconocidas etiquetas, se esconde una panoplia de creaciones visionarias que cambiaron la manera de vestir de la mujer, según una inédita retrospectiva en París.
“Hemos redescubierto a Coco Chanel. Fue una sorpresa darnos cuenta hasta qué punto no la conocíamos”, admite a la AFP la española Miren Arzalluz, directora del Palacio Galliera, museo que albergará a partir del jueves la muestra “Gabrielle Chanel, manifiesto de moda”.
Aunque existen más de 100 biografías de la diseñadora más influyente del siglo XX, estas disertan en general sobre los hombres con los que compartió su vida, las sospechas de una colaboración con los nazis o su triste infancia, en la que fue abandonada por su padre. Mostrar solo su trabajo en la primera retrospectiva en París fue “una decisión radical”, afirma Arzalluz.
En total, el museo expone unas 170 prendas y 140 complementos creados por Gabrielle Chanel (1883-1971), muchos en su “bastión” de la calle Cambon de París, con su legendaria escalera decorada de espejos. Pero la mayoría de diseños podrían también lucir en el escaparate de una tienda de alta costura de hoy en día, lo que ilustra cómo los principios que trasladó a la moda - libertad, elegancia, naturalidad -, siguen guiando a las mujeres a la hora de vestirse.
Crear para uno mismo
Desde la camiseta marinera creada en los años 1910 hasta los trajes de tweed que siguen imperando en los desfiles de la firma, las creaciones de la diseñadora francesa son una oda a la simplicidad, a la prenda que se desprende de lo superfluo y se adapta al cuerpo sin encorsetarlo.
“La libertad de movimientos, la comodidad, todas estas nociones no formaban parte de la alta costura antes de Chanel”, explica Arzalluz. Quizás una de las claves para entender esta revolución reside en que Gabrielle Chanel era su propia clienta: llevaba sus creaciones y por tanto intuía lo que le podía convenir.
“Los hombres diseñadores tienen en general una imagen idealizada” del cuerpo de la mujer, ella en cambio “sentía” la prenda en su propia piel, afirma Véronique Belloir, comisaria de la muestra junto a Arzalluz.
Con Chanel, la mujer puede llevar un lujoso vestido de noche sin renunciar a la fluidez, la ligereza, las formas simples. Lo único que necesita es “confianza, carácter”, según la propia diseñadora, que trabajaba con modelos de hasta la talla 42.
Coco Chanel, seudónimo de Gabrielle Chanel, fue una diseñadora de alta costura francesa; falleció el 10 de enero de 1971. Foto: Archivo.
“No necesitaba a los hombres”
Ajena a los dictados de la moda, la diseñadora solo atendía a su propio espíritu. “Hay esta idea de que todo lo descubrió gracias a los hombres que conoció. Por ejemplo se habla del gran duque Dimitri (Pavlovich Románov). Gracias a él, habría diseñado los abrigos de inspiración rusa, pero lo hizo antes de conocerlo. La verdad es que no necesitaba a los hombres para crear”, reivindica Arzalluz.
Las diferentes salas de la muestra revelan cómo el negro y el color marfil predominaron durante su carrera. Con el primero, asentó su visión minimalista de la moda, ensalzando la pureza de las líneas y el tejido.
“Lo que hace el vestido es el tejido, no los adornos”, afirmaba Chanel, pionera en el empleo de algunos materiales como el lurex, una ligera fibra metálica que no se arruga.
Se inspiró igualmente en el vestuario masculino, importando el dandismo como un nuevo código de la modernidad femenina, y se atrevió con abrigos de plumas para suplantar las pieles, así como con la combinación de la alta joyería con la bisutería.
“5 gotas del Nº 5”
Pieza indispensable del imperio que erigió, el perfume Chanel Nº 5 merece una sala aparte. Su lanzamiento en 1921 supuso una ruptura. “Era radicalmente diferente a las fragancias de entonces, no tenía un olor preciso, era misterioso y abstracto, como las prendas”, explica la muestra. También el frasco es innovador: geométrico, simple, con una etiqueta en blanco y negro, contrasta con las botellas recargadas de la época, de inspiración oriental.
Para convertirse en el perfume más vendido del mundo, también contó con una eficiente publicidad gratuita. En una entrevista en 1955, Marilyn Monroe hizo una de sus confesiones más famosas cuando le preguntaron qué se ponía para dormir: “Cinco gotas del Nº 5. Nada más”.
Las autoridades de Varenna resolvieron aplicar multas de hasta 200 euros a quienes recorran las calles del pueblo sin remera o utilizando traje de baño fuera de los espacios destinados para ello. Foto: TikTok
En el país de los galanes, ahora caminar sin remera puede costar 200 euros
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El negocio turístico sigue batiendo récords en Europa, pero también obliga a tomar decisiones cada vez más llamativas. En un país históricamente asociado al estilo, la moda y a los hombres considerados durante décadas entre los grandes íconos de belleza masculina, un pintoresco pueblo italiano ahora sancionará a quienes circulen con el torso desnudo o en traje de baño fuera de las zonas habilitadas.
La industria del turismo continúa siendo uno de los motores económicos más importantes de Italia, aunque el éxito de visitantes comienza a generar efectos inesperados. Una de las medidas más llamativas se conoció en Varenna, una exclusiva localidad ubicada a orillas del lago Como, cuya decisión cobró repercusión internacional luego de que fuera difundida por CNN.
Las autoridades del municipio resolvieron aplicar multas de hasta 200 euros a quienes recorran las calles del pueblo sin remera o utilizando traje de baño fuera de los espacios destinados para ello. A partir de ahora, esa vestimenta solo estará permitida en playas, muelles y áreas de embarque.
Los turistas sorprendidos con el torso desnudo en Varenna podrían ser pasibles de multas. Foto: Gentileza
La disposición resulta llamativa en un país que durante décadas proyectó una imagen asociada a la elegancia, la moda y al atractivo de sus habitantes, especialmente de los hombres italianos, considerados por muchos como referentes mundiales de estilo. Sin embargo, el crecimiento del turismo masivo llevó a priorizar normas de convivencia por encima de esa imagen tradicional.
La regulación forma parte de un paquete de medidas destinado a preservar el patrimonio urbano y mejorar la experiencia tanto de residentes como de visitantes. Entre ellas también figura un límite de 25 personas por grupo turístico, mientras que los guías ya no podrán utilizar parlantes ni equipos de amplificación. El incumplimiento de estas disposiciones podrá derivar en sanciones de hasta 400 euros.
Además, el municipio restringió las concentraciones de grupos en varias calles y callejuelas históricas para evitar la congestión en uno de los destinos más visitados del lago Como, reconocido por su arquitectura, su riqueza cultural y por haber servido de escenario para producciones cinematográficas internacionales. La zona también es elegida como lugar de descanso por celebridades, entre ellas el actor George Clooney.
Habitantes consultados por medios italianos respaldaron las nuevas reglas al considerar que el respeto por los espacios públicos debe prevalecer sobre las costumbres de algunos turistas. Varios coincidieron en que el fuerte incremento de visitantes modificó el perfil del turismo, privilegiando el volumen por encima de la calidad.
La decisión de Varenna se suma a otras restricciones implementadas recientemente en distintos destinos italianos para contener los efectos del turismo masivo. Entre ellas aparecen nuevas regulaciones en playas de Cerdeña, límites de permanencia en balnearios y tasas especiales aplicadas en ciudades como Venecia y Roma durante las temporadas de mayor afluencia.
El fenómeno refleja un desafío cada vez más presente para las economías que dependen del turismo: cómo seguir aprovechando los ingresos que genera la llegada de millones de visitantes sin deteriorar la calidad de vida de los residentes ni el patrimonio que precisamente atrae a esos viajeros.
Fotografías de arte rupestre paraguayo: 5 mil años de historia en exposición
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La una por mantener vivos signos de hace más de 5 mil años, la otra por revelarlos, por ello se llama la muestra “La piedra y la luz”. Son imágenes tomadas hace 15 años en el marco de un estudio prospectivo en el que el fotógrafo Fernando Allen trabajó haciendo registro. Las inscripciones, las huellas de ancestros de 5 mil años exponen sus misterios en el emblemático centro europeo del arte prehistórico, el Museo de Altamira, en España.
Hasta el 18 de octubre se puede asistir en el Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira, a la muestra “La piedra y la luz” del fotógrafo compatriota Fernando Allen. El espacio, situado en la localidad de Santillana del Mar, Comunidad Autónoma de Cantabria, España, es uno de los centros de investigación y estudio de arte prehistórico más importantes del mundo. Allí se protege la historia de célebre Cueva de Altamira, Patrimonio de la Humanidad, mediante una réplica exacta donde se muestran dibujos de más de 36 mil años, que se inscriben entre los más antiguos de la tierra.
De allí la importancia de mostrar el arte rupestre del Amambay y el Guairá en ese sitio emblemático. Las imágenes que se exponen se obtuvieron cuando Allen acompañó un estudio de los arqueólogos del Museo de Altamira. Ese equipo estuvo encabezado por el entonces director del centro, José Antonio Lasheras, fallecido en 2016, y realizó un completo estudio del arte rupestre de la región Oriental.
En la tarea realizada hace 15 años, Allen fue fotógrafo y colaborador local del equipo e hizo prospección y documentación junto a los investigadores españoles. Así mientras registraba los pedidos científicos, fue buscando distintas tomas de acuerdo a las diferentes intensidades de luz que le daban las jornadas.
Estas magnéticas imágenes presentadas en un especial soporte textil y en gran tamaño, ahora pueden disfrutarse en esta muestra elogiada por medios españoles.
El fotógrafo Fernando Allen, expositor
Comentó el Museo de Altamira: “Las personas que poblaron esta región hace milenios nos dejaron signos inscritos en piedra, grabados en abrigos rocosos o en rocas aisladas que usaron como lienzo. Ahí plasmaron su pensamiento simbólico, expresión de su subconsciente colectivo. Hoy en día este arte supone un enigma, ya que el código que permitía descifrar su significado se perdió en algún momento a lo largo de sus miles de años de historia.
Con este proyecto, el fotógrafo Fernando Allen trata de arrojar luz sobre el arte rupestre de Paraguay, no para descifrar su significado, sino para hacernos sentir de alguna forma los secretos que albergan estas piedras”.
AQUÍ LA CHARLA DEL EXPOSITOR CON NACIÓN MEDIA:
–El Museo de Altamira es referencia en el arte prehistórico. ¿Qué sensaciones te deja estar exponiendo allí?
–Supongo que es un honor para mí, tanto en lo personal como en el plano artístico y cultural. La muestra pone en cartelera internacional al arte rupestre del Paraguay, lo cual significa visibilizar el arte prehistórico presente en varias regiones de nuestro país, como el Amambay y el Guairá.
La muestra estará en exposición hasta octubre en el prestigioso Museo de Altamira
–Contanos por qué elegiste el original soporte textil para tus imágenes ¿Tiene que ver con lo táctil?
–Sí, tiene mucho que ver con lo experiencia táctil, ya que las telas reproducen de manera muy particular las texturas y contrastes de las piedras que son el soporte de las inscripciones rupestres. Además de ello, la impresión por sublimación sobre textiles ofrece una sensación tridimensional que al papel le cuesta. Por todo esto, propuse a la dirección del Museo que las obras puedan ser tocadas, como si se tratara casi de una piel adornada con antiguos tatuajes. El diseño expositivo, a cargo de Elefante Mental, lo planteamos en base a estas configuraciones, para aprovechar al máximo las posibilidades expresivas del soporte. Las fotos, que son enormes modificando ex profeso la escala de las inscripciones originales, están montadas sobre una base de espuma fina que permite al tacto una sensación suave, como la de tocar la superficie de una piel.
–¿Qué devoluciones te van dando los que visitan la muestra?
–La propuesta conceptual en general, ha sido muy bien recibida por el público. Esperamos que durante los 4 meses que dura la muestra, el retorno siga siendo positivo.
–Acompañaste al equipo científico que estudió este arte rupestre. ¿Recordás algunas conclusiones de ese estudio?
–En palabras de la directora del Museo de Altamira, Pilar Fatás Monforte: “Este trabajo fue posible gracias a la colaboración entre especialistas españoles y paraguayos, unidos por un objetivo común: descubrir, documentar, conservar, investigar y difundir este valioso patrimonio cultural.
La muestra incluye las obras de la diseñadora Ofelia Aquino, con 3 piezas textiles diseñadas y confeccionadas previamente impresos con fotografías de arte rupestre
Hasta entonces, el arte rupestre paraguayo era prácticamente desconocido en el ámbito científico y, además, estaba rodeado de interpretaciones erróneas dentro del propio país, donde su origen y autoría se atribuían, de forma infundada, a la época vikinga.”
–¿A qué grupo étnico se adjudican los signos?
–De manera genérica, a grupos de cazadores - recolectores que poblaban estas regiones. Recordemos que la datación realizada por los técnicos del Museo de Altamira, registran una antigüedad mayor a 5.200 años antes del presente. Las clasificaciones por grupos étnicos tal como las conocemos hoy, comenzaron a utilizarse en tiempos más recientes.
–¿Qué recordás de aquellos días en que registraste estos grabados?
–Al realizar estas fotografías a lo largo de varios años, sentí siempre la conmoción de saberme en lugares extraordinarios. “Solo en los sitios en que se ha cometido un hecho tremendo, merodean fantasmas” (Sigfried Krakauer, “La fotografía”). Los he sentido (o quizás, presentido) en todos estos espacios, cada vez que he trabajado en ellos. Fantasmas de personas, jaguares, aves, bosques, aromas, murmullos y fogatas prehistóricas iluminando inimaginables rituales permanecen aún, delicadamente, en estos sitios. Fragmentos de aquellas expresiones sensibles que han sostenido un vasto universo simbólico, son hoy frágiles vínculos a ese pasado. Lo saben sus actuales guardianes, los Paí Tavyterã, quienes resguardan estos santuarios de la memoria para proyectarlos al futuro, junto con las claves que contienen el origen del mundo. Esta exposición está dedicada a ellos.
“La piedra y la luz” reúne a artistas, investigadores y técnicos de Paraguay y España en una experiencia inmersiva
-–Tenés también importantes colaboradores en esta muestra.
–Sí, es muy importante mencionar que la muestra incluye la participación de la diseñadora Ofelia Aquino (cuya marca profesional es Ofelia Otello), con quien hemos desarrollado 3 piezas textiles que tienen un espacio propio en el montaje de la exposición. Estas 3 piezas han sido diseñadas y confeccionadas por Ofelia utilizando diferentes tipos de textiles previamente impresos con fotografías de arte rupestre de mi autoría. En palabras de Ofelia: “Del mismo modo en que los grabados ancestrales fueron trazados por la mano sobre la superficie de la piedra, cada una de las piezas textiles fue construida mediante técnicas de amasado y drapeado realizadas manualmente. Un gesto que recupera la huella del hacer, donde la mano actúa como herramienta de inscripción y transformación de la materia, estableciendo un diálogo entre el acto ancestral de grabar la piedra y el proceso contemporáneo de modelar el textil”.
–¿La podremos ver en Paraguay en algún momento?
–Me encantaría, pero dependerá de lograr el apoyo necesario para hacerla posible.
MENSAJES DE MÁS DE 5 MIL AÑOS
“Por un sistema de datación absoluta y de radiología hemos obtenido la fecha más antigua para este tipo de arte, en todo el continente”, dijo el arqueólogo José Antonio Lasheras durante la presentación del estudio en el que se tomaron las fotografías que componen la muestra de Allen.
En aquel mayo de 2012 se entregó a la Secretaría de Cultura (SNC) el Informe Final del “Plan de Registro y Realización del Inventario Nacional del Patrimonio Arqueológico Pre-cerámico y del Arte Rupestre en la Región Oriental del Paraguay”.
El equipo recorrió todos los sitios con inscripciones en los cerros del Amambay, a orillas del Aquidabán, del arroyo Ypané y del arroyo Yguasu, también los ubicados en la zona más norte de ese departamento cerca del Parque Nacional de Cerro Corá, algunos dentro del propio parque y otros en sus alrededores y un sitio aislado en el Ybyturusu, cerca de Villarrica, en el sitio de Ytororo y en el sitio de Ita Letra, que es conocido desde hace años.
Lasheras, fallecido en 2016, era director del Museo Nacional y Centro de Investigación de Altamira-España al momento de la realización del trabajo y al comentar sobre la tarea expresó: “En Brasil no está bien datado, no se conoce bien la cronología de este tipo de arte de signos grabados”, para recordar que en Argentina los arqueólogos piensan que los grabados más antiguos pueden ser de hace 4 mil años, cuando mucho. “Nuestra fechación es de 5.202 años. La tenemos asociada a la industria lítica, que es la más antigua del continente”.
Siguiendo con la idea expuso: “Creemos que quizás en Amambay, se generó un discurso, unas ideas que se acompañaban de unos signos, que esos signos se ordenaron aquí y luego se extendieron por todo el continente, y esta es una aportación muy importante que en este momento hace Paraguay a la Prehistoria del continente”.
Otro dato relevante en la consideración del arqueólogo fue que “además hay que pensar que esa fechación se obtuvo en el cerro sagrado de los Paí Tavyterã, en Jasyka Vendá, el Cerro Guasu, donde ellos saben que Dios creó el mundo y creó la humanidad, que todo se originó allí; entonces, que los arqueólogos descubramos ahora que algo quizá tuvo su origen allí, nos sorprende a nosotros, pero no sorprende a los Paí, que ya lo sabían que todo tuvo allí su origen”, consideró.
CÓMO SE HIZO
“La piedra y la luz” reúne a artistas, investigadores y técnicos de Paraguay y España en una experiencia inmersiva, cuenta Fernando Allen. Se incluyen Apykas, asientos ceremoniales realizados por la artista Silvia Arce de la Comunidad Paĩ Tavyterã de la localidad de Ita Guasu, en Amambay.
También reproducciones de arte rupestre realizadas por los especialistas Alfredo Prada Freixedo (del Museo de Altamira) y Anabel Panzuela Rodríguez (de la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Cataluña). La exposición se apoya en textos elaborados en conjunto por el crítico de arte Ticio Escobar, Pilar Fatás y Alfredo Prada.
Las fotos pasaron al textil mediante el sistema de impresión por sublimación en los laboratorios especializados de la firma DLife en Asunción. El guion expositivo, la identidad visual y la gráfica de sala estuvieron a cargo del estudio paraguayo Elefante Mental, integrado por Javier Palma, Lucas González, Jimena Riso y Natalia Villar.
La impresión final, logística de sala y montaje en los pabellones de Cantabria fueron ejecutadas por la empresa Serisan Comunicación Gráfica, bajo la coordinación general de la plataforma NEXO.
La gestión institucional estuvo bajo la coordinación de Pilar Fatás Monforte y Adela González Arroyuelo con el apoyo del Ministerio de Cultura de España en alianza con el Museo de Altamira.
La Cámara de Distribuidores de Automotores y Maquinarias (Cadam), realizó el lanzamiento de la 29ª edición del Cadam Motor Show. El evento estuvo encabezado por el presidente de la Cámara, Dr. Miguel Carrizosa, el vicepresidente, Dr. Víctor Servín, el gerente general, Econ. Diego Lovera y representantes de las empresas auspiciantes que acompañan esta edición.
Cadam Motor Show es la mayor exposición del mundo automotor en un solo lugar, la propuesta contempla más de 11.000 metros cuadrados de exposición, con lo mejor del mundo automotor en un solo lugar, y la participación de más de 40 marcas y 300 modelos de vehículos, entre camionetas, SUV, furgones de carga y pasajeros, entre otros.
En su 29ª edición, el evento se caracteriza por presentar lo último en tecnología e innovación automotriz, con el respaldo de los representantes oficiales de las marcas. Esta muestra, dirigida a las familias paraguayas, permite a los visitantes comparar opciones en un entorno seguro y climatizado, así como acceder a condiciones de financiamiento preferenciales, gracias a las alianzas con bancos, cooperativas y concesionarias participantes.
Empieza este martes la Semana de la Moda masculina de París
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Lo nuevo de Jonathan Anderson para Dior, la primera colección masculina de Sarah Burton para Givenchy o la propuesta de aires chicanos de Willy Chavarria serán algunos de los momentos destacados de esta Semana de la Moda de París, que empieza el martes.
“Masculinidad híbrida”
Durante seis días, unas 70 marcas desvelarán sus nuevas colecciones masculinas para la próxima primavera-verano. Los cambios que sacudieron al sector el año pasado con nuevos creativos al frente de legendarias casas, como Chanel y Dior, empiezan a quedar lejos y las expectativas son más bien cómo se asentará el estilo de estos diseñadores.
La convulsa actualidad geopolítica podrá verse reflejada en las pasarelas. “Cuando las relaciones sociales, culturales, incluso en la política, se vuelven más complejas, siempre se traduce en una respuesta mucho más creativa”, explica para AFP Patrick Clark, editor de moda de la revista GQ France.
En su opinión, “hay una auténtica voluntad en el hombre de cuestionar los códigos y las técnicas que suelen reservarse al ámbito de la moda femenina y que, ahora, se incorporan y se asumen en la moda masculina”.
El resultado será una moda que vaya hacia una “masculinidad emergente, más híbrida”, como ya empezó a verse en ediciones pasadas, con siluetas masculinas más románticas, al estilo dandi.
Anderson en el foco
Jonathan Anderson volverá a estar en el centro de atención con su tercera colección masculina en Dior, tras haber mostrado en enero una propuesta que mezclaba toques aristocráticos y punk.
El norirlandés de 41 años, considerado uno de los niños prodigio de la moda y reconocido por su desbordante creatividad, podría volver a deslumbrar con sus combinaciones improbables.
“Me gusta lanzar ideas al azar y ver qué funciona. No me importa fracasar o equivocarme. Lo que sobre todo no quiero, es crear algo banal”, explicaba recientemente al diario francés Le Monde.
El desfile, programado para el miércoles a las 14:30 (12:30 GMT), fue adelantado a las 9:00 (7:00 GMT) de la mañana, debido a la ola de calor que azota estos días a Francia. Junto al Dior de Anderson, el otro momento más esperado de la semana será el de Louis Vuitton, el martes, donde probablemente Pharrell Williams desplegará todo su ingenio en aras de un desfile espectacular plagado de estrellas.
Aires nuevos en Givenchy y Celine
La británica Sarah Burton presentará su primera colección masculina para Givenchy, en la categoría de “presentación”, casi dos años después de su nombramiento.
“Veremos mucho tailoring [confección], muchas prendas en 3D, piezas con mangas...”, pronostica Marc Beaugé, director de la revista francesa L’Étiquette, para esta creadora, conocida por su dominio de la sastrería y por haber firmado el vestido de novia de Kate Middleton.
Bajo la dirección artística de Michael Rider, Celine será uno de los desfiles más seguidos. El estilista estadounidense, de regreso a esta casa después de una década en sus talleres en los años 2010, presentará el domingo su primera colección masculina.
En Hermès, tras el adiós de Véronique Nichanian tras casi cuatro décadas al frente de las colecciones masculinas, los diseños del sábado correrán a cargo del estudio a la espera del debut de Grace Wales Bonner en enero.
El activista Willy Chavarria
El diseñador estadounidense de raíces mexicanas Willy Chavarria, un nombre que está ganando peso en París tras triunfar en Nueva York, desfilará por cuarta vez en la capital francesa.
En enero mostró su colección llena de sastrería impecable y piezas de aire retro, en un show entre película, concierto y desfile. Y el año pasado otra presentación dio mucho que hablar cuando salieron varios hombres tatuados arrodillados, recordando a las imágenes de las cárceles en El Salvador.
Chavarria, abiertamente activista, defensor de los migrantes y de la causa LGBTQ, integra a menudo en sus desfiles a cantantes superconocidos, como el colombiano J Balvin, la chilena Mon Laferte o el grupo latino Santos Bravos.
Nuevos talentos
Entre todas estas célebres marcas, también figuran jóvenes diseñadores emergentes, como la belga Meryll Rogge, directora artística de la italiana Marni, que mostrará su colección masculina en París con su propia marca epónima. En sus propuestas experimenta con los tejidos y mezcla códigos masculinos y femeninos.
El japonés Soshi Otsuki, ganador el año pasado del prestigioso premio LVMH, traerá probablemente sus trajes fluidos, inspirados en la tradición nipona.
“Las generaciones jóvenes encarnan perfectamente el lema de creatividad, autenticidad, naturalidad e historia personal” que integran en sus colecciones, afirma Patrick Clark, de GQ France. La española Sonia Carrasco y sus trajes con costuras a la vista, así como la marca brasileña P_Andrade también están presentes en el calendario oficial.